Cor, Foco e Campo nas Pinturas de Kenneth Noland

Um observador casual poderia confundir Kenneth Noland como um pintor de desenhos. De fato, as pinturas mais memoráveis de Kenneth Noland expressam uma gama limitada de formas e padrões: círculos, chevrons, losangos, listras e xadrez. Mas, ao contrário dessa perspectiva, Noland não se interessava nem um pouco por coisas como forma e desenho. A razão pela qual ele retornava à mesma imagem repetidas vezes era porque acreditava que a repetição convidaria os espectadores a ignorar as formas e desenhos, e focar, em vez disso, em sua verdadeira área de interesse: o potencial infinito da cor e do campo.

Uma Jornada ao Estilo

Além de ser um excelente artista, Kenneth Noland é também um excelente exemplo do valor do G.I. Bill; um programa do governo dos EUA que permite que soldados dispensados frequentem a universidade sem pagar mensalidade. Em 1942, Noland ingressou na Força Aérea dos EUA aos 18 anos. Após retornar para casa na Carolina do Norte no fim da Segunda Guerra Mundial, ele usou seus privilégios do G.I. Bill para se matricular na escola de arte local. Essa escola era o famoso Black Mountain College, onde muitos professores influentes da Bauhaus se mudaram quando sua academia fechou em resposta à interferência nazista.

Enquanto estava no Black Mountain College, Noland estudou com Ilya Bolotowsky, que havia sido protegido de Piet Mondrian, o fundador do Neoplasticismo. Na tradição dos Neoplasticistas, Bolotowsky defendia padrões geométricos simples e cores puras. Noland também estudou com Josef Albers, um importante teórico e pintor modernista, e um apaixonado estudioso das relações de cor. Noland absorveu a orientação de seus mestres e desenvolveu suas ideias, cultivando um interesse vitalício nas capacidades expressivas de composições simples feitas de cores vivas.

Kenneth Noland - Globe, 1956. Acrílico sobre tela. 60 x 60 pol. Coleção de Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Abstração Pós-Pictórica

Junto com Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko e Jules Olitski, Kenneth Noland logo se associou ao movimento Campo de Cor, uma das tendências artísticas ligadas ao que se chama Abstração Pós-Pictórica. Criado em 1964 por Clement Greenberg para uma exposição que ele organizou no Museu de Arte do Condado de Los Angeles, o termo Abstração Pós-Pictórica refere-se a uma tendência na pintura que se afasta de obras pictóricas e empastadas, e se volta para superfícies planas e ausência de pinceladas visíveis.

Embora o termo Pintura de Campo de Cor sofra de uma definição um tanto vaga, Kenneth Noland foi o representante quintessencial da Abstração Pós-Pictórica. Suas pinturas rejeitavam o drama pessoal do Expressionismo Abstrato. Simplificavam os meios da pintura, rejeitando colagem, assemblagem, objetos encontrados e outras complexidades, confiando apenas nos ingredientes mais simples: tinta e tela. Suas cores eram vibrantes e puras, suas composições diretas e simples, e suas imagens tornaram-se uma só com seus suportes.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrílico sobre tela. 75 x 141 pol. © Kenneth Noland

Unindo Cor e Campo

Noland criou suas primeiras chamadas Pinturas de Campo de Cor por volta de 1956. Elas consistiam em anéis concêntricos de círculos coloridos. É tentador especular que essas pinturas de alguma forma se relacionavam com sua experiência na guerra, já que pareciam alvos. Mas em várias entrevistas, Noland disse que escolheu o motivo do círculo porque era uma não-imagem que poderia permitir que o olho fosse atraído para uma experiência da cor. Mas a cor não era a única coisa sobre a qual suas pinturas falavam. Elas também tratavam de confrontar a separação entre uma pintura e sua superfície.

Durante a maior parte da história da arte, as pinturas foram vistas como imagens pintadas sobre superfícies preparadas. O campo onde a pintura existe, ou seja, a tela, era pré-encolhida, pré-esticada e preparada. Ela aguardava a pintura, a sustentava e era separada da imagem. Na mente de pintores como Noland, essa separação era um prejuízo. Em vez de desfrutar de uma expressão livre e sem restrições, o artista era limitado ou direcionado por um suporte predeterminado, apesar de a imagem resultante ainda poder ser inimaginada. Noland queria unir a imagem com o suporte, combinando cor com campo em uma declaração estética unificada.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrílico sobre tela. 103,7 x 142,5 pol. © Kenneth Noland

O Objeto Expressivo Unificado

Noland teve sua revelação em 1953, durante uma visita ao estúdio da pintora Helen Frankenthaler. Em seu estúdio em Nova York, Frankenthaler havia criado o que chamou de técnica de imersão e mancha. Em vez de preparar uma tela pré-encolhida para uma imagem pintada, ela espalhava pedaços crus de tela no chão e despejava tinta diretamente sobre a superfície não preparada. A tinta se fundia com a superfície, espalhando-se de forma orgânica enquanto se unia ao tecido. A tinta e o suporte tornavam-se uma única entidade.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Resina acrílica sobre tela. 98 x 208 pol. © Kenneth Noland

Noland imediatamente adotou a técnica de imersão e mancha de Frankenthaler. Ela lhe deu a chance de criar um objeto unificado, no qual a cor estava embutida. Também permitiu eliminar a aparência das pinceladas, que eram vistas como a marca da personalidade do artista. Juntos, esses dois avanços permitiram que ele começasse a fazer pinturas que não focavam em representar algo específico, mas nos elementos essenciais que o preocupavam, como cor, superfície, textura, simetria e escala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrílico sobre tela. © Kenneth Noland

Recorte

Está bem documentado que Noland, assim como seu contemporâneo Morris Louis, adotou a técnica de imersão e mancha de Helen Frankenthaler. Mas há outra técnica que Kenneth Noland adotou mais tarde em sua carreira que também pode ter sido inspirada por Frankenthaler. Essa é a prática do recorte. Na fotografia, recortar uma imagem significa selecionar apenas a parte da exposição que você quer imprimir, revelando apenas o que gosta. Muitas fotos de Frankenthaler em seu estúdio mostram ela trabalhando em telas enormes e não esticadas. Ela recortava e enquadrava suas telas após pintá-las, o que lhe permitia desenvolver a imagem com o mínimo de restrições possível e depois escolher a área que achava que resultava no objeto mais expressivo. Essa foi uma prática que Kenneth Noland usou extensivamente, especialmente quando começou a fazer telas moldadas. Ele trabalhava em uma tela enorme no chão e criava composições de cor sem limitações espaciais. Isso lhe permitia explorar livremente as relações de cor sem se preocupar com o resultado final. Uma vez concluído o processo de criação e descoberta, ele podia então “recortar” a imagem final, selecionando a área que queria enquadrar entre infinitas opções possíveis, em um processo basicamente de edição. Noland referiu-se à beleza desse processo em uma entrevista de 1977 com Diane Waldman para a Art in America, dizendo: “Uma cor poderia estar na borda de uma imagem ou dentro do espaço de uma imagem: a questão de cima, baixo, esquerda, direita tornou-se totalmente flexível, assim como a questão de paralelo, vertical ou horizontal.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrílico sobre tela. © Kenneth Noland

As Profundezas da Simplicidade

Kenneth Noland olhou periodicamente para escultores na tentativa de explorar a natureza abstrata da cor. O escultor David Smith o inspirou particularmente, e Noland até colaborou ocasionalmente com o escultor Tony Caro, pintando suas esculturas depois que elas eram construídas. Ele fez isso puramente por curiosidade e no espírito de experimentação. Ele não conseguia expressar exatamente o que esperava encontrar, ou o que tais experimentos pretendiam significar. Ele disse: “Costumamos desconsiderar muito do significado que ocorre na vida que é não verbal. A cor pode transmitir uma gama total de humor e expressão, das experiências de alguém na vida, sem precisar dar qualidades descritivas ou literárias.”

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

Pessoas com inclinação para o elaborado podem achar fácil descartar uma carreira baseada inteiramente na simplicidade e curiosidade. As pinturas de Kenneth Noland de fato parecem não conter nenhum drama. E ainda assim são expressivas. São como o lamento de uma criança, o toque de um sino ou o grito de uma sirene. Reconhecemos imediatamente o que são. Sabemos que estão nos pedindo para reagir, embora possamos não entender seu propósito exato ou precisamente qual deve ser nossa reação. Mas talvez, como com sinos, gritos e sirenes, uma reação de todos não seja necessária.

Imagem em destaque: Kenneth Noland - April (detalhe), 1960. Acrílico sobre tela. 16 x 16 pol. © Kenneth Noland
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio