Como a Pintura de Ação Mudou a Arte

Se a expressão “pintura de ação” soa confusa, pode ser porque parece conter uma redundância. Pintar implica ação. Pode haver pinturas sem ação? Mas nem o fato de que pintar é uma ação, nem que as pinturas resultam da ação têm muito a ver com a definição de pintura de ação. Na verdade, a pintura de ação não é realmente sobre ação ou pintura. É sobre um estado de espírito. O crítico de arte Harold Rosenberg cunhou a expressão pintura de ação em 1952, em um ensaio intitulado “Os Pintores de Ação Americanos.” O ensaio foi uma tentativa de explicar o que Rosenberg considerava uma mudança fundamental ocorrendo na mentalidade de um pequeno grupo de pintores abstratos americanos. Em vez de abordar a pintura como criação de imagem, esses pintores usavam o ato de pintar para registrar os resultados de dramas pessoais, intuitivos e subconscientes que encenavam diante da tela. Eles usavam a tela como um palco. Eram atores, e a tinta era o método de registrar as evidências do evento. Em seu ensaio, Rosenberg não apenas destacou a novidade desse método, mas também desviou completamente a atenção das pinturas como objetos, declarando que tudo o que importava para os pintores de ação era o ato criativo.

O Fim da Objetividade

Antes da observação de Rosenberg, nenhum crítico de arte respeitado havia sugerido por escrito que o objetivo do trabalho de um artista não era criar algo tangível. Era dado como certo que o propósito de ser artista era criar obras de arte. Mas o que Rosenberg observou sobre pintores como Jackson Pollock, Franz Kline e Willem de Kooning foi que eles não estavam focados em criar objetos. Em vez disso, estavam focados em seu próprio processo como pintores. Eles davam a máxima importância não ao produto final, mas ao ato de se conectar com seu próprio inconsciente. A pintura era simplesmente uma forma de registrar os efeitos resultantes dessa conexão.

Imagine estar vendado e receber um pincel, sendo então instruído a encontrar seu caminho por um labirinto enquanto passa o pincel pela superfície da parede. A marca resultante deixada na parede não seria uma conquista estética, mas sim um registro da sua jornada. Essa foi a raiz da observação de Rosenberg: que os pintores de ação não estavam criando imagens; estavam fazendo registros externos de suas jornadas internas.

Jackson Pollock - Número 8, 1949, 1949. Óleo, esmalte e tinta de alumínio sobre tela. 34 × 71 1/2 pol; 86,4 × 181,6 cm. Federação Americana de Artes. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York

Técnicas da Pintura de Ação

Quando um pintor se propõe a fazer uma pintura de uma imagem específica, as ferramentas e técnicas envolvidas precisam oferecer o máximo controle possível ao pintor. Mas se o objetivo de uma pintura não é fazer uma imagem específica e pré-determinada, e sim criar um relicário visual abstrato de um evento psicofísico, o pintor pode desfrutar de mais flexibilidade em termos de ferramentas e técnicas. Como a pintura de ação é sobre espontaneidade e a capacidade de transmitir perfeitamente toda intuição subconsciente por meio de um gesto físico, tudo que atrapalha a liberdade e o instinto deve ser abandonado.

O pintor de ação Jackson Pollock abandonou preparações e suportes tradicionais e, em vez disso, pintava diretamente sobre telas não preparadas dispostas no chão. Ele dispensou ferramentas tradicionais, optando por aplicar tinta em suas superfícies usando o que estivesse à mão, incluindo pincéis de pintura doméstica, gravetos ou até as próprias mãos. Frequentemente, ele lançava, derramava, respingava e pingava tinta diretamente das embalagens. E usava qualquer meio disponível, incluindo todos os tipos de tinta líquida, além de vidro quebrado, pontas de cigarro, elásticos e o que mais seu instinto mandasse.

Jackson Pollock - Mural, 1943. Óleo e caseína sobre tela. 95 7/10 × 237 1/2 pol; 243,2 × 603,2 cm. Museu Guggenheim Bilbao. Bilbao

Grandes Gestos

Além de serem livres com os meios, ferramentas e técnicas, os pintores de ação também se libertaram das limitações de sua própria fisicalidade. As pinturas de ação de Franz Kline são todas sobre o gesto físico. Cada marca ousada que Kline fez na tela é o registro de um momento em que seu corpo estava totalmente envolvido em movimento. Enquanto um pincelada impressionista é algo tão sutil quanto um movimento de pulso, as pinceladas de Kline eram feitas com um impulso de todo o braço, ou de todo o corpo, guiado pelas profundezas da mente.

