Escultura Abstrata - A Linguagem do Cheio e do Vazio

Desde os primeiros dias do Modernismo, questões foram levantadas sobre a natureza e a diferença entre a arte abstrata bidimensional e tridimensional. Na primeira década do século 20, Constantin Brancusi fez a pergunta básica sobre o que escultura abstrata deveria transmitir: a imagem de um sujeito ou sua essência? Na década seguinte, Pablo Picasso provou que uma escultura não precisava ser esculpida, moldada ou fundida: poderia ser montada. Na década seguinte, Alexander Calder demonstrou que a escultura poderia se mover. E ainda décadas depois, em referência a suas obras interdisciplinares, Donald Judd ofereceu "Objetos Específicos" como uma alternativa para as palavras pintura e escultura. Embora o tema pudesse preencher vários livros, hoje oferecemos a você uma breve linha do tempo, admitidamente muito reduzida, de alguns dos destaques da história da escultura abstrata.

O Pai da Escultura Abstrata

Constantin Brâncusi nasceu na Romênia em 1876, quando o universo da arte fina europeia consistia basicamente em pintura e escultura, e ambas eram quase inteiramente figurativas. Embora a evolução gradual em direção à abstração tivesse começado, poucos artistas profissionais ainda tinham coragem suficiente para tentar a abstração pura, ou mesmo para definir o que exatamente isso significava. A primeira experiência de Brâncusi com escultura foi totalmente prática, esculpindo ferramentas agrícolas para usar como trabalhador infantil. Mesmo quando ele finalmente chegou à escola de arte, foi treinado classicamente. Mas quando Brâncusi deixou a Romênia em 1903, chegando a Paris, ele se envolveu na conversa modernista. Ele concordou entusiasticamente com as ideias que circulavam sobre abstração e logo concluiu que o propósito moderno da escultura era apresentar "não a forma exterior, mas a ideia, a essência das coisas."

Em 1913, algumas das primeiras esculturas abstratas de Brâncusi foram exibidas na cidade de Nova York como parte da Armory Show daquele ano, a exposição que foi em grande parte responsável por introduzir a arte modernista nos EUA. Críticos ridicularizaram publicamente sua escultura Retrato de Mademoiselle Pogany por, entre outras coisas, parecer um ovo. Treze anos depois, Brâncusi teria a última risada com os americanos quando uma de suas esculturas fez com que a lei federal dos EUA fosse alterada. Isso aconteceu quando um colecionador comprou e tentou enviar para os EUA uma das esculturas de pássaros de Brâncusi, que de forma alguma se assemelhava a pássaros, mas representava o voo. Em vez de isentar a escultura abstrata como arte, os oficiais da alfândega cobraram do colecionador um imposto de importação. O colecionador processou e ganhou, resultando em uma declaração oficial dos tribunais dos EUA de que algo não precisava ser representacional para ser considerado arte.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso e a Arte da Montagem

Pablo Picasso foi outro pioneiro vital no início do campo da escultura abstrata, embora ele possa não ter pretendido ser. Por volta de 1912, Picasso começou a expandir suas ideias sobre o Cubismo para o reino tridimensional. Ele começou fazendo colagens, que devido à sua superfície em camadas e ao uso de materiais e objetos encontrados em vez de tinta, já tinham uma espécie de qualidade tridimensional. Então, ele traduziu a ideia de colagem para o espaço tridimensional completo, montando objetos reais, especialmente guitarras, a partir de materiais como papelão, madeira, metal e fio.

Tradicionalmente, a escultura resultava de um molde, ou da formação de uma massa como argila, ou de algum tipo de processo redutivo como a escultura. Picasso desafiou inadvertidamente essa tradição ao criar um item escultórico através do ato de montar peças díspares de materiais encontrados em uma forma. Além disso, ele surpreendeu a todos ao pendurar essa montagem na parede em vez de colocá-la em um pedestal. Os espectadores de arte ficaram perplexos e até indignados com as guitarras de Picasso, exigindo saber se eram pinturas ou esculturas. Picasso insistiu que não eram nenhuma das duas, dizendo: “Não é nada, é a guitarra!” Mas, quer ele tivesse a intenção ou não, ele desafiou a definição fundamental de escultura e iniciou um dos debates mais duradouros sobre arte abstrata.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Prontos

Tão revolucionários quanto artistas como Picasso e Brâncusi podem ter parecido para os espectadores de arte em sua época, é interessante notar que 1913 também é o ano em que o artista Dadaísta Marcel Duchamp apropriou-se do termo "readymade" para designar obras de arte consistindo em objetos encontrados, assinados e exibidos por um artista como sua obra. Segundo Duchamp, objetos comuns poderiam ser "elevados à dignidade de uma obra de arte pela mera escolha de um artista." Em 1917, Duchamp exibiu Fountain, talvez seu readymade mais famoso, consistindo em um mictório colocado de lado e assinado "R. Mutt."

Duchamp havia criado Fountain para submissão à primeira exposição da Sociedade de Artistas Independentes de Nova York, que foi anunciada como uma mostra completamente aberta de arte contemporânea, sem jurados e sem prêmios. A obra foi bizarra e rejeitada da exposição, causando alvoroço na comunidade artística, uma vez que o objetivo da exposição era não julgar a obra. O conselho da Sociedade emitiu uma declaração sobre Fountain que dizia: “não é, de nenhuma definição, uma obra de arte.” No entanto, a obra inspirou gerações de criativos que viriam a seguir.

Uma cópia feita em 1964 da fonte original de Duchamp de 1917

Faktura e Tektonika

Em 1921, um grupo de artistas chamado O Primeiro Grupo de Trabalho dos Construtivistas surgiu na Rússia. O objetivo de seu movimento, que eles chamaram de Construtivismo, era criar uma arte pura baseada em princípios formais, geométricos e abstratos que envolvessem ativamente o espectador. Os princípios esculturais do Construtivismo foram divididos em dois elementos separados: faktura referia-se às qualidades materiais de uma escultura, e tektonika referia-se à presença de uma escultura no espaço tridimensional.

Os Construtivistas acreditavam que a escultura não precisava de nenhum assunto e poderia assumir propriedades totalmente abstratas. O que importava para eles era a exploração da materialidade e do espaço. Eles estavam especificamente conscientes da maneira como um objeto ocupava o espaço da exposição, bem como de como interagia com o espaço entre ele e o espectador. A escultura construtivista ajudou a definir as noções de que uma escultura poderia conter e definir espaço além de simplesmente ocupar espaço, e que o espaço em si poderia se tornar um elemento importante da obra.

A primeira Exposição Construtivista, 1921

Desenhando no Espaço

No final da década de 1920, a linguagem escultórica abstrata modernista incluía relevos dimensionais, objetos encontrados, abstração geométrica e figurativa e a noção da plenitude e do vazio do espaço físico. Os futuristas italianos chegaram a tentar usar a escultura para demonstrar movimento, ou Dinamismo, em peças como Formas Únicas de Continuidade no Espaço de Umberto Boccioni (coberto em mais detalhes aqui). Mas a honra de introduzir movimento real na escultura, criando uma nova arena chamada Escultura Cinética, vai para Alexander Calder.

Calder foi treinado como engenheiro mecânico e só mais tarde frequentou a escola de arte. Após se formar, começou a fazer brinquedos mecânicos, eventualmente projetando um circo mecânico inteiro. Por volta de 1929, ele começou a fazer delicadas e lúdicas esculturas de arame, que descreveu como “desenho no espaço.” Em 1930, quando adicionou partes móveis às suas esculturas de arame, Marcel Duchamp chamou essas obras de arte de “móveis.” Os móveis cinéticos de Calder agora se tornaram a parte mais instantaneamente reconhecível de sua obra, e inspiraram artistas como Jean Tinguely, criador da Metamecânica. Eles também influenciaram talvez o mestre modernista mais prolífico do “desenho no espaço”, o artista venezuelano Gego, que levou o conceito a extremos elaborados na década de 1960.

Gego, construção de arame espacial, vista parcial da instalação

Combinações e Acumulações

Na década de 1950, artistas conceituais se apropriaram das ideias pioneiras de Picasso e Duchamp. O conceito do objeto encontrado se tornou ubíquo à medida que grandes cidades metropolitanas ficaram sobrecarregadas com resíduos e a produção e consumo em massa de produtos industriais atingiram novos patamares. O artista multidisciplinar Robert Rauschenberg incorporou os fundamentos das colagens e assemblages de Picasso com os conceitos de Duchamp sobre objetos encontrados e escolhas do artista para criar o que se tornou sua contribuição signature para a escultura abstrata. Ele os chamou de "Combines", e eram essencialmente assemblages esculturais feitas de lixo variado, detritos e produtos industriais, combinados de forma reflexiva em uma única massa pelo artista.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Por volta da mesma época, o Artista Conceitual Arman, um dos membros fundadores dos Nouveau Realists, usou a ideia de Duchamp do Readymade como ponto de partida para uma série de obras escultóricas que ele chamou de Acumulações. Para essas obras, Arman coletou múltiplos dos mesmos objetos readymade e os soldou juntos em uma massa escultórica. Ao utilizar produtos dessa maneira, ele recontextualizou a ideia de um produto readymade, usando-o em vez disso como uma forma abstrata, removendo seu significado anterior e transformando-o em algo simbólico e subjetivo.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Materiais e Processos

Na década de 1960, os escultores estavam se concentrando cada vez mais nos aspectos formais puros de suas obras. Como uma espécie de rejeição à emoção e ao drama de seus predecessores, escultores como Eva Hesse e Donald Judd focaram nos materiais brutos que entraram em seu trabalho e nos processos pelos quais seus objetos foram feitos. Eva Hesse foi pioneira no trabalho com materiais industriais frequentemente tóxicos, como látex e fibra de vidro. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

Ao contrário de Hesse, cuja técnica e individualidade estavam proeminentemente destacadas em suas formas esculturais, Donald Judd se esforçou para remover completamente qualquer evidência da mão do artista. Ele trabalhou para criar o que chamou de Objetos Específicos, objetos que transcendiam as definições de arte bidimensional e tridimensional, e que utilizavam processos e materiais industriais, sendo geralmente fabricados por máquinas ou por trabalhadores que não eram o artista.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Arte Contemporânea Omni-Disciplinar

Graças aos avanços que os escultores modernistas fizeram nos últimos 100 anos, hoje é um tempo de incrível abertura na arte abstrata. Praticamente toda a prática contemporânea é omnilateral, resultando em fenômenos estéticos polimórficos e empolgantes. As obras de muitos artistas abstratos contemporâneos têm uma presença tão única que desafiam rótulos simples como "pintura", "escultura" ou "instalação". Os pioneiros modernistas da escultura abstrata são, em grande parte, responsáveis por grande parte da abertura e liberdade que os artistas contemporâneos desfrutam, e pelas inúmeras maneiras que podemos apreciar suas interpretações estéticas do nosso mundo.

Imagem em destaque: Alexander Calder - Blue Feather, 1948, escultura cinética em arame, © Calder Foundation
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park