Quem Tem Medo de Jackson Pollock?

Eu não pinto a natureza. Eu sou a natureza. - Jackson Pollock

Uma forma de avaliar o poder de uma obra de arte é medir quantas pessoas se revoltam contra ela. Ódio, repulsa, confusão e raiva são emoções primordiais. Para evocar tais sentimentos nas pessoas, para realmente indigná-las, uma obra de arte deve se conectar com algo pessoal.

Desde que os pintores pré-históricos das cavernas fizeram suas primeiras marcas, poucos pintores inspiraram tanta revolta constante quanto Jackson Pollock. Em particular, as pinturas abstratas gestuais de Pollock, com mais de 60 anos (também chamadas de pinturas respingadas, pinturas de ação ou pinturas por gotejamento), continuam sendo algumas das obras de arte mais controversas do mundo, simultaneamente desprezadas e amadas.

Como Isso Faz Você Se Sentir?

Fique uma hora diante de uma obra como “Número 1A, 1948”, uma pintura por gotejamento de 1,73 m x 2,64 m, e você pode sentir como se estivesse ouvindo uma sessão de terapia em grupo. Os espectadores dizem: "Eu poderia ter feito isso" ou "Meu filho de 6 anos poderia ter feito isso". Alguns dizem: "Você chama isso de arte?" ou "Isso é uma piada?" ou declaram: "É horrível!" Outros ainda acham a obra bela, meditativa, transcendente ou profunda. Ela até emociona alguns às lágrimas.

As pessoas se veem em “Número 1A, 1948”. Ela, e muitas outras pinturas de ação de Pollock, não apenas evocam uma resposta emocional; são a personificação da emoção. Quando confrontados com elas, os espectadores sentem algo. Por isso, hoje, 60 anos após sua morte, Pollock continua sendo um dos artistas mais influentes e comentados da história.

Jackson Pollock - Número 1A, 1948. Óleo e tinta esmalte sobre tela, 1,73 m x 2,64 m. Museu de Arte Moderna, Nova York. Aquisição. © 2013 Fundação Pollock-Krasner / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

Por Que Ele Fez Isso?

O MoMA de Nova York está atualmente exibindo uma mostra de sua vasta coleção de Jackson Pollock. "Jackson Pollock: Uma Revisão da Coleção, 1934–1954" vai até 1º de maio de 2016. A exposição explora o estilo em evolução do artista, começando com suas obras mais figurativas do início da carreira e culminando com as pinturas gestuais transformadoras pelas quais ele se tornou famoso (ou infame, dependendo do seu ponto de vista).

A essência definidora da arte abstrata, o que a tornou uma ruptura com métodos anteriores, é que, em vez de tentar apresentar a imagem de algo reconhecível, como um objeto, uma paisagem ou uma figura humana, ela buscava criar novas imagens que inspirassem uma resposta emocional nos espectadores. O expressionismo abstrato, influenciado pelo surrealismo e pela psicologia do pós-Segunda Guerra Mundial, ampliou esse objetivo, esperando não apenas inspirar uma resposta emocional, mas também afetar as pessoas em um nível subconsciente, inconsciente ou primitivo.

Jackson Pollock - Sem título (Animais e Figuras), 1942. Guache e tinta sobre papel. 57,1 x 76 cm. Fundo Sr. e Sra. Donald B. Straus. Coleção MoMA. © 2019 Fundação Pollock-Krasner / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

Como Eles Fizeram Isso?

Os expressionistas abstratos usaram uma variedade de técnicas para encontrar as imagens ocultas e totêmicas que esperavam conectar os espectadores com seus eus subconscientes. Empregando métodos e materiais diversos, eles se engajaram em tentativas pessoais e apaixonadas de manifestar imagens primordiais e transferi-las para a tela. A técnica icônica de respingos de Pollock foi tão bem-sucedida em alcançar os objetivos do expressionismo abstrato que se tornou emblemática do movimento. Tão fundamental foi para a compreensão pública do expressionismo abstrato que a abstração gestual é frequentemente usada como sinônimo para descrever o estilo.

O método de Pollock envolvia despejar, respingar e derramar camadas de tinta fina sobre a tela. Ao usar pincéis ou varas, ele pairava a ferramenta ligeiramente sobre a tela, em vez de fazer contato direto. Sua fisicalidade irrestrita foi vital para o produto final. Ele trabalhava não apenas com materiais, mas também com forças, como gravidade, impulso e coração. A pintura de ação oferece uma forma de se libertar das noções restritivas de criação de imagem. Não foi a única técnica empregada pelos expressionistas abstratos da primeira geração, mas tornou-se a mais duradoura e reconhecível.

Jackson Pollock - A Chama, c. 1934-38. Óleo sobre tela montada em placa de fibra. 52 x 76,2 cm. Fundo Enid A. Haupt. Coleção MoMA. © 2019 Fundação Pollock-Krasner / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York

Os Estragos do Tempo

Enquanto o MoMA de Nova York se preparava para a retrospectiva atual de Pollock, o museu iniciou o laborioso processo de restaurar várias obras. Desde o início dos anos 1970, a única manutenção realizada nelas era a limpeza ocasional do pó. A restauração de três obras, “Echo”, “One” e “Número 1A, 1948”, levou cerca de 18 meses para ser concluída. O trabalho começou com um processo cuidadoso de limpeza das superfícies das pinturas. Em seguida, as áreas expostas da tela foram analisadas quanto a danos e meticulosamente restauradas. Depois, as camadas de tinta foram analisadas e comparadas com imagens e relatos anteriores das obras. Onde houve perda de tinta, essas áreas foram sistematicamente tratadas. Por fim, os esticadores foram apoiados e reparados.

A restauração devolveu às obras seu estado de vivacidade e brilho. Elas possuem uma energia tremenda, levantando questões sobre como deve ter sido testemunhá-las quando novas. Encarar suas pinturas de ação restauradas reforça por que Pollock continua tão controverso e tão popular. Essas obras não apenas nos fazem sentir algo. Elas nos conectam com algo dentro de nós, algo ao mesmo tempo antigo e moderno. Elas nos sugerem do que somos feitos e o que ainda podemos nos tornar. São caóticas, horríveis, complicadas, cheias de camadas e belas, assim como nós.

Imagem em destaque: Jackson Pollock - Figura Estenográfica, 1942. Óleo sobre linho. 101,6 x 142,2 cm. Fundo Sr. e Sra. Walter Bareiss. Coleção MoMA. © 2019 Fundação Pollock-Krasner / Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova York
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos