Três Mestres da Cor Azul na Arte Contemporânea

Quando você vê a cor azul, o que você sente? Você descreveria isso como algo diferente do que sente quando ouve a palavra azul ou lê a palavra azul em uma página? A informação comunicada por um matiz é diferente da informação comunicada pelo seu nome? Seja o que for que você sinta, é possível que esse sentimento seja universal? Ou a cor azul significa coisas diferentes para pessoas diferentes? E quanto aos animais? Eles associam cor com emoção ou usam seus receptores de cor apenas para sobrevivência? Essas perguntas têm intrigado estudantes de cor por séculos, e de certa forma, estamos tão longe de respondê-las hoje quanto estávamos há cem anos. Mas um livro recentemente publicado pela Phaidon Press nos leva um pouco mais longe em direção a uma compreensão da cor, pelo menos no que diz respeito à arte. Escrito por Stella Paul, uma ex-curadora do Museu de Arte do Condado de Los Angeles e ex-diretora de programa no Museu Metropolitano de Arte em Nova York, Chromaphilia: The Story of Color in Art destaca 240 obras de arte individuais. Não apenas sua exploração exaustiva da cor lança uma nova luz sobre as inúmeras maneiras como dez categorias distintas de cor foram usadas por artistas ao longo da história, mas também explora a gama de maneiras como a cor se cruza com a ciência, emoção, estética e outras áreas da cultura humana. Hoje, gostaríamos de dar uma olhada mais profunda no trabalho de alguns dos artistas que Paul menciona no livro para ilustrar a gama e o poder da cor azul: Helen Frankenthaler, Pablo Picasso e Yves Klein.

Vendo cores

Uma das coisas estranhas sobre a cor é como frequentemente duas pessoas podem olhar para o mesmo objeto ao mesmo tempo, no mesmo lugar, e ainda assim afirmar que o objeto que estão olhando é de uma cor diferente. Nós nos perguntamos: “Como isso pode ser? A cor não é objetiva?” Mas a resposta curta é não. A cor é frequentemente subjetiva. A razão tem a ver com a ciência por trás de como os humanos veem a cor. Os humanos (e a maioria dos outros animais que veem cor) são tricromatas. Isso significa que os receptores nos olhos humanos percebem três comprimentos de onda básicos que correspondem à cor. Você pode ter ouvido falar do modelo de cor RGB usado por algumas impressoras. As iniciais RGB representam Vermelho, Verde e Azul. Esse é o modelo de cor que mais se aproxima da visão humana. Obviamente, vermelho, verde e azul não são as únicas cores que os olhos humanos podem perceber. Na verdade, a maioria dos humanos pode perceber até sete milhões de matizes distintos. Mas cada uma dessas diferentes matizes é interpretada no cérebro depois que os olhos a percebem como alguma combinação de vermelho, verde e azul.

Além disso, a cor que percebemos em um objeto não tem a ver apenas com o próprio objeto. Sim, poderíamos analisar o material de que um objeto é feito e chegar a alguma compreensão de qual cor esse material provavelmente terá com base em sua composição química. Mas a composição química de uma substância não é o único fator que influencia a cor que percebemos. A razão pela qual os humanos conseguem perceber cores é por causa da luz. E a luz também pode ser colorida, caso em que pode alterar a cor que nossos olhos veem ao olhar para uma superfície. Além disso, um conjunto de olhos pode ser mais sensível, ou apenas diferentemente sensível, à luz do que outro conjunto de olhos, causando assim que a maneira como dois cérebros interpretam a cor também seja diferente. Basicamente, a mesma coisa que nos permite ver cores também pode alterar nossa percepção de cor. Portanto, falar sobre cor pode às vezes parecer subjetivo, e discutir sobre qual cor algo é pode parecer absolutamente ridículo.

Helen Frankenthaler - Azul Móvel, 1973, acrílico sobre tela, © 2014 Fundação Helen Frankenthaler, Inc, Sociedade de Direitos dos Artistas (ARS), Nova Iorque

A Cor Azul

No entanto, as variações que diferentes pessoas percebem ao olhar para algo que é de uma cor particular geralmente não variam de forma tão dramática como, por exemplo, uma pessoa vendo vermelho e outra vendo azul. Normalmente, a variação é mais sutil, como uma pessoa vendo azul celeste e outra vendo água-marinha. Mas o que pode variar amplamente é a gama de outras coisas que nossos cérebros percebem quando olhamos para uma cor particular, além de suas propriedades físicas. Como observa a frase de abertura do capítulo sobre a cor azul em Chromaphilia: The Story of Color in Art, “Existem muitos tipos de azul—todas da mesma tonalidade, mas com permutações inesgotáveis de aparência, efeito, origem e significado.”

A aparência já cobrimos. Mas a diversão realmente começa quando consideramos “efeito, origem e significado.” Quanto ao efeito, uma pessoa pode ver a cor azul e ficar calma. Outra pode ficar triste ao ver algo azul. Muito de como reagimos à cor tem a ver com nossas experiências passadas com a cor. A origem é outra consideração fascinante, já que cada variação da cor azul vem de uma mistura fundamentalmente diferente de elementos. As variações nos pigmentos de tinta azul podem vir de diferentes combinações de ligantes e minerais. As variações na luz azul podem ter a ver com diferentes partículas no ar. E quanto ao significado, é aí que as coisas realmente se complicam. Cada indivíduo, cada grupo e cada cultura desenvolve sua própria relação idiossincrática com a cor azul. Portanto, ao usar a cor azul em uma obra de arte, não há literalmente como prever que tipo de significado será percebido quando a obra for finalmente vista. Para explorar quão selvagens as variações entre a percepção do azul podem ser na arte, considere o trabalho dos três artistas mencionados em Chromaphilia: The Story of Color in Art: Yves Klein, Helen Frankenthaler e Picasso.

Pablo Picasso - Mãe e filho, 1902, óleo sobre tela

Azul nas Obras de Yves Klein

Quando se trata de arte do século XX e da cor azul, nenhum artista vem à mente mais rapidamente do que Yves Klein. A lenda diz que, quando jovem, Klein estava na praia com seus amigos, o artista Arman e o compositor francês Claude Pascal. Os três dividiram o mundo entre eles. Arman escolheu a terra. Pascal escolheu símbolos escritos. E Klein escolheu o céu, levantando imediatamente a mão e assinando seu nome no ar. A partir desse momento, a cor se tornou importante para Klein. Uma de suas primeiras exposições apresentava telas monocromáticas pintadas em várias cores puras. Mas quando o público não conseguiu entender o que ele estava tentando expressar, ele percebeu que teria que simplificar e usar apenas uma cor para fazer seu ponto. Assim, ele embarcou em um processo de desenvolvimento de sua própria cor assinatura.

Como Stella Paul explica em Chromaphiliaa: A História da Cor na Arte: “[Klein] trabalhou com Edouard Adam, um vendedor de cores parisiense que consultou químicos da Rhone-Poulenc, para criar um aglutinante sintético... O resultado foi Rhodopas M60A, que poderia ser diluído a vários níveis de viscosidade com etanol e acetato de etila. Este aglutinante preserva a luminescência mágica do pigmento...Klein comissionou sua própria tinta sintética personalizada usando este novo aglutinante, que ele patenteou como IKB (International Klein Blue); a partir de 1957, ele usou este pigmento quase exclusivamente.” Klein usou o International Klein Blue para fazer suas icônicas telas azuis monocromáticas e várias instalações públicas monumentais. Ele também o usou para criar o que se tornou algumas de suas obras mais influentes: peças de performance nas quais modelos nus se cobriam de IKB e depois pressionavam seus corpos em várias configurações contra as telas.

Yves Klein - Antropometria da época azul, 1960, © Yves Klein Archives

Azul nas Obras de Helen Frankenthaler

A pintora abstrata Helen Frankenthaler foi outra mestre, defensora do azul no século XX. Frankenthaler foi a inventora de uma técnica de pintura chamada soak-stain. A técnica envolve derramar tinta diretamente sobre a superfície de uma tela não tratada e não esticada espalhada no chão, permitindo que a tinta penetre nas fibras e se espalhe pela superfície por conta própria. Frankenthaler inicialmente executou essa técnica com tintas a óleo, mas logo aprendeu que a tinta a óleo degrada rapidamente a tela crua. Assim, ela se tornou uma das primeiras defensoras das tintas acrílicas, que não têm o mesmo efeito degradante sobre a tela. O que as tintas acrílicas têm, no entanto, são qualidades vibrantes e luminosas quando se trata de matiz. Ao derramar diferentes matizes puros diretamente em suas telas, Frankenthaler podia direcionar os fluxos de tinta de maneiras que exploravam as relações de cor de novas formas, sem interferência conceitual de elementos como linha, forma, textura ou forma.

Em Chromaphilia: A História da Cor na Arte, Stella Paul presta atenção especial à pintura Montanhas e Mar, que Helen Frankenthaler pintou em 1952. É considerada a primeira tela que Frankenthaler criou usando sua técnica de soak-stain. Paul diz sobre a obra: “Depois de retornar ao seu estúdio em Nova York de um intervalo na Nova Escócia, Frankenthaler lembrou-se mais tarde que havia internalizado a paisagem canadense, que havia se tornado embutida não apenas em sua mente, mas também em seu ombro e seu pulso. Com esse pano de fundo de mente e corpo, ela criou uma abstração lírica e pastoral para evocar a memória de um lugar através da cor.” Frankenthaler conceituou o processo de derramar a tinta como uma forma de traduzir algo internalizado dentro de seu corpo em algo externalizado na tela. A pintura utiliza quase inteiramente matizes de vermelho, verde e azul, sendo os vários matizes de azul os que mais se destacam como uma manifestação abstrata, em vez de figurativa, do mar.

Helen Frankenthaler - Blue Current (Harrison 134), 1987, © 2014 Helen Frankenthaler Foundation, Inc, Artists Rights Society (ARS), Nova Iorque

Azul nas Obras de Picasso

A cor foi de suma importância para Pablo Picasso, especialmente nas fases iniciais de sua carreira como artista. Muitas vezes, seu trabalho dessa época é classificado de acordo com a cor, como em seu Período Rosa e seu Período Azul. Essas classificações obviamente têm a ver com os pigmentos predominantes que ele estava usando em suas pinturas na época, mas também se relacionam com as circunstâncias de sua vida pessoal, que supostamente afetaram o tema que ele escolheu retratar com esses diferentes matizes. Seu Período Rosa, por exemplo, abrangeu aproximadamente de 1904 a 1906. Coincidiu com o início de seu relacionamento com sua amante Fernande Olivier e sua mudança para a área de Montmartre em Paris. Seu trabalho do Período Rosa consistia em imagens alegres de coisas como arlequins e circos. Foi no final de seu Período Rosa que Picasso pintou sua obra seminal, a Les Demoiselles d’Avignon, de tons rosados, que é frequentemente citada como a predecessora do Cubismo.

O Período Azul de Picasso precedeu seu Período Rosa, abrangendo aproximadamente de 1901 a 1904. Foi um tempo em sua vida dominado por uma consciência de depressão e tristeza. Picasso uma vez afirmou: “Comecei a pintar em azul quando soube da morte de Casagemas.” A observação refere-se a seu querido amigo Carlos Casagemas, que se disparou na cabeça em um café em Paris enquanto Picasso estava fora da cidade. Quando Picasso retornou a Paris, ele viveu e trabalhou no estúdio de Casagemas, onde começou a pintar composições quase monocromáticas em azul. Como Stella Paul aponta em Chromaphilia: The Story of Color in Art, “O azul penetrante de O Velho Guitarrista é a expressão material de algo triste, marginalizado e excluído. Um clima crepuscular de baixo-astral é lançado sobre a pele azulada e não natural do sujeito, suas vestes e o espaço ambiente que o envolve. Os gestos angulares e os membros e características alongados deste músico abatido e cego reforçam as impressões estabelecidas pela cor azul insistente.” Mas como podemos ver a partir desses três exemplos, de Yves Klein, Helen Frankenthaler e Pablo Picasso, o azul nem sempre comunica tristeza, assim como não se refere sempre ao céu ou ao mar. A gama potencial de matizes que nos referimos quando dizemos azul é aparentemente infinita. Da mesma forma, a gama potencial de emoções, sentimentos, contextos e significados que podemos extrair da cor é igualmente vasta.

Pablo Picasso - Café da Manhã de um Homem Cego, 1903, óleo sobre tela

Imagem em destaque: Yves Klein - Monocromo Azul Sem Título, 1960, foto © Arquivo Yves Klein
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park