Abstração Geométrica: NÃO Outro Conto Heroico de Malevich e Mondrian

Por que as linhas retas ainda importam

A abstração geométrica é uma daquelas histórias da arte que todo mundo acha que conhece. Alguns quadrados de Malevich, um Mondrian em cores primárias, um pouco de Op Art que faz seus olhos doerem, e então a história supostamente termina. Na maioria dos rótulos de museus e livros gerais, ela aparece como uma narrativa linear, heroica e um tanto austera: um pequeno grupo de pioneiros faz uma série de avanços, cada um levando ordenadamente ao próximo, até que o capítulo se encerra.

Ainda assim, a persistência de linhas retas, grades e estruturas codificadas na pintura, escultura e trabalho digital contemporâneos sugere algo mais. A geometria não é um capítulo encerrado; é uma linguagem viva que os artistas continuam reaprendendo, contestando e adaptando a novos propósitos. Em vez de recontar essa narrativa linear heroica, este artigo segue um conjunto de tensões que percorrem a abstração geométrica desde o início do século 20 até hoje: espiritual vs. racional, utópico vs. irônico, mão vs. código.

(E para aqueles que estão aqui estritamente pela história básica, e sejamos honestos, um tanto entediante da Abstração Geométrica, sintam-se à vontade para rolar direto para o FAQ no final desta página: ele cobre perfeitamente a versão didática!)

Quadrados Espirituais e Fé Não Objetiva

No início do século 20, a geometria não era a ferramenta de design limpa e secular que pensamos hoje. Era profundamente estranha. Para artistas como Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich, a geometria era um veículo para o oculto. Fortemente influenciados pela Teosofia e pela ideia de que "formas de pensamento" poderiam ser visíveis, eles viam o triângulo e o círculo não como formas, mas como dramas condensados de forças.

Quando Malevich pintou seu Quadrado Negro, não foi um exercício formalista; ele o chamou de "ícone nu, sem moldura" para uma nova religião. O compromisso foi total: quando ele morreu em 1935, um Quadrado Negro foi montado no capô do caminhão que carregava seu caixão, como uma bandeira regimental. Essa linhagem, onde a borda dura serve ao espírito suave, persiste. Não se trata de matemática; trata-se de respiração.

C63 por Elizabeth Gourlay (2022)

Vemos esse legado no trabalho da falecida Elizabeth Gourlay (1961–2024). Sua prática nunca foi sobre a rigidez da linha, mas sobre sua ressonância. Muito parecido com os primeiros pioneiros que buscavam uma música visual, as composições de Gourlay funcionavam como partituras. No entanto, onde Malevich buscava um ponto zero radical, Gourlay encontrou uma acumulação meditativa, usando sutis mudanças de cor e tom para criar uma geometria que parecia crescer em vez de ser construída, um "gráfico de um estado de espírito" em vez de um projeto.

Utopias em Cores Primárias e Arte Concreta

Uma fé diferente surgiu com De Stijl e o Construtivismo, e mais tarde com a Arte Concreta. Aqui, a grade não era uma janela para a alma, mas um modelo para uma sociedade melhor. O momento definidor veio quando Theo van Doesburg publicou seu Manifesto da Arte Concreta em 1930, declarando que "nada é mais real do que uma linha, uma cor, uma superfície." A ideia era radical: uma pintura abstrata abstrai da realidade (como uma árvore simplificada), mas uma pintura concreta é sua própria realidade. Ela não mente.

Essa busca por uma arte de clareza absoluta, livre da confusão da emoção, criou um tipo específico de intensidade silenciosa. Essa atmosfera é palpável no Musée d’Art Concret em Mouans-Sartoux, um lugar que nós, da IdeelArt, visitamos frequentemente. Isso nos lembra que essa forma específica de abstração oferece uma experiência física de paz, um santuário de lógica em um mundo caótico.

XXIV 33 212 (Díptico) por Pierre Muckenstürm (2024)

Essa sensação de estabilidade "concreta" é central para Pierre Muckensturm. Ele não está tentando expressar um sentimento passageiro; ele está construindo um objeto. Ao organizar suas telas em torno de intervalos e pesos cuidadosamente calibrados, ele cria uma quietude que parece inevitável. É uma continuação contemporânea da promessa do Concreto: que uma imagem perfeitamente equilibrada pode, talvez, induzir uma mente equilibrada.

A Grade, a Cidade e o Sinal

À medida que o século avançava, a grade migrou de um plano utópico para algo mais ambivalente. Começou a parecer as grades de uma prisão, ou o layout de uma planilha. Nos anos 1980, o movimento Neo-Geo, liderado por artistas como Peter Halley, reinterpretou o quadrado não como um vazio espiritual, mas como uma "célula" — referenciando tanto células biológicas quanto celas de prisão, conectadas pelos "condutos" da infraestrutura moderna.

Large Test Pattern 3 de Tom McGlynn (2002)

O artista geométrico hoje frequentemente atua como decodificador dessa paisagem urbana. Estamos cercados por gráficos instrucionais, mapas de metrô e sinais de advertência. Tom McGlynn opera nesse vernáculo. Ele trata o ruído visual da cidade - vitrines, sinalizações, logos - como dados brutos, removendo a mensagem comercial para deixar apenas a sintaxe esquelética do ambiente urbano.

Enchantment Hurdu  de Philippe Halaburda (2020)

De forma semelhante, Philippe Halaburda mapeia um tipo diferente de território. Suas "psicogeografias" parecem mapas de trânsito frenéticos ou placas de circuito explodidas, capturando os fluxos invisíveis de dados e movimento que definem nossas vidas. Onde Mondrian pintou o boogie-woogie da grade de Nova York, artistas contemporâneos pintam a sobrecarga da fazenda de servidores.

Percepção: Quando o Olho Glitcha

Se a abstração inicial era séria, a metade do século trouxe um "hack" para o sistema operacional humano: a Op Art. Quando o MoMA abriu a exposição "The Responsive Eye" em 1965, a reação foi visceral: alguns visitantes chegaram a desmaiar ou relatar náusea! A obra de arte não estava apenas ali; ela fazia coisas com você. Artistas como Bridget Riley provaram que uma superfície estática poderia gerar movimento, não por mágica, mas pela fisiologia da visão.

Mareas  de Cristina Ghetti (2024)

Artistas contemporâneos se afastaram do "ataque" agressivo à retina em direção a vibrações mais sutis. Cristina Ghetti usa o efeito moiré, os padrões de interferência criados por grades sobrepostas, mas desacelera isso. Em vez do vertigem tonto dos anos 60, seu trabalho oferece um zumbido tátil, uma frequência visual que convida o espectador a ajustar seu foco. Não se trata tanto de enganar o olho quanto de testar seus limites, criando um espaço onde o glitch digital encontra a tela pintada.

Harmonias Geométricas: O Algoritmo Antes do Computador

Muito antes da IA generativa, artistas geométricos já usavam algoritmos. Sol LeWitt escreveu famosamente: "A ideia se torna uma máquina que faz a arte." O trabalho do artista era escrever o código (as regras); a execução era secundária. Isso conecta ao grupo Oulipo na literatura: escritores que acreditavam que restrições rigorosas (como escrever um romance sem a letra 'e') forçavam uma criatividade maior.

Dawn Light Skew 2  por Debra Ramsay (2023)

Hoje, essa abordagem "algorítmica" é padrão, esteja o computador envolvido ou não. Debra Ramsay atua como uma registradora humana de dados. Ela acompanha mudanças em ambientes naturais — as cores mutantes de uma árvore específica ao longo de um ano — e traduz esses dados em sistemas rigorosos de linhas. O resultado é uma pintura que parece abstrata, mas é na verdade um conjunto específico de dados de tempo e luz.

Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) por Jasper van der Graaf (2023)

Vemos um rigor semelhante em Jasper van der Graaf, cujo trabalho desconstrói a própria noção de padrão. Ao deslocar e recombinar módulos geométricos, ele cria um ritmo visual que parece uma linguagem que quase entendemos. É a beleza do sistema: a satisfação de ver a matemática funcionar, mesmo que a equação permaneça oculta.

Rigor e Travessura: Quebrando a Grade

Existe um equívoco de que a arte geométrica é sem humor. Mas há uma longa tradição de "abstração excêntrica." Pense em François Morellet, que determinava as curvas de suas pinturas usando os dígitos de Pi, ou Heimo Zobernig, que usa a grade com uma desleixada ironia deliberada. A geometria pode ser um jogo, uma forma de estabelecer uma regra apenas pelo prazer de quebrá-la.

12 Shapes por Dana Gordon (2024)

Dana Gordon Dana Gordon atua nesta zona de exuberância organizada. Suas pinturas são construídas a partir de aglomerados densos e rítmicos de formas que sugerem uma grade sem ficar preso a ela. É uma forma de improvisação geométrica — muito parecida com o jazz — onde a estrutura fornece o ritmo, mas a cor e a marcação são livres para improvisar e vagar. O resultado é uma "geometria solta" que parece viva e consistentemente lúdica, em vez de calculada.

Red Frames por Daniel Göttin (2019, Amsterdam, Instalação Permanente)

No reino tridimensional, Daniel Göttin leva essa brincadeira para o mundo real. Ele usa materiais industriais, fita, madeira, metal, para intervir em espaços arquitetônicos. Ele segue regras estritas, mas o resultado é determinado pelas irregularidades da sala: uma ventilação, um canto, uma janela. É um diálogo entre o ideal platônico do quadrado e a realidade bagunçada da parede da exposição.

Além da Superfície Plana: Geometria Violenta

"O que você vê é o que você vê", disse Frank Stella, insistindo que uma pintura é apenas um objeto, não uma janela. Isso levou os artistas a quebrar completamente o retângulo. A artista contemporânea Angela de la Cruz é famosa por pegar o monocromático geométrico e quebrar as barras do estirador, amassando a pintura em um destroço escultórico.

Bulge  por Holly Miller (2007)

Embora menos violento, muitos artistas hoje estão igualmente comprometidos com a ideia de que a geometria deve escapar do plano plano. Holly Miller substitui a linha pintada por um fio físico, costurando diretamente na tela. A "linha" não é mais uma representação; é uma tensão física que projeta uma sombra real.

Brand New Day por Tom Henderson (2018)

Da mesma forma, Tom Henderson avança para o reino do acabamento industrial, usando Plexiglas e óleo para criar esculturas de parede que capturam luz e reflexo, mudando conforme o espectador se move. E Louise Blyton desafia os quatro cantos padrão da pintura com suas telas moldadas e linho cru, suavizando a borda dura através da textura do material natural. Eles nos lembram que a geometria não é apenas um conceito mental; é uma coisa no mundo, com peso, textura e consequência.

Inside and Outside por Louise Blyton (2020)

Conclusão: Vivendo com Sistemas

Vivemos cercados por geometrias que não escolhemos: planos urbanos, interfaces, redes logísticas. A abstração geométrica não apenas espelha esses sistemas; ela oferece um espaço para examiná-los, desacelerá-los ou imaginar alternativas.

Seja pelas partituras meditativas de Elizabeth Gourlay ou pela decodificação urbana de Tom McGlynn, esses artistas provam que a geometria não é uma prisão. É uma linguagem. E o desafio agora não é repetir o cânone, mas ver como essas formas ainda podem falar em um mundo onde a geometria se tornou tanto nosso habitat quanto nossa restrição.

Por Francis Berthomier
Todas as imagens © os artistas, representados pela IdeelArt
Imagem em Destaque: Message  por Dana Gordon (2023, detalhe)

Arte Geométrica do Nosso Inventário (Uma Seleção)