A Lesma de Henri Matisse e as Principais Qualidades da Arte Abstrata

“A Lesma” (1953) foi completada no ano anterior à morte de Matisse. É considerada sua última grande “corte”, e também, uma obra-prima. Para Matisse, no entanto, que era incansável em sua produção prolífica, talvez fosse apenas mais uma obra de arte, algo que ele esqueceu assim que terminou para poder passar para a próxima peça. No entanto, para aqueles que viram “A Lesma” pessoalmente, é uma imagem assombrosa, até mesmo inesquecível, que exemplifica o auge da abstração modernista. A peça tem cerca de três metros quadrados, duas vezes mais alta do que a maioria dos espectadores. Consiste em formas coloridas coladas a um fundo branco. Cada forma é cortada de um pedaço de papel colorido em guache. As formas estão dispostas em uma espiral solta—uma expressão da concha de uma lesma. Matisse também deu à obra um segundo título: “La Composition Chromatique”, ou “A Composição Cromática”. Este segundo título guarda mistério. A maioria dos escritores assume que Matisse pretendia que fosse uma referência às cores. Afinal, ele selecionou tons perfeitamente complementares para a peça, criando uma composição visual vibrante e alegre. No entanto, enquanto a palavra cromática é de fato frequentemente usada para significar algo que se relaciona à cor, ela também tem uma conotação musical—assim como a palavra composição. Na música, uma escala cromática inclui todas as 12 notas que podem ser tocadas em um piano padrão. É uma escala completa, abrangente. Ao olhar para “A Lesma”, muitos espectadores percebem que 12 tons estão presentes. Poderia Matisse ter feito referência à música assim como à cor com este título secundário? Uma coisa é certa, ao atribuir ambos os títulos a esta peça, Matisse dotou-a de qualidades figurativas e abstratas, adicionando camadas ricas prontas para interpretação, e tornando “A Lesma” uma obra de arte ideal para ser usada como estudo nas principais qualidades da arte abstrata.

O desenrolar

"A Lesma" foi comprada pela Tate em Londres em 1962. Quatorze anos depois, o museu recebeu uma carta da Sra. Lydia Delectorskaya, uma russa exilada que foi modelo, assistente de estúdio e gerente de carreira de Matisse em seus últimos anos. A carta descreve a criação de "A Lesma". Ela cita Matisse: "Primeiro desenhei a lesma da natureza, segurando-a. Tomei consciência de um desenrolar, encontrei uma imagem em minha mente purificada da concha, então peguei as tesouras." Dentro desta frase simples está uma síntese poética de toda a carreira de Matisse. Ele, antes de tudo, trabalhou a partir da natureza, pintando quadros figurativos. Sua imitação da natureza então se desfez à medida que ele explorava as dinâmicas qualidades abstratas da cor. Ele simplificou, reduzindo seu trabalho a imagens purificadas como "A Dança II" (1932), um mural na Barnes Foundation na Pensilvânia, ou "Nu Reclinado" (1935), para o qual a Sra. Delectorskaya posou. Finalmente, ele "pegou as tesouras", transformando seu método de trabalho após descobrir que não podia mais pintar após complicações de uma cirurgia de câncer duodenal.

A frase "pegou as tesouras" refere-se à técnica de colagem recortada que Matisse desenvolveu enquanto estava enfermo. Preso a uma cadeira de rodas, ele prescreveu as cores exatas que queria usar para os assistentes, que então pintaram pedaços de papel nessas cores em gouache. Matisse cortou os papéis com tesouras, moldando o papel para se adequar à sua imaginação. Ele orientou seus assistentes na criação de composições precisas em painéis pendurados na parede. Essa evolução, da pintura aos recortes, nasceu da necessidade, mas também foi um gesto Modernista perfeito, pois eliminou as falsidades de desenhar formas e depois pintar cores nelas, permitindo um processo mais honesto em que método, meio e material se tornaram um só. "O Caracol" é, além disso, considerado uma declaração Modernista particularmente profunda porque o padrão espiral de uma concha de caracol, o que Matisse se referia como "desenrolar", faz referência à Proporção Áurea, uma estratégia composicional frequentemente usada na arte abstrata inicial que é considerada uma expressão de harmonia universal na natureza.

Cor e Música

Ao atribuir a “Les Escargots” o título adicional de “A Composição Cromática”, Matisse abriu a porta para que a peça fosse considerada não apenas de acordo com suas qualidades representacionais narrativas, mas também de acordo com seus termos estéticos puramente formais. Essa escolha foi um reconhecimento por parte do artista de que ele abraçou as maneiras pelas quais seu trabalho poderia ser interpretado de ambas as formas pelos espectadores. Foi percebido de ambas as maneiras por ele, e ele claramente queria que nós também abríssemos nossas mentes para ambos os pontos de vista. Visto simplesmente como um agrupamento concreto e formal de cores e formas, a obra declara uma gama de qualidades emocionais e físicas, como júbilo, energia e movimento. A planicidade da imagem compete de maneiras sutis com os aspectos dimensionais dos papéis sobrepostos. Os tons escuros e claros criam ilusões de profundidade.

Para aqueles que desejam contemplar as qualidades musicais de “La Composition Chromatique”, é um prazer olhar mais profundamente para os vários matizes presentes na obra. Quantas tonalidades de laranja existem? Quantas tonalidades de verde? Há 11 formas no centro da imagem, além do fundo branco e da moldura laranja, que é composta por pelo menos sete peças. Dependendo de como seu cérebro percebe a cor, pode haver até 19 tonalidades diferentes. Mas a maioria das pessoas vê nove tonalidades distintas no centro, além do branco, e duas tonalidades adicionais de laranja na moldura. Essas 12 tonalidades serpenteiam liricamente ao redor da composição, prestando homenagem a outra grande noção modernista: que elementos visuais abstratos são semelhantes à música. Juntas, essas várias maneiras de se relacionar com esta obra-prima somam uma aula magistral sobre como interagir com a arte abstrata. Este recorte é parte pintura, parte escultura em relevo, parte concreto, parte lírica, parte geométrica, parte figurativa e parte abstrata. É tudo isso e nada disso. Em sua multiplicidade, incorpora o mistério da crença que Matisse uma vez expressou, de que “Exatidão não é verdade.”

Imagem em destaque: Henri Matisse - O Caracol, 1953. Gouache sobre papel, recortado e colado em papel montado em tela. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ pol × 108 pol). Modern, Londres. © Sucessão Henri Matisse/DACS 2018
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park