Cinco Esculturas Notáveis de Anthony Caro

Quando faleceu em 2013, Anthony Caro era considerado o escultor britânico mais influente de sua geração. Sua influência vinha tanto de seu trabalho quanto de seu ensino. Dois dias por semana, de 1953 a 1981, ele lecionou na St Martin's School of Art em Londres. Lá, uma de suas principais inovações foi combinar as aulas de escultura e desenho, mudando o foco das lições de copiar os temas para “compreendê-los.” Essa mesma perspectiva também definiu seu trabalho como artista. No início, ele copiava suas esculturas da vida real. Moldava suas primeiras obras ou as esculpia em pedra, e as colocava sobre pedestais da maneira tradicional. Mas então, em 1960, mudou abruptamente para fazer esculturas não figurativas, abstratas, em metal, e as colocava diretamente no chão. Em vez de perceber que essas obras estavam separadas do ambiente, os espectadores sentiam-se conectados à obra e podiam até caminhar ao seu redor e observar as mudanças em sua aparência conforme se moviam. Seu objetivo de compreender e depois expressar a essência abstrata de seus temas também o levou à conclusão de que deveria usar objetos e materiais encontrados em seu trabalho. Estes, ele sentia, são as coisas da vida moderna cotidiana. O significado intrínseco que contêm fala muito aos espectadores modernos. Sua evolução como artista fez de Caro uma ponte perfeita entre artistas como Marcel Duchamp, que primeiro reuniu objetos prontos do cotidiano em esculturas, e artistas contemporâneos como Jessica Stockholder, que expandem esse conceito na criação de experiências perceptivas em grande escala que redefinem as relações humanas com o espaço. O legado que Caro deixou é de invenção incansável, e aqui estão cinco de suas peças mais notáveis:

Mulher Despertando (1955)

Caro aprendeu a esculpir a partir da natureza enquanto estudava na Royal Academy em Londres. Foi ensinado a copiar diretamente as esculturas de artistas gregos, romanos e etruscos. Após se formar, mudou-se de Londres para Hertfordshire, onde fez uma ligação fria e infame para Henry Moore, o grande escultor modernista biomórfico, pedindo uma vaga como assistente de estúdio. Moore recusou, mas disse para voltar em seis meses. Caro voltou e conseguiu o emprego. Apesar do respeito por Moore, Caro teve dificuldades tanto com sua formação acadêmica quanto com a influência de Moore sobre ele. Quando Caro teve sua primeira exposição individual em 1956, essas duas influências são plenamente evidentes, especialmente na escultura mais comentada da mostra: “Mulher Despertando” (1955). A pose da mulher lembra inegavelmente as formas femininas reclinadas que Moore esculpia, enquanto as propriedades físicas e emocionais heroicas da obra evocam muitas referências clássicas.

Vinte e Quatro Horas (1960)

Apesar da luta interna para encontrar uma voz original, as esculturas figurativas que Caro fazia foram bem recebidas pelo público. Uma foi exibida na Bienal de Veneza de 1958, e outra ganhou o prêmio de escultura na Bienal de Paris de 1959. A notoriedade, porém, também o colocou em contato com artistas abstratos influentes dos Estados Unidos, como Helen Frankenthaler, Kenneth Noland e Robert Motherwell. A interação com eles alimentou seu impulso instintivo para a abstração e o encorajou a ter confiança para fazer uma mudança dramática em seu estilo. Sua nova abordagem se manifestou pela primeira vez em 1960 com “Vinte e Quatro Horas.” O sucesso dessa peça o levou a reformular radicalmente seu currículo de ensino, colocando-o na vanguarda da vanguarda acadêmica britânica.

Cedo numa Manhã (1962)

Em 1963, a Whitechapel Gallery em Londres realizou uma exposição individual de quinze esculturas abstratas de Caro, a exposição que o lançou ao reconhecimento internacional. Para muitos espectadores, o espaço interno da galeria parecia estar em construção — formas metálicas aparentemente espalhadas aguardando uma camada externa. Em destaque entre as outras formas estava uma grande e luminosa montagem vermelha de aço e alumínio intitulada “Cedo numa Manhã” (1962). Formas, linhas e ângulos se encontravam para criar essa forma indefinível: claramente resultado de decisões intelectuais; escolhas, não acidentes. Cada perspectiva da peça oferece novas possibilidades. Esta não é uma base para outra estrutura, mas sim um suporte para uma jornada esotérica, cujo objetivo é simplesmente olhar e sonhar.

Balanço Amarelo (1965)

Quando Caro viajou pela primeira vez para a América em 1959, uma das conexões mais influentes que fez foi com o escultor David Smith, um expressionista abstrato que já trabalhava com metal soldado na época. Smith e Caro tornaram-se amigos e concorrentes. Caro criou a escultura “Balanço Amarelo” (1965) no ano em que Smith morreu em um acidente de carro. As propriedades multivalentes da peça permitem interpretações visuais aparentemente infinitas conforme o espectador se move ao seu redor. O espaço vazio é incorporado à composição e, às vezes, exerce autoridade perceptiva sobre os materiais sólidos. Seu uso vívido de cor expressa o desejo que Caro certa vez mencionou de que ele e seus contemporâneos pudessem ser vistos como herdeiros do espírito do Impressionismo — os guardiões da atitude experimental revolucionária.

Emma Dipper (1977)

Em 1977, Caro se viu em apuros ao perceber que, do estúdio remoto em Saskatchewan, Canadá, onde havia ido trabalhar temporariamente, não podia acessar seus materiais habituais. Assim, adaptou sua prática para incorporar o tipo de metal fino usado localmente para aplicações agrícolas. “Emma Dipper” (1977), mostrada acima, foi a primeira escultura que fez com esse material. Recebeu esse nome por Emma Lake, onde seu estúdio estava localizado. A peça foi descrita como humilde, pois desvaloriza a escultura em si. As linhas finas de metal ficam em segundo plano em relação às formas que criam a partir dos espaços vazios dentro e ao redor da obra. A escultura é como o epítome do enigma taoísta de que um recipiente é apenas uma forma vazia, mas é o vazio interior que encontramos útil.

Imagem em destaque: Sir Anthony Caro - Emma Dipper, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. Aço pintado. Coleção. Cortesia de Barford Sculptures Ltd

Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos

Por Phillip Barcio