Os Neo Supports/Surfaces: Um Manifesto para o Realismo Material no Século 21
Na cartografia da história da arte, os movimentos geralmente têm um começo e um fim bem definidos. Brilham intensamente, esmorecem e acabam migrando para os arquivos silenciosos dos museus. Supports/Surfaces, nascido no fogo teórico de 1966, é a rara exceção que se recusou a se apagar.
Embora o movimento tenha sido originalmente impulsionado pelo radicalismo político de maio de 1968 e, por fim, consumido por violentas dissensões entre suas facções maoista e marxista, seu verdadeiro legado se mostrou muito mais duradouro do que suas origens ideológicas. A principal descoberta de Supports/Surfaces não foi política, mas ontológica: ao separar o suporte (a estrutura de sustentação) da superfície (a tela), esses artistas revelaram a verdade física da pintura. Eles provaram que uma pintura não é uma janela para uma ilusão, mas um objeto material no mundo real.
Ao percorrermos o mundo da arte em janeiro de 2026, esse conceito evoluiu para o que os críticos poderiam chamar de movimento “Neo-Supports/Surfaces”: alguns dos fundadores, agora todos na casa dos 80 ou 90 anos, continuam produzindo ativamente suas obras mais significativas, ao lado de uma geração crescente de herdeiros que deixou de lado a antiga política para se concentrar inteiramente na força artística do meio.
Para o conhecedor, isto não é uma aula de história; é uma linha do tempo viva que conecta a radical desconstrução dos anos 1960 à “verdade” material buscada pelos colecionadores de hoje.
I. Os pilares vivos: os fundadores continuam trabalhando
É um raro privilégio testemunhar os criadores de uma vanguarda histórica ainda em plena atividade. Foram eles que, cinquenta anos atrás, estabeleceram a gramática do movimento.
Claude Viallat - Exposição individual na Galerie Ceysson Bénétière, 2023 - Foto da instalação
A narrativa começa com Claude Viallat (n. 1936), o incansável patriarca do movimento. Em 1966, Viallat tomou a decisão radical de libertar a tela de sua moldura de madeira, inaugurando a era da toile libre. Hoje, aos 89 anos, continua sendo a figura mais conhecida do grupo, movido por uma ética de trabalho lendária que o leva a produzir diariamente. Ele não está simplesmente repetindo o passado; está aprofundando um caminho que percorre há toda a vida, provando que é possível criar variações infinitas dentro da única restrição de sua forma característica de “feijão”.
Daniel Dezeuze, “Oeuvres Récentes 2020-2015” no Musee Paul Valery (Sète, França), 2026
Se Viallat reivindicava a tela, Daniel Dezeuze (n. 1942) reivindicava o vazio. Famoso por expor molduras de madeira vazias e escadas flexíveis apoiadas nas paredes, Dezeuze passou décadas revelando o “esqueleto” da pintura ocidental. Em 2026, sua obra continua a desmontar a ilusão da “janela”, insistindo na “condição de objeto” intransigente da arte. Seu rigor intelectual continua sendo uma referência para o movimento.
Noël Dolla - Exposição individual na Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne, 2025 - Registro da instalação
Noël Dolla (n. 1945) está entre os últimos arquitetos originais do movimento. Conhecido pelo uso audacioso das cores e de materiais pouco convencionais, Dolla ampliou constantemente a linguagem da abstração para além da tela. Suas primeiras obras, com panos de prato tingidos, cordas esticadas e intervenções de land art, desafiaram hierarquias convencionais e levaram o ethos materialista de Supports/Surfaces aos âmbitos privado e público. Nos últimos anos, a prática de Dolla continua tão inventiva quanto sempre, oscilando entre instalações monumentais ao ar livre e obras delicadas, baseadas em processos, que dialogam com o espaço, a arquitetura e o movimento do próprio observador. Sua capacidade de reinventar sua abordagem sem deixar de manter um rigoroso núcleo conceitual faz dele uma força vital na abstração contemporânea e um elo vivo com as origens do movimento.
Bernard Pagès - Exposição individual na Galerie Ceysson Bénétière Lyon, 2013 - Registro da instalação
Bernard Pagès (n. 1940) representa a vanguarda escultórica de Supports/Surfaces. Desde o início, Pagès se destacou por desconstruir as fronteiras entre pintura e escultura, reunindo materiais humildes - madeira, pedra, metal, concreto - em obras que ressaltam o processo, a justaposição e as qualidades inerentes da matéria. Sua prática se caracteriza pela atenção profunda à relação entre objeto, espaço e observador, além do questionamento persistente da autoria e do valor artísticos. As exposições recentes de Pagès reafirmaram sua posição como um inovador fundamental, demonstrando como os princípios do movimento podem ser continuamente reativados por meio de novas formas e materiais. Sua exploração contínua da estrutura, do ritmo e da presença física garante que o espírito experimental de Supports/Surfaces permaneça vivo e em evolução.
II. A engrenagem da galeria: o papel decisivo da Ceysson & Bénétière
Os quatro artistas fundadores continuam sendo exibidos ativamente e são notavelmente representados no mercado primário pela Ceysson & Bénétière. O compromisso contínuo da galeria tem sido fundamental para garantir a visibilidade e a acessibilidade duradouras dos artistas de Supports/Surfaces.
De fato, entre os muitos protagonistas que moldam o destino de Supports/Surfaces, o papel de Ceysson & Bénétière se destaca. Fundada em 2006, a galeria cresceu de um espaço regional em Saint-Étienne para se tornar uma potência multinacional, com nove espaços expositivos espalhados pela Europa, América do Norte e Ásia, incluindo a inauguração marcante de sua galeria em Tóquio, em 2025. Essa expansão centrífuga, alicerçada em uma sólida estrutura intelectual e logística fora das capitais tradicionais, permitiu à Ceysson & Bénétière reescrever as regras do mercado de arte contemporânea.
Exposição “Supports/Surfaces”, Galerie Ceysson Bénétière, Tóquio 2025 - foto da montagem
Desde o início, a galeria apostou firmemente no valor histórico e artístico de Supports/Surfaces. Ao defender artistas há muito subestimados pelo mercado, como Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour e muitos outros, a Ceysson & Bénétière teve um papel decisivo na reavaliação e consolidação do legado do movimento. Seu rigor curatorial, seu programa de publicações acadêmicas e sua estratégia de exposições internacionais garantiram que as obras desses artistas continuassem visíveis, fossem colecionadas e debatidas no mais alto nível.
O compromisso da galeria não é apenas patrimonial. Com exposições como a inauguração em Tóquio em 2025 (veja a foto da montagem acima), que teve como destaque uma ampla mostra de Supports/Surfaces, a Ceysson & Bénétière posicionou o movimento como uma força viva e relevante em escala global. Sua capacidade de equilibrar profundidade histórica e dinamismo contemporâneo fica evidente no apoio a artistas emergentes que levam o espírito materialista e orientado pelo processo de Supports/Surfaces a novos territórios.
III. A escola por trás do movimento: os revolucionários como professores
Para um revolucionário artístico, há um tipo especial de reconhecimento que vai além da retrospectiva em um museu: a oportunidade de ensinar a revolução que ajudou a criar. O artista que desafiou as regras aceitas da pintura recebe a missão de formar aqueles que virão depois. O antigo desafio à instituição torna-se uma força dentro dela. Na história de Supports/Surfaces, as escolas de arte ofereceram exatamente essa possibilidade: não apenas o estudo de um movimento radical, mas o acesso direto aos artistas que fizeram suas descobertas.
Claude Viallat ocupou esse cargo com autoridade excepcional. Sua carreira docente começou em 1963, antes do surgimento de sua forma repetida, em 1966, e continuou durante a formação de Supports/Surfaces e seu desenvolvimento posterior. Após passagens por instituições em Nice, Limoges e Marselha, chegou a Nîmes em 1979 e, mais tarde, à École des Beaux-Arts de Paris, em 1991. Em Nîmes, portanto, ele não ensinava uma ruptura que ainda estava por acontecer: podia transmitir uma abordagem que já havia ajudado a estabelecer, enquanto continuava a explorar suas possibilidades em seu próprio trabalho. Os alunos encontravam o autor da proposta, não apenas seu intérprete.
Isso confere às Beaux-Arts de Nîmes um lugar singular na continuidade institucional do movimento. A escola ofereceu um espaço no qual as questões do suporte, da superfície, da cor e do processo podiam passar diretamente da invenção artística para a educação. O ensino de Viallat, documentado no arquivo de entrevistas Histoire de la pédagogie artistique, enfatizava a prática material e o diálogo, inclusive a questão de como não se tornar um modelo a ser imitado pelos estudantes. Esse privilégio trazia uma responsabilidade: transmitir a liberdade aberta pela revolução, em vez de simplesmente suas formas reconhecíveis.
Alain Clément trouxe para a instituição uma experiência relacionada, mas independente, lecionando em Nîmes antes de dirigir a escola de 1985 a 1990. Próximo de membros do Supports/Surfaces, sem ser um de seus fundadores, ele participou dos questionamentos artísticos do fim da década de 1960 e desenvolveu suas próprias investigações conceituais. Seu envolvimento posterior com o gesto lírico e a construção cromática torna sua contribuição especialmente significativa. Tratava-se de um artista capaz de ensinar a partir da experiência de uma mudança radical, sem tratar uma posição do passado como uma obrigação permanente.
O diálogo de Clément entre pintura e escultura dá expressão física a essa independência. O gesto se torna construção; a cor sugere volume; uma linha curva pode migrar da tela para o espaço. Seu trabalho demonstra que a autoridade de um artista-professor não precisa se basear na defesa de uma doutrina fixa. Também pode se apoiar em mostrar como uma linguagem se renova continuamente.
Ainda assim, essa conquista contém seu próprio paradoxo. Ao recordar o programa de ensino em uma conversa com o autor deste artigo, Clément brincou sobre o perigo de formar artistas demais trabalhando na mesma linha. “Tivemos que parar”, disse ele com um largo sorriso. A observação capta o momento em que uma transmissão bem-sucedida corre o risco de se tornar uma fórmula. O reconhecimento supremo do revolucionário, poder ensinar aquilo que ajudou a tornar possível, também traz o perigo de que a libertação de ontem se torne a convenção de amanhã.
O reconhecimento institucional, porém, não alcança todos os participantes da mesma forma. Para o autor deste artigo, André-Pierre Arnal, outrora um grande amigo, merece um lugar de maior destaque no relato dessa história. Essa avaliação pessoal serve como lembrete de que a visibilidade de suas principais figuras não representa a recepção de toda uma geração. Uma revolução pode entrar na escola e no museu enquanto partes de sua contribuição continuam recebendo reconhecimento insuficiente.
André-Pierre Arnal - Sem título (Triângulo Vermelho) - 1973
(Coleção de F.Berthomier)
A importância de Nîmes reside nesse encontro entre invenção artística, reconhecimento institucional e transmissão direta. Aqueles que ajudaram a derrubar as convenções da pintura estavam em posição de educar outra geração. A recompensa mais duradoura não foi a reprodução de suas descobertas, mas a possibilidade de que os alunos as usassem para descobrir algo diferente.
IV. Os herdeiros “puros”: rigor e autonomia
O movimento “Neo Supports/Surfaces” segue adiante com a “Geração Intermediária”, artistas formados diretamente pelos mestres, que transformaram a desconstrução radical dos anos 60 em uma ciência precisa e contemplativa.
Frédéric Prat - Mostra individual na Galerie Richard, 2025 - Foto da instalação
Frédéric Prat (nascido em 1966) representa a virada “clássica” do movimento. Aluno de Claude Viallat e Toni Grand na École des Beaux-Arts de Paris, Prat passou a carreira depurando a gramática do movimento. Ele rejeita rigorosamente as associações naturalistas, dedicando-se, em vez disso, a uma busca extrema por “não formas”. Suas telas quadradas de grandes dimensões apresentam fundos monocromáticos interrompidos por “eventos pictóricos” autônomos, laços e linhas que se recusam a representar qualquer coisa além de si mesmos. Enquanto Viallat usava a repetição para destruir a composição, Prat usa a “não imagem” para construir um objeto de pensamento puro. Representado pela Galerie Richard na França, seu rigor formal também está presente no contexto digital global por meio da IdeelArt.
Stéphane Bordarier - Mostra individual na Galerie ETC, 2023 - Foto da instalação
Em Nîmes, Stéphane Bordarier (nascido em 1953) atua como o teólogo do grupo. Sua prática é definida por uma restrição intransigente: o uso de colle de peau (cola de pele animal). Como esse meio seca rapidamente, Bordarier é forçado a pintar seus “falsos monocromos” contra o relógio, eliminando qualquer possibilidade de hesitação subjetiva. Esse processo se alinha perfeitamente ao foco do movimento no procedimento, e não no ego.