Pollock frequentemente não tocava a tela. Em vez disso, ele confiava no impulso e no uso dinâmico do corpo, criando velocidade e força para projetar o meio no espaço e sobre a superfície. Ao não limitar seu movimento pelo contato com a superfície, ele colaborava com as forças da natureza, o que resultava em marcas fluidas, elegantes e com aparência orgânica. Em certo sentido, os gestos de Pollock e Kline não apenas criavam marcas, mas causavam impactos. Como crateras de meteoros, esses impactos podem ser apreciados tanto por sua aparência quanto pelas forças primordiais, antigas e naturais que os causaram.

Franz Kline - Mahoning, 1956. Óleo e colagem de papel sobre tela, 80 × 100 pol. (203,2 × 254 cm). Museu Whitney de Arte Americana, Nova York; compra com fundos dos Amigos do Museu Whitney de Arte Americana 57.10. © 2020 The Franz Kline Estate / Artists Rights Society (ARS), Nova York

O Inconsciente Consciente

O surgimento da pintura de ação não foi um mistério. Tinha raízes lógicas no contexto da cultura americana do pós-Segunda Guerra Mundial. A sociedade americana em geral estava se recuperando da guerra e se ajustando a uma nova realidade moderna estranha. Em seus esforços para entender a si mesmos e ao mundo, as pessoas se interessaram cada vez mais pela psicologia, especialmente pelas ideias relacionadas a pensamentos subconscientes e inconscientes. Na mente dos pintores de ação americanos, essas ideias se ligavam diretamente ao trabalho que os surrealistas fizeram com o desenho automático, que envolvia deixar o corpo criar marcas baseadas em movimentos reflexos inspirados por impulsos inconscientes.

Seu pensamento também se relacionava com tradições primitivas encontradas na arte totêmica das culturas nativas da América do Norte. A arte totêmica está ligada à crença de que as pessoas estão conectadas umas às outras, à história e aos mundos natural e espiritual por meio de certos objetos naturais, ou por seres que possuem poderes espirituais ou místicos. Os pintores de ação esperavam que, por meio de seu estilo intuitivo e subconsciente de pintar, pudessem canalizar imagens totêmicas com as quais os espectadores pudessem se conectar na presença dos relicários estéticos de seu processo.

Jaanika Peerna - Pequeno Redemoinho (Ref 855), 2009. Lápis pigmento sobre mylar. 45,8 x 45,8 cm

O Legado da Pintura de Ação

A preciosidade do presente que a pintura de ação deu às futuras gerações de artistas não pode ser subestimada. As observações cuidadosamente formuladas por Harold Rosenberg inspiraram uma mudança tremenda na arte modernista. Ele deu palavras ao pensamento de que o processo é mais importante que o produto. Ele provou que a jornada realmente é mais importante que o destino, ou se isso parecer muito clichê, ele provou que o drama que se desenrola durante o processo do ato criativo do pintor é mais importante que o relicário que resulta desse processo.

A percepção de Rosenberg libertou as gerações seguintes de artistas de pensar em seu trabalho apenas em termos de “produção de produto.” Eles puderam se envolver em processos experimentais e focar totalmente em ideias. Tiveram permissão para começar sem precisar prever os resultados finais. Sem essa mudança na consciência dos artistas, nunca teríamos podido desfrutar dos “acontecimentos” ou do trabalho dos artistas conceituais ou do movimento Fluxus. Nunca teríamos experimentado os mistérios efêmeros e transitórios da arte da terra. Nunca teríamos desfrutado dos frutos do movimento dos espaços alternativos de arte. De muitas maneiras, foi a pintura de ação que permitiu aos artistas desviar seu foco de onde exatamente estavam indo, e lembrar que muitas vezes o mais importante na arte e na vida é como eles chegam lá.

Imagem em destaque: Jackson Pollock - Arco-íris Acinzentado, 1953. Óleo sobre linho. 72 × 96 1/10 pol; 182,9 × 244,2 cm. Instituto de Arte de Chicago, Chicago. © 2020 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio