Você Recebeu a Mensagem? Como Artistas Abstratos Comunicam a Urgência Ambiental

Sem uma figura, sem uma narrativa, sem representação literal: como transmitir uma mensagem na arte visual? Este é o dilema do ativista na arte abstrata, e explica por que a abstração verdadeiramente ativista permanece notavelmente rara. A arte figurativa pode nos mostrar um urso polar derretendo, uma cidade inundada, o rosto de um manifestante. A arte abstrata oferece apenas cor, forma, gesto, material. No entanto, à medida que a crise climática acelera e exige todas as vozes, um grupo pioneiro de artistas provou que a abstração pode, de fato, ser ativista, não apesar de sua resistência a mensagens explícitas, mas por causa do que ela oferece de forma única.

O desafio é real. A comunicação climática convencional (imagens catastróficas, dados avassaladores) atingiu seus limites, frequentemente induzindo o que pesquisadores chamam de "fadiga climática" ou paralisia emocional. A arte ambiental abstrata oferece uma estratégia alternativa: em vez de retratar o desastre, ela modela processos ambientais (fluxo, dissolução, acumulação) e envolve os espectadores por meio da experiência sensorial e emocional direta. Ela não mostra a crise; faz você senti-la.

Este artigo explora como artistas abstratos comunicam a urgência ambiental por meio de seis estratégias estéticas distintas. Através do trabalho de artistas pioneiros (Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker e outros), examinaremos como as aparentes limitações da abstração se tornam forças inesperadas na defesa ambiental.

Dois Modelos, Seis Estratégias

O ativismo ambiental abstrato opera através de dois modelos abrangentes: o Modelo Afetivo, que usa ritual, participação e luto coletivo para fazer os espectadores sentirem as questões ambientais por meio de uma experiência emocional compartilhada; e o Modelo Cognitivo, que usa visualização, imersão e escala para fazer os espectadores entenderem sistemas e processos ecológicos invisíveis.

Dentro desses modelos, os artistas empregam seis estratégias principais:

1. Tornando o Invisível Visível: Algumas das forças ambientais mais destrutivas permanecem invisíveis a olho nu: carbono atmosférico, mudanças de temperatura, ecossistemas microscópicos, tempo geológico que se move lentamente demais para a percepção humana. Artistas abstratos encontraram maneiras de traduzir esses fenômenos ocultos em formas perceptíveis, tornando tangível o que não podemos ver, mas precisamos desesperadamente entender.

2. Testemunho Material: Em vez de representar a crise ambiental, alguns artistas deixam seus materiais se tornarem participantes ativos na mensagem. Eles usam substâncias ecologicamente significativas ou permitem que processos naturais como erosão, dissolução e decomposição moldem a própria obra. A obra de arte torna-se um vestígio forense, evidência física de eventos ambientais em vez de uma representação deles.

3. Escala e Imersão: Formatos monumentais e instalações imersivas podem sobrecarregar os espectadores, forçando uma confrontação corporal com a vastidão dos ecossistemas. Essa estratégia quebra a distância confortável entre observador e ambiente, usando a escala física para combater a alienação que alimenta a crise ecológica. Quando você está cercado ou é diminuído pela obra, o entendimento intelectual dá lugar à experiência visceral.

4. Cor como Dados/Testemunho: A cor na abstração ambiental frequentemente funciona menos como expressão emocional e mais como informação codificada. Artistas usam paletas específicas para traduzir dados (níveis de poluição, mudanças de temperatura, métricas de biodiversidade) ou para servir como testemunho simbólico da vitalidade biológica. Um verde particular não é apenas bonito; ele carrega um testemunho sobre uma floresta específica, um momento específico de observação ecológica.

5. Repetição e Acumulação: O gesto repetido, o objeto acumulado, a forma serializada podem modelar fenômenos ecológicos que se desenrolam ao longo do tempo e da quantidade: crescimento celular, fragmentação do plástico, o impacto cumulativo da produção industrial. Quando elementos individuais se multiplicam em milhares, a obra torna visível a escala da crise ambiental de maneiras que imagens isoladas não conseguem.

6. Experiência Incorporada: Algumas obras exigem mais do que atenção visual. Elas requerem participação física, envolvem múltiplos sentidos (toque, olfato, temperatura) ou criam rituais colaborativos. Ao transformar os espectadores de observadores passivos em participantes ativos, essas obras provocam respostas afetivas (luto, calma, ansiedade, conexão) que vivem no corpo em vez da mente, criando um tipo de entendimento profundo que motiva a ação ética.

Vamos ver como essas estratégias funcionam na prática.

Jaanika Peerna - Big melt #10 e Big Melt #16 (2016) 

O Modelo Afetivo: Glacier Elegies de Jaanika Peerna

Jaanika Peerna, uma artista nascida na Estônia, que trabalha entre Nova York, Berlim e Tallinn, desenvolveu uma das abordagens mais sofisticadas para o testemunho ambiental por meio da performance participativa e dissolução controlada. Sua prática passou por uma mudança deliberada por volta de 2017 para abordar diretamente o colapso climático, transformando seus estudos anteriores das forças naturais (vento, água, luz) em ativismo climático explícito.

A técnica de Peerna envolve segurar punhados de lápis em cada mão e executar gestos espontâneos com o corpo inteiro sobre grandes folhas de Mylar, criando desenhos cinéticos que registram forças naturais por meio do movimento puro. Os lápis tornam-se extensões do seu corpo, transformando a artista no que os críticos chamam de "um vaso que captura processos naturais." Mas o poder ativista emerge no segundo ato da performance.

No seu projeto contínuo Glacier Elegy, Peerna convida o público a colaborar na criação desses desenhos em grande escala. Em seguida, ela introduz blocos de gelo natural na superfície. À medida que o gelo derrete, dissolve ativamente as linhas e pigmentos desenhados, apagando a criação colaborativa em tempo real. Esse processo colapsa décadas de derretimento glacial em uma experiência imediata e incorporada de perda.

O gênio está na participação pública (Estratégia 6: Embodied Experience). Ao incluir o público na criação, Peerna garante investimento emocional; a destruição subsequente torna-se uma perda compartilhada e tangível, em vez de dados abstratos. A obra não retrata o derretimento glacial; ela o encena, transformando os espectadores em testemunhas e enlutados. Sua abordagem reconhece que imagens catastróficas convencionais frequentemente induzem paralisia; seu método ritualístico oferece um "caminho" estruturado através do luto climático avassalador, transformando o engajamento da observação passiva em algo que ela chama de "um ato de responsabilidade ética e cuidado pelo planeta."

O gelo derretido funciona como Material Witness (Estratégia 2). A água não é apenas um meio; é um agente ativo de transformação e destruição. A gravidade e o fluxo ditam a composição final, tornando a obra um documento forense do próprio processo de dissolução. Peerna também desenvolveu uma dimensão temporal sofisticada (Scale/Immersion, Estratégia 3). Enquanto seu trabalho anterior celebrava processos naturais lentos, Glacier Elegy acelera deliberadamente o trauma geológico, comprimindo décadas de recuo glacial na breve duração de uma performance ritual. Essa compressão simula urgência de uma forma que os dados climáticos não conseguem.

Peerna estende essa prática para seu trabalho em estúdio, onde realiza versões solo do mesmo processo ritualístico. As obras resultantes (intituladas "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone") apresentam um paradoxo poderoso: monumentos sintéticos permanentes em Mylar que registram tragédias naturais momentâneas, ressaltando a longevidade dos materiais feitos pelo homem contra a fragilidade dos processos naturais.

O acúmulo de linhas cinéticas e gestos no Mylar (Repetição/Acúmulo, Estratégia 5) reflete a complexidade e intensidade das forças naturais registradas. E embora a estética de Peerna seja minimalista (frequentemente preto no branco), seu ativismo está ancorado em um vocabulário preciso (Cor como Dados, Estratégia 4). Seus títulos fazem referência a processos críticos da glaciologia e da ciência climática, fundindo estética emocional com pontos de dados objetivos e fundamentando o trabalho abstrato na realidade científica.

Reiner Heidorn - Classificação Específica #2 e Classificação Específica #1 (2024)

O Modelo Ontológico: Bio-Divisionismo de Reiner Heidorn

Reiner Heidorn, um artista alemão baseado na Baviera, emprega uma abordagem radicalmente diferente. Trabalhando em seu estúdio cercado pelos Alpes e florestas da Baviera, Heidorn desenvolveu o que chama de técnica "Dissolutio" (dissolução em latim), um processo que visa explicitamente dissolver as fronteiras entre a humanidade e o mundo natural.

O ativismo de Heidorn não se centra na poluição ou degradação material como o de Peerna, mas na restauração de uma relação ontológica saudável com a natureza. Suas pinturas são o que ele chama de "passagens" ou "aberturas" para a matéria viva, aspirando criar "um espaço sem fronteiras" entre observador e observado. Essa busca para desmontar a dicotomia sujeito/objeto, identificada por filósofos ecológicos como uma causa raiz da crise ambiental, define a eficácia política de seu trabalho.

Sua técnica oferece um exemplo excepcional de Tornando o Invisível Visível (Estratégia 1). Heidorn transforma estruturas celulares microscópicas e ecossistemas de água doce em vastos campos imersivos de cor. Seu estilo, que historiadores de arte chamam de "Neo-Expressionismo Bio-Divisionista", emprega o que ele denomina "Pontilhismo Microscópico": milhares de pequenos pontos precisos de cor se organizam em graduações suaves, transferindo a linguagem visual da microscopia científica para a expressão emocional. Ele torna perceptível a complexidade e a interconexão da vida que normalmente escapam ao olho humano, tornando visíveis as redes invisíveis que sustentam os ecossistemas.

O próprio processo Dissolutio funciona como Material Witness (Estratégia 2), embora implicitamente. Para manter suas obras em estado de movimento e incorporar a transitoriedade como qualidade estética, Heidorn viola deliberadamente as regras clássicas da pintura a óleo, misturando cores diretamente na tela e aceitando "erros" como bolhas e crateras. Essa alteração do meio assegura que a obra incorpore fluxo e mudança, reforçando a ideia de matéria viva e mutável e entregando o controle aos processos naturais.

O formato de suas obras é um mecanismo crítico de defesa (Scale/Immersion, Estratégia 3). Suas telas são monumentais e de grande escala, projetadas para "sobrecarregar os espectadores", funcionando como "portais" que imergem o espectador em matéria viva e mutante. Essa escala monumental é uma estratégia ativista intencional para combater o antropocentrismo. Ao forçar os espectadores a uma confrontação corporal com a imensidão do ecossistema, a obra insiste no que Heidorn chama de "total insignificância do indivíduo." Longe de ser niilista, essa abordagem incentiva a humildade e promove o que ele descreve como "recuperação psicológica." Sentir-se insignificante diante da vitalidade biológica convida os espectadores a dissolver sua separação da natureza, a antítese da alienação que alimenta a crise ambiental.

O trabalho de Heidorn é fortemente baseado na Cor como Data/Witness (Estratégia 4). Sua linguagem visual é dominada pelo verde, não como fundo, mas como sujeito e voz. Historiadores da arte associam isso a um "verde sagrado, a testemunha da vida abençoada e profunda do mundo." Sua paleta, enriquecida com azuis e ocres, evoca explicitamente florestas, lagos e mundos biológicos autônomos. Essas cores não são escolhas decorativas, mas testemunhas de lugares específicos, luz específica, momentos específicos de conexão entre o artista e o ambiente.

A Repetition/Accumulation (Estratégia 5) é intrínseca ao seu método. O Pontilhismo Microscópico baseia-se em milhares de pequenos pontos de cor precisos que se acumulam para formar ecossistemas complexos. Esse uso da repetição modela a densidade e a complexidade estrutural da matéria viva na escala celular, uma representação estética da interconexão necessária e da riqueza biológica no nível microscópico.

Finalmente, o objetivo final de Heidorn é tanto moral quanto psicológico (Embodied Experience, Estratégia 6). Suas pinturas são projetadas para proporcionar momentos de "recuperação psicológica e calma profunda." Ao convidar os espectadores a atravessar essas "passagens" e dissolver as fronteiras entre o eu e a natureza, a experiência imersiva torna-se uma ação terapêutica contra a ansiedade ecológica e a alienação. Críticos relatam uma sensação de "ternura inesperada" vivenciada pelos espectadores, demonstrando a eficácia dessa abordagem não confrontacional. Em uma era de emergência ambiental, a insistência de Heidorn na lentidão e contemplação torna-se uma forma de resistência contra a destruição acelerada dos ecossistemas.

Expandindo o Vocabulário: Três Abordagens a Mais

Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)

Abstração Conceitual: Olafur Eliasson

Olafur Eliasson, o artista conceitual dinamarquês-islandês, usa formas abstratas e minimalistas como sua linguagem principal para comunicação ambiental. Embora ele seja fundamentalmente um artista conceitual, seu trabalho se qualifica como ativismo abstrato através da manipulação de fenômenos naturais (luz, água, atmosfera, percepção) em experiências não figurativas.

Eliasson se destaca em Tornar o Invisível Visível (Estratégia 1) e Experiência Corporificada (Estratégia 6). Obras como Wavemachines ou Regenfenster (Janela da Chuva) replicam fenômenos da água e condições climáticas, permitindo que o público experimente forças naturais invisíveis ou incontroláveis em espaços controlados de museu. Moss wall (1994) envolve diretamente a experiência corporificada ao introduzir materialidade sensorial (aroma, textura do líquen) no ambiente estéril do museu, fazendo os visitantes se tornarem profundamente conscientes da presença biológica viva.

Seu trabalho com cor ilustra a quarta estratégia listada acima (Dados/Testemunho). Os Experimentos de Cor (2019) desconstruem pinturas históricas figurativas de paisagens (como as de Caspar David Friedrich), tratando-as como fontes de dados quantificáveis. Ao analisar, extrair e distribuir proporcionalmente as cores em telas abstratas, Eliasson cria um "conjunto de dados" cromático puro da paisagem. Ele valida a ideia de que a natureza pode ser traduzida em forma abstrata codificada, uma espécie de história da arte forense.

Seu projeto Your planetary assembly (2025) emprega Escala/Imersão (Estratégia 3) através de oito poliedros abstratos cujas cores e arranjo são inspirados em modelos do sistema solar. Projetada como um espaço público de assembleia (referenciando a ágora), a disposição espacial da instalação força os participantes a considerarem seu ambiente imediato dentro de um contexto cósmico maior, ligando geometria abstrata e mapeamento cósmico à ideia de comunidade local.

A prática de Eliasson constantemente questiona: Como a arte pode fazer a crise climática não apenas ser entendida intelectualmente, mas sentida fisicamente? Sua abordagem prova que artistas conceituais podem usar a abstração como seu principal meio para mensagens ambientais, criando experiências viscerais que ultrapassam o entendimento intelectual.

Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totems (2019)

Visualização de Dados: Tornando Estatísticas Tangíveis

Um movimento crescente de artistas usa a abstração como ferramenta para traduzir dados ecológicos complexos em formas acessíveis. Essa prática de "eco-visualização", termo cunhado pela artista Tiffany Holmes em 2005, reinterpreta dados (consumo de energia, níveis de poluição, perda de espécies) por meios tecnológicos e artísticos para influenciar comportamentos. Isso emprega diretamente Tornando o Invisível Visível (Estratégia 1) e Cor como Dados/Testemunha (Estratégia 4).

A instalação Totemy de Alicja Biała e Iwo Borkowicz fornece um exemplo direto. Esses pilares de nove metros de altura usam cor, forma e textura para representar estatísticas climáticas específicas: exploração pesqueira, poluição do ar, extração de madeira. Esta é uma aplicação clara de Escala/Imersão (Estratégia 3) pela altura imponente, Cor como Dados/Testemunha (Estratégia 4) por meio de cores codificadas para estatísticas, e Tornando o Invisível Visível (Estratégia 1) ao tornar tangíveis estatísticas avassaladoras. Os espectadores podem visualizar a escala dos problemas e depois escanear códigos QR para documentação completa, ligando estética abstrata com informação factual.

ScanLAB Projects, o estúdio londrino liderado por artistas fundado por Matt Shaw e William Trossell usa scanners 3D para criar obras digitais abstratas em time-lapse de locais naturais, como um cacto saguaro desabando no Deserto de Sonora. A mudança climática frequentemente se manifesta em escalas de tempo lentas demais para a percepção humana (geleiras derretendo ao longo de décadas, erosão ao longo de séculos). O time-lapse abstrato do ScanLAB resolve isso manipulando e comprimindo o tempo, tornando visível um processo geralmente invisível na escala humana. A obra serve como um arquivo dinâmico, concretizando a noção de Invisible Visible (Estratégia 1) por meio da abstração da duração.

Mandy Barker - Bird's Nest - © Mandy Barker

Acumulação Forense: Mandy Barker

A artista britânica Mandy Barker desenvolveu uma prática conceitual e fotográfica marcante que usa a acumulação para materializar a escala global da poluição marinha. Embora seu meio final seja a fotografia, suas composições abstratas são criadas por meio da montagem intencional e sobreposição de milhares de detritos plásticos coletados.

O trabalho de Barker emprega diretamente Repetição/Acumulação (Estratégia 5) e Testemunha Material (Estratégia 2). A acumulação não é meramente estética; é forense, visando quantificar a escala insustentável do problema. Sua série PENALTY: The World reuniu 992 pedaços de bolas de futebol e detritos marinhos de 41 países para ilustrar a extensão global da questão. A série Hong Kong Soup: 1826 - Spilt documenta grandes derramamentos integrando pellets plásticos (nurdles) na composição, atuando como testemunhas visuais da contaminação.

Cada pedaço individual de detrito se transforma em uma unidade da crise global dos micro e macroplásticos. A escolha dos materiais (resíduos) torna-se um ato ético, transformando a obra abstrata em prova física e convidando o público a repensar sua abordagem aos materiais e ao consumo. Historicamente, repetição e acumulação na arte estavam associadas a temas psicológicos (como as acumulações obsessivas de Yayoi Kusama, por exemplo). No contexto ambiental, a acumulação assume um significado político crítico, diretamente ligado à acumulação e fragmentação de resíduos, particularmente plásticos.

As composições abstratas de Barker são belas e horripilantes simultaneamente. A cuidadosa disposição dos detritos em padrões semelhantes a mandalas ou formas de constelações cria uma sedução visual que atrai os espectadores, para então aplicar um golpe no estômago: cada elemento é lixo, cada peça é evidência da crise ecológica. Essa estratégia prova que a abstração pode conter beleza e urgência no mesmo quadro, usando o prazer estético não como distração, mas como o gancho que mantém os espectadores engajados tempo suficiente para que a mensagem seja assimilada.

Por que o Ativismo Abstrato Funciona: Afeto e Cognição

A análise comparativa dessas práticas revela que a arte ambiental abstrata tem sucesso por meio de dois modelos principais, cada um empregando diferentes combinações das seis estratégias.

O Modelo Afetivo (exemplificado por Peerna) demonstra a superioridade das práticas rituais (Estratégia 6). Ao propor uma estrutura estética para o luto ecológico e a perda coletiva, Peerna oferece um caminho para transformar a tristeza em ação ética. Essa estratégia contorna com sucesso a saturação midiática e a paralisia emocional induzida por imagens catastróficas. Ela oferece o que a comunicação climática convencional não pode: uma forma de enfrentar fatos avassaladores enquanto cura a alma e motiva a ação.

O Modelo Cognitivo (exemplificado por Heidorn, Eliasson e artistas de eco-visualização) usa a abstração para restaurar uma relação saudável com o mundo. Heidorn alcança isso dissolvendo as fronteiras entre observador/observado e usando escala monumental (Estratégia 3) para ensinar humildade diante da vitalidade biológica. A eco-visualização usa a abstração para tornar visível a informação invisível (dados) (Estratégia 4), possibilitando a compreensão cognitiva de processos complexos ou lentos (como o time-lapse do ScanLAB). Eliasson cria ambientes controlados onde forças atmosféricas invisíveis se tornam experiências tangíveis.

Ambos os modelos compartilham uma percepção crucial: a abstração ignora o entendimento intelectual para criar conhecimento visceral e corporal. Quando você participa da criação de um desenho que depois se dissolve diante dos seus olhos, quando fica sobrecarregado diante de uma tela monumental de vida microscópica, quando encontra detritos oceânicos cuidadosamente organizados, a resposta é somática, não cerebral. Isso cria o que pesquisadores chamam de "empatia somática", uma forma mais profunda de compreensão que vive no corpo e motiva a ação de maneiras que estatísticas e imagens catastróficas não conseguem.

Abstração como Testemunho Urgente

A abstração pode ser ativista? O trabalho de Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker e outros prova definitivamente que pode. Mas essas práticas também revelam por que a abstração ativista continua rara: ela exige resolver o "problema da mensagem" que a figuração evita. Sem figuras ou narrativas, artistas abstratos devem encontrar outras estratégias: tornar visíveis sistemas invisíveis, usar transformação material como metáfora, sobrecarregar pela escala, codificar informações em cor, acumular evidências pela repetição, criar experiências que transformam observadores em participantes.

O desafio permanece real. A abstração nunca comunicará com a clareza imediata de uma fotografia de uma floresta desmatada ou uma pintura de um refugiado climático. Mas essas abordagens demonstram que a abstração oferece algo igualmente valioso: a capacidade de testemunhar a crise ambiental através da forma, material e processo; criar beleza que carrega urgência; falar uma linguagem visual universal; fazer sentir o que nem sempre pode ser visto; fornecer estruturas para o luto, cura e ação ética.

Para espectadores e colecionadores, engajar-se com a abstração ativista é em si um ato de testemunho. Quando você passa tempo com as elegias glaciais de Peerna ou os ecossistemas microscópicos de Heidorn, quando encontra as instalações atmosféricas de Eliasson ou os mandalas de detritos de Barker, você participa de um tipo diferente de consciência ambiental, uma que vive no corpo, na sensação, no espaço onde beleza e urgência se encontram. Como esses artistas demonstram, essa participação pode transformar o engajamento climático do desespero avassalador em luto estruturado, da observação passiva em cura coletiva, do afastamento em reconexão.

A abstração ativista é possível. É difícil, é rara, mas quando alcançada, oferece formas de testemunho ambiental que a figuração não pode igualar. À medida que a crise climática exige todas as vozes, esses artistas provam que a abstração tem contribuições essenciais a fazer, não apesar de sua resistência a mensagens explícitas, mas por causa do que essa resistência, quando superada, torna possível.

Jaanika Peerna e Reiner Heidorn são representados pela IdeelArt. 

Imagem em destaque: Wetland por Reiner Heidorn (2023)

Por Francis Berthomier

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