Guillaume Moschini - Exposição individual na Galerie Oniris, 2023 - Foto da instalação
Guillaume Moschini (n. 1970), orientado pelo trio formado por Viallat, Saytour e Bioulès, suavizou a desconstrução agressiva de seus professores. Trabalhando com tela sem preparação e com a técnica de "imbibição", ele permite que tintas acrílicas diluídas penetrem diretamente nas fibras. O resultado é um "círculo virtuoso" de luz e transparência, uma "geometria suave" que vibra com cor em vez de confrontar o observador. Figura constante da cena abstrata francesa por meio da Galerie Oniris, a obra de Moschini chega a colecionadores internacionais pela IdeelArt.
V. Os inovadores
O movimento também sobrevive porque está sendo desafiado. A geração mais jovem usa as ferramentas de Supports/Surfaces para criticar ou expandir sua lógica em novas mídias.
No 1113 de Jean-Daniel Salvat, 2020
Jean-Daniel Salvat (n. 1969), aluno da turma de Viallat de 1992, essencialmente inverteu o movimento para criar "Post-Supports/Surfaces". Enquanto seu mentor celebrava a trama rústica da tela, Salvat pinta no verso do vinil transparente. O observador vê a obra através do plástico, resultando em uma "reprodução" industrial e lisa de uma pintura, que espelha a aparência polida de uma tela digital. Ele mantém a obsessão do movimento pelo objeto, mas troca o rústico pelo sintético. Sua obra também está disponível em IdeelArt.com.
Nicolas Chardon - Exposição individual na Galerie Jean Broly, 2014 - Foto da instalação
Nicolas Chardon (n. 1974) estabelece um diálogo conceitual com os tecidos domésticos de Patrick Saytour. Chardon pinta sobre tecidos "Vichy" (xadrez vichy), mas com uma particularidade: quando os estica, as linhas da grade se distorcem naturalmente com a tensão. Ele pinta seus quadrados geométricos seguindo essas linhas distorcidas, provando que a geometria "ideal" da mente deve sempre se curvar à realidade física do suporte.
Adrien Vescovi - Exposição individual na Ceysson & Bénétiere St Etienne, 2017 - Foto da instalação
Por fim, o legado chegou até mesmo ao espaço externo com Adrien Vescovi (n. 1981), herdeiro das exposições "Intérieur/Extérieur" de 1970. Vescovi leva a toile libre para fora do ateliê. Usando corantes naturais, ele expõe suas telas ao sol, ao vento e à chuva por meses, deslocando o foco do movimento do "materialismo marxista" para o "materialismo ecológico". Com importantes projetos institucionais em 2026, ele também já expôs na Ceysson & Bénétière, a mesma galeria de peso que defende os fundadores do movimento.
VI. Histórias paralelas e a linguagem universal na cultura ocidental
Se Supports/Surfaces começou como uma rebelião especificamente francesa, as questões que levantou eram universais. Acontece que o impulso de desmontar a pintura não era exclusivo de Nîmes; era um espírito da época em escala global.
Para o colecionador, esta seção não traça uma linhagem de "herdeiros", mas sim uma constelação de espíritos afins. São artistas ocidentais que, vindos de diferentes capitais e décadas, chegaram às mesmas conclusões de "Supports/Surfaces", comprovando que a busca pela verdade material é uma necessidade transcultural.
"La Couleur en Fugue" na Fondation Louis Vuitton, 2022. Sam Gilliam - série Drape Paintings
A contraparte americana: Sam Gilliam (1933–2022).
É um caso de sincronicidade histórica: no exato momento em que Claude Viallat desenrolava suas telas no sul da França, Sam Gilliam removia as estruturas de sustentação em Washington, D.C. Suas célebres "Drape Paintings" - vastas telas saturadas de cor, suspensas no espaço - não são descendentes da escola francesa, mas sua irmã espiritual. Como os fundadores franceses, Gilliam compreendeu que libertar a cor da arquitetura rígida da moldura permitia que ela ocupasse o espaço real. Seja pendurada em dobras soltas e escultóricas ou tingida com pigmentos intensos, sua obra trata a tela como uma pele física, e não como uma janela, confirmando a busca materialista em ambos os lados do Atlântico.
"La couleur en fugue" na Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino
O paralelo punk: Steven Parrino (1958–2005).
Steven Parrino é reconhecido internacionalmente por levar a pintura a uma desconstrução radical. Suas obras icônicas, grandes telas circulares torcidas, dobradas ou amassadas, muitas vezes pintadas com listras marcantes ou em monocromia metálica, tratam a tela como um objeto escultórico, enfatizando a fisicalidade e a resistência do material. Formas metálicas amassadas no chão ecoam esses gestos, dissolvendo a fronteira entre pintura e escultura.
As intervenções de Parrino não dizem respeito simplesmente à destruição, mas à energia e à tensão que surgem quando as convenções da pintura são subvertidas. Embora tenha desenvolvido sua abordagem de forma independente, a obra de Parrino tem forte afinidade com o ethos de Supports/Surfaces: ambos colocam em primeiro plano o processo, a materialidade e a autonomia do objeto pintado. Sua prática é um contraponto poderoso ao movimento, e não uma extensão direta dele, demonstrando como a reavaliação radical dos limites da pintura se manifestou em ambos os lados do Atlântico.
Sergej Jensen no PS1 MOMA, 2011. Foto da instalação.
O diálogo contemporâneo: Sergej Jensen (n. 1973) e Wyatt Kahn (n. 1983).
Hoje, artistas de Berlim a Nova York continuam a expandir essa lógica. As “pinturas sem tinta” de Jensen (costuradas em linho e estopa) refletem o uso que Patrick Saytour faz de tecidos domésticos. Enquanto isso, Wyatt Kahn constrói montagens semelhantes a quebra-cabeças, com telas cruas e molduras recortadas, criando uma resposta arquitetônica às escadas vazias de Daniel Dezeuze. Eles não estão copiando os franceses; estão falando a mesma linguagem material.
Wyatt Kahn - Sem título (Pinturas urbanas em escala de cinza) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. Ressonâncias globais: Supports/Surfaces e Ásia
Embora Supports/Surfaces tenha surgido na França, sua reavaliação radical dos materiais e das convenções da pintura encontra paralelos marcantes na arte asiática do pós-guerra. Embora não exista um equivalente asiático direto nem uma conexão formal, artistas e movimentos como Dansaekhwa, na Coreia do Sul, e Gutai, no Japão, exploraram de forma independente muitas das mesmas questões que animam Supports/Surfaces.
Artistas da Dansaekhwa, como Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (n. 1935) e Lee Ufan (n. 1936), colocam em primeiro plano a materialidade da tela, o gesto repetitivo e a autonomia do suporte. Suas obras meditativas, orientadas pelo processo, muitas vezes envolvem manipular, raspar ou tecer a tela, evocando a experimentação material e a desconstrução presentes em Supports/Surfaces.
"Lee Ufan e Claude Viallat, Encontro" na Pace London, 2023. Foto da instalação.
Da mesma forma, os O Grupo Gutai, no Japão, foi pioneiro em uma abordagem experimental da pintura nas décadas de 1950 e 1960, adotando suportes não convencionais, gestos performáticos e a integração do corpo e do acaso no ato criativo. Artistas como Kazuo Shiraga (1924–2008), com suas telas dinâmicas pintadas com os pés, e Shozo Shimamoto (1928–2013), conhecido por seus experimentos radicais com materiais e por suas pinturas performáticas de “arremesso de garrafas”, incorporam uma materialidade e uma orientação para o processo que ecoam de perto o ethos de Supports/Surfaces, desafiando a hierarquia da pintura como ilusão e insistindo na condição de objeto e na presença física da obra de arte.
Hoje, essas afinidades são cada vez mais reconhecidas por curadores e críticos, que reúnem Supports/Surfaces, Dansaekhwa e Gutai em exposições para destacar um movimento mais amplo e global em direção à materialidade, ao processo e à dissolução dos limites tradicionais da pintura. Essa convergência ressalta que a busca pela verdade material na arte não é limitada pela geografia, mas ressoa entre continentes e culturas.
“Action” - Shozo Shimamoto e Kazuo Shiraga na galeria Whitestone, 2023. Foto da instalação
VIII. A constelação IdeelArt: realismo material na prática
O movimento “Neo Supports/Surfaces” não é apenas uma nota de rodapé histórica; é uma frequência viva que continua a vibrar na prática contemporânea. Na IdeelArt, essa linhagem é representada pelos herdeiros diretos que já abordamos: Frédéric Prat, com sua rigorosa purificação do “não formal”; Jean-Daniel Salvat, que questiona a própria pele da pintura por meio de seu trabalho com vinil; e Guillaume Moschini, cuja aplicação procedimental da cor elimina o ego para revelar a vibração do suporte.
Ainda assim, a busca pela “verdade material” vai além desses descendentes diretos. Ela se manifesta em uma constelação diversa de artistas internacionais que, consciente ou intuitivamente, chegaram à mesma conclusão: uma obra de arte precisa primeiro ser um objeto no mundo real para então poder ser uma imagem.
Jean Feinberg - Exposição “Minimal/Maximal” no estúdio de Ed Rothfarb, 2025 - Foto da instalação
Jean Feinberg (EUA) personifica a insistência do movimento na “pintura como objeto”. Seu trabalho rejeita a janela retangular da pintura tradicional em favor de “construções” feitas de madeira reaproveitada, tela e tinta. Como nos primeiros experimentos de Bernard Pagès, as obras de Feinberg não são imagens de algo; são entidades autônomas que avançam pelo espaço do espectador. Ao integrar detritos encontrados e madeira estrutural, ela valida a tese de que a tensão física do objeto é o verdadeiro tema da arte.
Louise Blyton - “Mulooning” - Exposição individual na galeria Five Walls, Melbourne, 2025 - Foto da instalação
Louise Blyton (Austrália) estabelece um diálogo profundo com a “verdade do suporte”. Inspirada pela libertação da tela promovida por Claude Viallat, Blyton transforma o linho cru de um fundo passivo em um material ativo e visível. Sua técnica redutiva — envolver formas de madeira de balsa com linho e aplicar infinitas camadas de pigmento, sem ego — cria obras que não são nem pintura nem escultura, mas objetos híbridos. Elas não escondem seu processo de criação; celebram a realidade tecida de sua superfície.
Anthony Frost em seu estúdio (2023)
Anthony Frost (Reino Unido) expressa a rejeição do movimento ao preciosismo das "belas-artes" por meio de sua adoção radical de materiais modestos. Assim como Noël Dolla recorreu a panos de prato e à tarlatana, Frost constrói suas abstrações viscerais usando lona de vela, redes para frutas e estopa. Essas superfícies não são neutras nem servem à ilusão; são realidades ásperas e industriais que afirmam sua própria história. Sua obra prova que o espírito "Neo Supports/Surfaces" prospera onde quer que um artista priorize a honestidade bruta da matéria em vez do engano da representação.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, Victoria & Albert Museum, 2025
Richard Caldicott (Reino Unido) aplica a lógica desconstrutiva do movimento ao meio da fotografia. Assim como Daniel Dezeuze reduziu a pintura à estrutura do chassi para revelar seu esqueleto, Caldicott reduz a fotografia à sua mecânica elementar: luz e papel. Por meio de seus fotogramas e negativos em papel, ele contorna a função documental da câmera para criar imagens que são impressões físicas do mundo. Ele revela a "verdade ontológica" da fotografia, transformando-a de espelho da realidade em geradora de formas concretas.
Acreditamos que o movimento "Neo Supports/Surfaces" é muito maior do que suas origens francesas; é uma busca global pela verdade material. Seja chamado de "Pintura Provisória", "Casualismo", "Novo Materialismo", ou visto em Dansaekhwa e Gutai, artistas do Brooklyn a Seul estão ativamente envolvidos nessa mesma busca.
Não se trata de nostalgia, mas de uma metodologia válida e universal para o século XXI. O que começou nos ateliês de Nîmes encontra eco nas cortinas de Washington, D.C., na arte têxtil da Dinamarca, no minimalismo de Nova York e nas telas meditativas da Ásia.
Os fundadores desmembraram a pintura para encontrar sua verdade; a ponte institucional preservou essa verdade; e uma geração global de artistas está usando-a para construir novas arquiteturas. Os panfletos políticos de 1968 podem ter desaparecido, mas a descoberta estética continua válida: o objeto da pintura é a própria pintura.
Por Francis Berthomier
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". Hôtel des Arts de Toulon. Dez. 2025.
Este artigo foi inspirado por uma visita recente à exposição de Viallat no Hôtel des Arts, em Toulon (França), onde uma conversa com o próprio Claude Viallat confirmou que ele ainda produz três obras por dia, um testemunho duradouro de seu vigor contínuo e da energia viva do movimento.
Imagem em destaque: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" no Carré d'Art (Nîmes, França), 2018. Foto da instalação.
Obras dos artistas neosuportes/superfícies da Ideelart
