Quem Tem Medo de Jackson Pollock?

Eu não pinto a natureza. Eu sou a natureza. - Jackson Pollock

Uma maneira de julgar o poder de uma obra de arte é medir quantas pessoas se revoltam contra ela. Ódio, nojo, confusão e raiva são emoções primordiais. Para evocar tais sentimentos nos humanos, para realmente indigná-los, uma obra de arte deve se conectar com algo pessoal.

Desde que os pintores de cavernas pré-históricos fizeram suas primeiras marcas, poucos pintores inspiraram tanta indignação consistente quanto Jackson Pollock. Em particular, as pinturas abstratas gestuais de Pollock, com mais de 60 anos (também conhecidas como pinturas de respingos, pinturas de ação ou pinturas de gotejamento) continuam sendo algumas das obras de arte mais controversas do mundo, simultaneamente odiadas e amadas.

Como isso faz você se sentir?

Fique em pé por uma hora em frente a uma obra como "Number 1A, 1948" de Pollock, uma pintura drip de 68" x 8' 8", e você pode sentir como se estivesse ouvindo uma sessão de terapia em grupo. Os espectadores dizem: "Eu poderia ter feito isso" ou "Meu filho de 6 anos poderia ter feito isso". Alguns dizem: "Você chama isso de arte?" ou "Isso é uma piada?" ou declaram: "É horrível!" Outros ainda acham a obra bonita, meditativa, transcendente ou profunda. Isso até faz alguns chorarem.

As pessoas se veem em "Número 1A, 1948." Ele, e muitas das outras pinturas de ação de Pollock, não apenas evocam uma resposta emocional; são a personificação da emoção. Quando confrontados com elas, os espectadores sentem algo. É por isso que hoje, 60 anos após sua morte, Pollock continua sendo um dos artistas mais influentes e comentados da história.

Jackson Pollock - Número 1A, 1948. Tinta a óleo e esmalte sobre tela, 68″ x 8’8″. O Museu de Arte Moderna, Nova York. Aquisição. © 2013 Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), Nova York

Por que ele fez isso?

O MoMA de Nova York está atualmente realizando uma exposição de sua substancial coleção de Jackson Pollock. "Jackson Pollock: Uma Pesquisa da Coleção, 1934–1954" vai até 1º de maio de 2016. A exposição explora o estilo em evolução do artista, começando com seu trabalho inicial mais figurativo e culminando com as pinturas gestuais transformadoras pelas quais ele se tornou famoso (ou infame, dependendo de seus sentimentos).

A essência definidora da arte abstrata, o que a tornou uma ruptura em relação aos métodos anteriores, é que, em vez de se esforçar para apresentar uma imagem de algo reconhecível, como um objeto, uma paisagem ou uma figura humana, ela se esforçou para criar novas imagens que inspirassem uma resposta emocional dos espectadores. O Expressionismo Abstrato, influenciado pelo surrealismo e pela psicologia do pós-Segunda Guerra Mundial, expandiu esse objetivo, esperando não apenas inspirar uma resposta emocional dos espectadores, mas também afetá-los em um nível subconsciente, inconsciente ou primal.

Jackson Pollock - Sem Título (Animais e Figuras), 1942. Gouache e tinta sobre papel. 22 1/2 x 29 7/8" (57,1 x 76 cm). Fundo Sr. e Sra. Donald B. Straus. Coleção MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque.

Como eles fizeram isso?

Os expressionistas abstratos utilizaram uma variedade de técnicas para encontrar as imagens totemicas ocultas que esperavam conectar os espectadores com seus eus subconscientes. Empregando métodos e meios diversos, eles se envolveram em tentativas pessoais e apaixonadas de manifestar imagens primordiais e transferi-las para a tela. A icônica técnica de respingos de Pollock foi tão bem-sucedida em alcançar os objetivos do Expressionismo Abstrato que se tornou emblemática do movimento. Tão integral foi para a compreensão pública do Expressionismo Abstrato, Abstração Gestual é frequentemente usada de forma intercambiável para descrever o estilo.

O método de Pollock envolvia despejar, respingar e derramar camadas de tinta fina sobre a tela. Ao usar pincéis ou bastões, ele mantinha a ferramenta ligeiramente acima da tela, em vez de fazer contato. Sua fisicalidade irrestrita foi vital para o produto final. Ele trabalhava não apenas com materiais, mas também com forças, como gravidade, momento e coração. A pintura de ação oferece uma maneira de se libertar de noções restritivas sobre a criação de imagens. Não foi a única técnica empregada pelos expressionistas abstratos de primeira geração, mas se tornou a mais duradoura e reconhecível.

Jackson Pollock- A Chama, c. 1934-38. Óleo sobre tela montada em fibra de madeira. 20 1/2 x 30" (51,1 x 76,2 cm). Fundo Enid A. Haupt. Coleção MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Devastação do Tempo

À medida que o MoMA de Nova York se preparava para sua atual retrospectiva de Pollock, o museu embarcou no trabalhoso processo de restaurar várias das obras. Desde o início da década de 1970, a única manutenção que havia sido realizada nelas era a limpeza ocasional. A restauração de três das obras, “Echo”, “One” e “Number 1A, 1948”, levou à equipe cerca de 18 meses para ser concluída. O trabalho começou com um cuidadoso processo de limpeza das superfícies das pinturas. Em seguida, as áreas expostas da tela foram analisadas em busca de danos e meticulosamente restauradas. Depois, as camadas de tinta foram analisadas e comparadas a imagens e relatos anteriores das obras. Onde houve perda de tinta, essas áreas foram sistematicamente atendidas. Finalmente, as esticadeiras foram apoiadas e reparadas.

A restauração das obras as devolveu a um estado de vitalidade e brilho. Elas possuem uma energia tremenda, levantando questões sobre como deve ter sido testemunhá-las novas. Encontrar suas pinturas de ação restauradas reitera por que Pollock continua tão controverso e tão popular. Essas obras de arte não apenas nos fazem sentir algo. Elas nos conectam com algo dentro de nós mesmos, algo tanto antigo quanto moderno. Elas nos sugerem do que somos feitos e o que ainda podemos nos tornar. Elas são caóticas e horríveis e complicadas e camadas e belas, assim como nós.

Imagem em destaque:Jackson Pollock - Figura Estenográfica, 1942. Óleo sobre linho. 40 x 56" (101,6 x 142,2 cm). Fundo Sr. e Sra. Walter Bareiss. Coleção MoMA. © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.