Escultura Abstrata - A Linguagem do Cheio e do Vazio

Desde os primeiros dias do Modernismo, surgiram questões sobre a natureza e a diferença entre a arte abstrata bidimensional e tridimensional. Na primeira década do século XX, Constantin Brancusi fez a pergunta fundamental sobre o que a escultura abstrata deveria transmitir: a imagem de um sujeito ou sua essência? Na década seguinte, Pablo Picasso provou que uma escultura não precisava ser esculpida, moldada ou fundida: podia ser montada. Na década seguinte, Alexander Calder demonstrou que a escultura podia se mover. E ainda décadas depois, em referência às suas obras interdisciplinares, Donald Judd ofereceu “Objetos Específicos” como alternativa para as palavras pintura e escultura. Embora o tema pudesse preencher vários livros, hoje oferecemos a você uma breve, e certamente muito resumida, linha do tempo de alguns dos destaques da história da escultura abstrata.

O Pai da Escultura Abstrata

Constantin Brâncusi nasceu na Romênia em 1876, quando o universo da arte europeia basicamente consistia em pintura e escultura, e ambas eram quase inteiramente figurativas. Embora a evolução gradual rumo à abstração já tivesse começado, poucos artistas profissionais tinham sido ousados o suficiente para tentar a abstração pura, ou mesmo para definir exatamente o que isso significava. A primeira experiência de Brâncusi com escultura foi totalmente prática, esculpindo ferramentas agrícolas para usar como trabalhador infantil. Mesmo quando finalmente entrou na escola de arte, recebeu treinamento clássico. Mas quando Brâncusi deixou a Romênia em 1903, chegando finalmente a Paris, envolveu-se na conversa modernista. Ele concordou entusiasticamente com as ideias que circulavam sobre a abstração e logo concluiu que o propósito moderno da escultura era apresentar “não a forma exterior, mas a ideia, a essência das coisas.”

Em 1913, algumas das primeiras esculturas abstratas de Brâncusi foram exibidas em Nova York como parte da Armory Show daquele ano, a exposição amplamente responsável por introduzir a arte modernista nos EUA. Críticos ridicularizaram publicamente sua escultura Retrato de Mademoiselle Pogany por, entre outras coisas, parecer um ovo. Treze anos depois, Brâncusi daria a última risada dos americanos quando uma de suas esculturas causou a mudança da lei federal dos EUA. Isso aconteceu quando um colecionador comprou e tentou enviar para os EUA uma das esculturas de pássaros de Brâncusi, que de forma alguma se assemelhava a pássaros, mas representava o voo. Em vez de isentar a escultura abstrata como arte, os oficiais da alfândega cobraram do colecionador um imposto de importação. O colecionador processou e ganhou, resultando em uma declaração oficial dos tribunais dos EUA de que algo não precisava ser representacional para ser considerado arte.

Constantin Brancusi - O Beijo, 1907 (esquerda) e Retrato de Mademoiselle Pogany, 1912 (direita), Museu de Arte da Filadélfia, Filadélfia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso e a Arte da Montagem

Pablo Picasso foi outro pioneiro vital no campo da escultura abstrata, embora talvez não tenha pretendido ser. Por volta de 1912, Picasso começou a expandir suas ideias sobre o Cubismo para o reino tridimensional. Ele começou fazendo colagens, que devido à sua superfície em camadas e ao uso de materiais e objetos encontrados em vez de tinta já tinham uma espécie de qualidade tridimensional. Depois, ele traduziu a ideia da colagem para o espaço tridimensional completo, montando objetos reais, especialmente guitarras, com materiais como papelão, madeira, metal e arame.

Tradicionalmente, a escultura resultava de um molde, ou da modelagem de massa como argila, ou de algum processo redutivo como a escultura. Picasso desafiou inadvertidamente essa tradição ao criar um objeto escultórico por meio do ato de montar peças díspares de materiais encontrados em uma forma. Além disso, surpreendeu ao pendurar essa montagem na parede em vez de colocá-la em um pedestal. Os espectadores ficaram perplexos e até indignados com as guitarras de Picasso, exigindo saber se eram pinturas ou esculturas. Picasso insistiu que não eram nenhuma das duas coisas, dizendo: “Não é nada, é a guitarra!” Mas, intencionalmente ou não, ele desafiou a definição fundamental de escultura e iniciou um dos debates mais duradouros sobre arte abstrata.

Pablo Picasso - Construção de Guitarra de Papelão, 1913, MoMA

Readymades

Por mais revolucionários que artistas como Picasso e Brâncusi possam ter parecido para os espectadores de sua época, é interessante notar que 1913 é também o ano em que o artista dadaísta Marcel Duchamp apropriou o termo “readymade” para designar obras de arte compostas por objetos encontrados, assinadas e exibidas por um artista como sua obra. Segundo Duchamp, objetos comuns podiam ser “elevados à dignidade de uma obra de arte pela simples escolha de um artista.” Em 1917, Duchamp exibiu Fountain, talvez seu readymade mais famoso, consistindo em um mictório colocado de lado e assinado “R. Mutt.”

Duchamp criou Fountain para submissão à primeira exposição da Sociedade dos Artistas Independentes de Nova York, que foi anunciada como uma mostra completamente aberta de arte contemporânea, sem júris e sem prêmios. A obra foi estranhamente rejeitada da exposição, causando comoção na comunidade artística, já que o objetivo da mostra era não julgar as obras. A diretoria da Sociedade emitiu uma declaração sobre Fountain dizendo: “não é, por nenhuma definição, uma obra de arte.” No entanto, a obra continuou a inspirar gerações de criadores.

Uma cópia feita em 1964 da Fountain original de Duchamp de 1917

Faktura e Tektonika

Em 1921, um grupo de artistas chamado Primeiro Grupo de Trabalho dos Construtivistas surgiu na Rússia. O objetivo do movimento, que chamaram de Construtivismo, era criar uma arte pura baseada em princípios formais, geométricos e abstratos que envolvessem ativamente o espectador. Os princípios escultóricos do Construtivismo foram divididos em dois elementos separados: faktura referia-se às qualidades materiais da escultura, e tektonika referia-se à presença da escultura no espaço tridimensional.

Os Construtivistas acreditavam que a escultura não precisava de nenhum sujeito e podia assumir propriedades inteiramente abstratas. Tudo o que importava para eles era a exploração da materialidade e do espaço. Eles estavam especialmente conscientes da forma como um objeto ocupava o espaço da exposição, bem como de como interagia com o espaço entre ele e o espectador. A escultura construtivista ajudou a definir as noções de que uma escultura poderia conter e definir o espaço além de simplesmente ocupá-lo, e que o próprio espaço poderia se tornar um elemento importante da obra.

A primeira Exposição Construtivista, 1921

Desenho no Espaço

No final da década de 1920, a linguagem escultórica abstrata modernista incluía relevos dimensionais, objetos encontrados, abstração geométrica e figurativa e a noção da plenitude e do vazio do espaço físico. Os futuristas italianos até tentaram usar a escultura para demonstrar movimento, ou dinamismo, em peças como Formas Únicas de Continuidade no Espaço de Umberto Boccioni (abordado com mais detalhes aqui). Mas a honra de introduzir o movimento real na escultura, criando uma nova área chamada Escultura Cinética, cabe a Alexander Calder.

Calder foi formado como engenheiro mecânico e só depois frequentou a escola de arte. Após se formar, começou a fazer brinquedos mecânicos, eventualmente projetando um circo mecânico completo. Por volta de 1929, começou a fazer delicadas e lúdicas esculturas de arame, que descreveu como “desenho no espaço.” Em 1930, quando adicionou partes móveis às suas esculturas de arame, Marcel Duchamp chamou essas obras de “móbiles.” Os móbiles cinéticos de Calder tornaram-se a parte mais instantaneamente reconhecível de sua obra e inspiraram artistas como Jean Tinguely, criador da Metamecânica. Também influenciaram talvez a mais prolífica mestra modernista do “desenho no espaço,” a artista venezuelana Gego, que levou o conceito a extremos elaborados na década de 1960.

Gego, construção espacial em arame, vista parcial da instalação

Combinações e Acumulações

Na década de 1950, artistas conceituais deram continuidade às ideias pioneiras de Picasso e Duchamp. O conceito do objeto encontrado tornou-se onipresente à medida que grandes cidades metropolitanas ficaram sobrecarregadas com lixo e a produção e consumo em massa de produtos industriais atingiram novos patamares. O artista multidisciplinar Robert Rauschenberg incorporou os fundamentos das colagens e montagens de Picasso com os conceitos de Duchamp sobre objetos encontrados e escolhas do artista para criar o que se tornou sua contribuição característica para a escultura abstrata. Ele as chamou de “Combinações,” que eram essencialmente montagens escultóricas feitas de lixo, detritos e produtos industriais variados, combinados de forma pensada em uma única massa pelo artista.

Robert Rauschenberg - Monograma, combinação independente, 1955, © 2018 Fundação Robert Rauschenberg

Na mesma época, o artista conceitual Arman, um dos membros fundadores dos Realistas Novos, usou a ideia do Readymade de Duchamp como ponto de partida para uma série de obras escultóricas que chamou de Acumulações. Para essas obras, Arman reuniu múltiplos do mesmo objeto readymade e os soldou juntos em uma massa escultórica. Ao utilizar produtos dessa forma, ele recontextualizou a ideia de um produto readymade, usando-o como uma forma abstrata, removendo seu significado anterior e transformando-o em algo simbólico e subjetivo.

Arman - Acumulação Renault Nº 106, 1967, © Arman

Materiais e Processo

Na década de 1960, os escultores passaram a focar cada vez mais nos aspectos formais puros de suas obras. Como uma espécie de rejeição à emoção e ao drama de seus predecessores, escultores como Eva Hesse e Donald Judd concentraram-se nos materiais brutos que compunham suas obras e nos processos pelos quais seus objetos eram feitos. Eva Hesse foi pioneira no uso de materiais industriais frequentemente tóxicos, como látex e fibra de vidro.

Eva Hesse - Repetição Dezenove III, 1968. Fibra de vidro e resina de poliéster, dezenove unidades, cada uma com 48 a 51 cm de altura por 27,8 a 32,2 cm de diâmetro. Coleção MoMA. Doação de Charles e Anita Blatt. © 2018 Espólio de Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurique

Ao contrário de Hesse, cuja técnica e individualidade eram destacadas em suas formas escultóricas, Donald Judd esforçou-se para remover completamente qualquer evidência da mão do artista. Ele trabalhou para criar o que chamou de Objetos Específicos, objetos que transcendiam as definições de arte bidimensional e tridimensional, que usavam processos e materiais industriais e geralmente eram fabricados por máquinas ou por trabalhadores que não o artista.

Donald Judd - Sem título, 1973, latão e Plexiglas azul, © Donald Judd

Arte Contemporânea Omnidisciplinar

Graças aos avanços que os escultores modernistas fizeram nos últimos 100+ anos, hoje vivemos um tempo de incrível abertura na arte abstrata. Grande parte da prática contemporânea é omnidisciplinar, resultando em fenômenos estéticos excitantes e polimórficos. As obras de muitos artistas abstratos contemporâneos têm uma presença tão única que desafiam rótulos simples como “pintura,” “escultura” ou “instalação.” Os pioneiros modernistas da escultura abstrata são, em grande medida, responsáveis por grande parte da abertura e liberdade que os artistas contemporâneos desfrutam, e pelas inúmeras formas pelas quais podemos apreciar suas interpretações estéticas do nosso mundo.

Imagem em destaque: Alexander Calder - Pena Azul, 1948, escultura cinética de arame, © Fundação Calder
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio