Três Mestres da Cor Azul na Arte Contemporânea

Quando você vê o cor azul, o que você sente? Você descreveria isso como algo diferente do que sente ao ouvir a palavra azul, ou ao ler a palavra azul em uma página? A informação comunicada por um tom é diferente da informação comunicada pelo seu nome? Seja o que for que você sinta, será que esse sentimento é universal? Ou a cor azul significa coisas diferentes para pessoas diferentes? E quanto aos animais? Eles associam cor com emoção, ou usam seus receptores de cor apenas para sobreviver? Essas perguntas intrigam estudiosos da cor há séculos, e de certa forma ainda estamos tão longe de respondê-las hoje quanto estávamos há cem anos. Mas um livro recentemente publicado pela Phaidon Press nos leva um pouco mais longe na compreensão da cor, pelo menos no que diz respeito à arte. Escrito por Stella Paul, ex-curadora do Museu de Arte do Condado de Los Angeles e ex-diretora de programas do Museu Metropolitano de Arte em Nova York, Chromaphilia: The Story of Color in Art destaca 240 obras individuais. Sua exaustiva exploração da cor não apenas lança nova luz sobre as inúmeras formas como dez categorias distintas de cor foram usadas por artistas ao longo da história, mas também explora a variedade de maneiras pelas quais a cor se cruza com a ciência, emoção, estética e outras áreas da cultura humana. Hoje gostaríamos de examinar mais profundamente o trabalho de alguns dos artistas mencionados por Paul no livro para ilustrar a variedade e o poder da cor azul: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso e Yves Klein.

Vendo a Cor

Uma das coisas estranhas sobre a cor é com que frequência duas pessoas podem olhar para o mesmo objeto ao mesmo tempo no mesmo lugar e ainda assim afirmar que o objeto que estão vendo tem uma cor diferente. Nos perguntamos, “Como isso pode ser? A cor não é objetiva?” Mas a resposta curta é não. A cor é frequentemente subjetiva. A razão tem a ver com a ciência por trás de como os humanos veem a cor. Humanos (e a maioria dos outros animais que veem cor) são tricromatas. Isso significa que os receptores nos olhos humanos percebem três comprimentos de onda básicos que correspondem à cor. Você pode ter ouvido falar do modelo de cor RGB usado por algumas impressoras. As iniciais RGB significam Vermelho, Verde e Azul. Esse é o modelo de cor que mais se aproxima da visão humana. Obviamente, vermelho, verde e azul não são as únicas cores que os olhos humanos podem perceber. Na verdade, a maioria dos humanos pode perceber até sete milhões de tons distintos. Mas cada um desses diferentes tons é interpretado no cérebro depois que os olhos o percebem inicialmente como alguma combinação de vermelho, verde e azul.

Além disso, a cor que percebemos que um objeto tem não depende apenas do objeto em si. Sim, poderíamos analisar o material de que um objeto é feito e chegar a algum entendimento sobre qual cor esse material provavelmente tem com base em sua composição química. Mas a composição química de uma substância não é o único fator que determina a cor que percebemos. A razão pela qual os humanos conseguem perceber cor é por causa da luz. E a luz também pode ser colorida, caso em que pode alterar a cor que nossos olhos veem ao olhar para uma superfície. Além disso, um par de olhos pode ser mais sensível, ou simplesmente sensível de forma diferente, à luz do que outro par, fazendo com que a forma como dois cérebros interpretam a cor também seja diferente. Basicamente, a mesma coisa que nos permite ver a cor também pode alterar nossa percepção dela. Portanto, falar sobre cor pode às vezes parecer subjetivo, e discutir sobre qual é a cor de algo pode parecer até mesmo tolo.

Helen Frankenthaler - Moveable Blue, 1973, acrílico sobre tela, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nova York

A Cor Azul

No entanto, as variações que diferentes pessoas veem quando olham para algo de uma cor particular geralmente não variam tão dramaticamente como, por exemplo, uma pessoa ver vermelho e outra ver azul. Normalmente, a variação é mais sutil, como uma pessoa ver azul celeste e outra ver água-marinha. Mas o que pode variar amplamente é a gama de outras coisas que nossos cérebros percebem quando olhamos para uma cor específica, além de suas propriedades físicas. Como a frase de abertura do capítulo sobre a cor azul em Chromaphilia: The Story of Color in Art observa, “Existem muitos tipos de azul — todos do mesmo tom, mas com permutações inesgotáveis de aparência, efeito, origem e significado.”

Já cobrimos a aparência. Mas a diversão realmente começa quando consideramos “efeito, origem e significado.” Quanto ao efeito, uma pessoa pode ver a cor azul e ficar calma. Outra pode ficar triste ao ver algo azul. Muito do modo como reagimos à cor tem a ver com nossas experiências passadas com ela. A origem é outra consideração fascinante, já que cada variação da cor azul vem de uma mistura fundamentalmente diferente de elementos. Variações nos pigmentos de tinta azul podem vir de diferentes combinações de aglutinantes e minerais. Variações na luz azul podem ter a ver com diferentes partículas no ar. E quanto ao significado, é aí que as coisas realmente se complicam. Cada indivíduo, grupo e cultura desenvolve sua própria relação idiossincrática com a cor azul. Portanto, ao usar a cor azul em uma obra de arte, não há como prever que tipo de significado será percebido quando a obra for finalmente vista. Para explorar o quão variadas podem ser as percepções do azul na arte, considere o trabalho dos três artistas mencionados em Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler e Picasso.

Pablo Picasso - Mãe e filho, 1902, óleo sobre tela

O Azul nas Obras de Yves Klein

Quando se trata da arte do século XX e da cor azul, nenhum artista vem mais rápido à mente do que Yves Klein. A lenda diz que, quando jovem, Klein estava na praia com seus amigos, o artista Arman e o compositor francês Claude Pascal. Os três dividiram o mundo entre si. Arman escolheu a terra. Pascal escolheu os símbolos escritos. E Klein escolheu o céu, levantando imediatamente a mão e assinando seu nome no ar. A partir desse momento, a cor se tornou importante para Klein. Uma de suas primeiras exposições apresentou telas monocromáticas pintadas em várias cores puras. Mas quando o público não entendeu o que ele tentava expressar, ele percebeu que teria que simplificar e usar apenas uma cor para fazer seu ponto. Assim, ele iniciou um processo de desenvolvimento de seu próprio tom característico.

Como Stella Paul explica em Chromaphilia: The Story of Color in Art: “[Klein] trabalhou com Edouard Adam, um vendedor de cores parisiense que consultava químicos da Rhone-Poulenc, para criar um aglutinante sintético... O resultado foi o Rhodopas M60A, que podia ser diluído em vários níveis de viscosidade com etanol e acetato de etila. Esse aglutinante preserva a luminescência mágica do pigmento...Klein encomendou sua própria tinta sintética personalizada usando esse novo aglutinante, que patenteou como IKB (International Klein Blue); a partir de 1957 usou esse pigmento quase exclusivamente.” Klein usou o International Klein Blue para criar suas icônicas telas monocromáticas azuis e várias instalações públicas monumentais. Ele também o usou para criar algumas de suas obras mais influentes: peças performáticas em que modelos nus cobriam seus corpos com IKB e depois pressionavam seus corpos em várias configurações contra as telas.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960, © Yves Klein Archives

O Azul nas Obras de Helen Frankenthaler

A pintora abstrata Helen Frankenthaler foi outra grande defensora da cor azul no século XX. Frankenthaler inventou uma técnica de pintura chamada soak-stain (mancha por imersão). A técnica envolve despejar tinta diretamente sobre a superfície de uma tela crua, sem esticar, espalhada no chão, permitindo que a tinta penetre nas fibras e se espalhe pela superfície por conta própria. Frankenthaler inicialmente usou essa técnica com tintas a óleo, mas logo percebeu que a tinta a óleo degrada rapidamente a tela crua. Assim, ela se tornou uma das primeiras defensoras das tintas acrílicas, que não têm o mesmo efeito degradante na tela. O que as tintas acrílicas têm, no entanto, são qualidades vibrantes e luminosas em relação ao tom. Ao despejar diferentes tons puros diretamente em suas telas, Frankenthaler podia direcionar os fluxos de tinta de maneiras que exploravam as relações de cor de formas novas, sem interferência conceitual de elementos como linha, forma, textura ou volume.

Em Chromaphilia: The Story of Color in Art, Stella Paul dedica atenção especial à pintura Mountains and Sea, que Helen Frankenthaler pintou em 1952. É considerada a primeira tela que Frankenthaler criou usando sua técnica soak-stain. Paul diz sobre a obra: “Depois de voltar ao seu estúdio em Nova York após um intervalo na Nova Escócia, Frankenthaler recordou que havia internalizado a paisagem canadense, que ficou gravada não apenas em sua mente, mas também em seu ombro e pulso. Com esse pano de fundo de mente e corpo, ela criou uma abstração lírica e pastoral para evocar a memória de um lugar por meio da cor.” Frankenthaler concebeu o processo de despejar a tinta como uma forma de traduzir algo internalizado em seu corpo para algo externalizado na tela. A pintura utiliza quase inteiramente tons de vermelho, verde e azul, sendo os vários tons de azul os que mais se destacam como uma manifestação abstrata, e não figurativa, do mar.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nova York

O Azul nas Obras de Picasso

A cor era de suma importância para Pablo Picasso, especialmente nas fases iniciais de sua carreira como artista. Frequentemente, seu trabalho desse período é classificado de acordo com a cor, como em seu Período Rosa e seu Período Azul. Essas classificações obviamente têm a ver com os pigmentos predominantes que ele usava em suas pinturas na época, mas também se relacionam com as circunstâncias de sua vida pessoal, que supostamente influenciaram os temas que escolheu retratar com esses diferentes tons. Seu Período Rosa, por exemplo, durou aproximadamente de 1904 a 1906. Coincidiu com o início de seu relacionamento com sua amante Fernande Olivier e sua mudança para a área de Montmartre, em Paris. Seu trabalho do Período Rosa consistia em imagens alegres de coisas como arlequins e circos. Foi no final do Período Rosa que Picasso pintou sua obra seminal, a Les Demoiselles d’Avignon em tons rosados, frequentemente citada como precursora do Cubismo.

O Período Azul de Picasso precedeu seu Período Rosa, abrangendo aproximadamente de 1901 a 1904. Foi um momento em sua vida dominado pela consciência da depressão e tristeza. Picasso certa vez afirmou: “Comecei a pintar em azul quando soube da morte de Casagemas.” A declaração refere-se ao seu querido amigo Carlos Casagemas, que atirou na própria cabeça em um café em Paris enquanto Picasso estava fora da cidade. Quando Picasso voltou a Paris, viveu e trabalhou no estúdio de Casagemas, onde começou a pintar composições quase monocromáticas em azul. Como Stella Paul aponta em Chromaphilia: The Story of Color in Art, “O azul predominante de The Old Guitarist é a expressão material de algo triste, marginalizado e excluído. Um clima crepuscular de ânimo baixo envolve a pele azulada e artificial do sujeito, suas roupas e o espaço ambiente ao redor. Os gestos angulares e os membros e traços alongados desse músico cego e abatido reforçam as impressões estabelecidas pela cor azul insistente.”

Mas, como podemos ver nesses três exemplos, de Yves Klein, Helen Frankenthaler e Pablo Picasso, o azul nem sempre comunica tristeza, assim como nem sempre se refere ao céu ou ao mar. A gama potencial de tons que chamamos de azul é aparentemente infinita. Da mesma forma, a gama potencial de emoções, sentimentos, contextos e significados que podemos extrair da cor é igualmente vasta.

Pablo Picasso - Café da manhã de um homem cego, 1903, óleo sobre tela

Imagem em destaque: Yves Klein - Monocromático Azul Sem Título, 1960, foto © Yves Klein Archive
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio