Cor, Foco e Campo nas Pinturas de Kenneth Noland

Um observador casual pode confundir Kenneth Noland como um pintor de designs. De fato, as pinturas mais memoráveis de Kenneth Noland expressam uma gama limitada de formas e padrões: círculos, chevrons, diamantes, listras e xadrez. Mas, ao contrário dessa perspectiva, Noland não estava nem um pouco interessado em coisas como forma e design. A razão pela qual ele retornava à mesma imagem repetidamente era porque acreditava que a repetição convidaria os espectadores a ignorar as formas e os designs, e focar em sua verdadeira área de interesse: o potencial infinito da cor e do campo.

Uma jornada ao estilo

Além de ser um excelente artista, Kenneth Noland também é um excelente exemplo do valor do G.I. Bill; um programa do governo dos EUA que permite que soldados dispensados frequentem a universidade sem pagar matrícula. Em 1942, Noland ingressou na Força Aérea dos EUA aos 18 anos. Após retornar para casa na Carolina do Norte ao final da Segunda Guerra Mundial, ele usou seus privilégios do G.I. Bill para se matricular em sua escola de arte local. Essa escola era a famosa Black Mountain College, onde muitos professores influentes da Bauhaus se mudaram quando sua academia foi fechada em resposta à interferência nazista.

Enquanto estava no Black Mountain College, Noland estudou sob a orientação de Ilya Bolotowsky, que havia sido um protegido de Piet Mondrian, o fundador do Neo-Plasticismo. Na tradição dos Neo-Plasticistas, Bolotowsky defendia padrões geométricos simples e cores puras. Noland também estudou sob Josef Albers, um teórico e pintor Modernista de destaque, e um estudante apaixonado das relações de cor. Noland absorveu a orientação de seus professores e construiu sobre suas ideias, desenvolvendo um interesse ao longo da vida nas capacidades expressivas de composições simples feitas de cores vivas.

Kenneth Noland - Globo, 1956. Acrílico sobre tela. 60 x 60 pol. Coleção de Cornelia Noland Reis. © Kenneth Noland

Abstração Pós-Pintural

Juntamente com Morris Louis, Helen Frankenthaler, Clyfford Still, Mark Rothko e Jules Olitski, Kenneth Noland logo se associou ao movimento Color Field, uma das tendências artísticas associadas ao que é chamado de Abstração Pós-Pintural. Coined in 1964 by Clement Greenberg for a show he curated at the Los Angeles County Museum of Art, the term Post-Painterly Abstraction refers to a trend in painting away from painterly, impasto works, and toward flat surfaces and a lack of visible brushstrokes.

Embora o termo Pintura de Campo de Cor sofra de uma definição um tanto quanto vaga, Kenneth Noland foi o representante quintessential da Abstração Pós-Pictórica. Suas pinturas rejeitaram o drama pessoal do Expressionismo Abstrato. Elas simplificaram os meios da pintura, rejeitando colagem, assemblagem, objetos encontrados e outras complexidades, confiando, em vez disso, nos ingredientes mais simples: tinta e tela. Suas cores eram vibrantes e puras, suas composições eram diretas e simples, e suas imagens tornaram-se uma com seus suportes.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. Acrílico sobre tela. 75 x 141 pol. © Kenneth Noland

Mesclando Cor Com Campo

Noland criou suas primeiras chamadas Pinturas de Campo de Cor por volta de 1956. Elas consistiam em anéis concêntricos de círculos coloridos. É tentador especular que essas pinturas de alguma forma estavam relacionadas à sua experiência na guerra, uma vez que se assemelhavam a alvos. Mas em várias entrevistas, Noland disse que escolheu o motivo do círculo porque era uma não-imagem que poderia permitir que o olho fosse atraído para uma experiência de cor. Mas a cor não era a única coisa sobre a qual suas pinturas falavam. Elas também tratavam de confrontar a separação entre uma pintura e sua superfície.

Durante a maior parte da história da arte, as pinturas foram vistas como imagens pintadas sobre superfícies preparadas. O campo no qual a pintura existe, ou seja, a tela, foi pré-dimensionado, pré-esticado e preparado. Ele aguardava a pintura, a apoiava e estava separado da imagem. Na mente de pintores como Noland, essa separação era um detrimento. Em vez de desfrutar de uma expressão livre e sem restrições, o artista era restringido ou direcionado por um suporte predeterminado, apesar do fato de que a imagem resultante ainda poderia ser não imaginada. Noland queria fundir a imagem com o suporte, combinando cor com campo em uma declaração estética unificada.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. Acrílico sobre tela. 103,7 x 142,5 pol. © Kenneth Noland

O Objeto Expressivo Unificado

Noland recebeu sua revelação em 1953, na forma de uma visita ao estúdio da pintora Helen Frankenthaler. Em seu estúdio em Nova York, Frankenthaler havia pioneirado o que ela chamava de técnica de soak-stain. Em vez de preparar uma tela pré-tratada em preparação para uma imagem pintada, ela espalhava pedaços de tela crua no chão e, em seguida, despejava tinta diretamente na superfície não tratada. A tinta se fundia com a superfície, espalhando-se de maneiras orgânicas à medida que se misturava com o tecido. A tinta e o suporte tornaram-se uma única entidade.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. Resina acrílica sobre tela. 98 x 208 pol. © Kenneth Noland

Noland imediatamente adotou a técnica de soak-stain de Frankenthaler. Isso lhe deu a chance de criar um objeto unificado, no qual a cor estava embutida. Também lhe permitiu eliminar a aparência de pinceladas, que eram vistas como a marca da personalidade do artista. Juntas, essas duas inovações permitiram que ele começasse a fazer pinturas que não se concentravam em representar algo específico, mas que tratavam dos elementos essenciais que o preocupavam, como cor, superfície, textura, simetria e escala.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. Acrílico sobre tela. © Kenneth Noland

Corte

Está bem documentado que Noland, assim como seu contemporâneo Morris Louis, adotou a técnica de soak-stain de Helen Frankenthaler. Mas há outra técnica que Kenneth Noland adotou mais tarde em sua carreira que também pode ter sido inspirada por Frankenthaler. Essa é a prática de recorte. Na fotografia, recortar uma imagem significa selecionar apenas a parte de uma exposição que você deseja imprimir, revelando apenas o que você gosta. Muitas fotos de Frankenthaler em seu estúdio mostram-na trabalhando em enormes telas não esticadas. Ela recortava e emoldurava suas telas após pintá-las, o que lhe permitia desenvolver a imagem com o menor número possível de restrições e, em seguida, selecionar a área que ela sentia resultar no objeto mais expressivo. Essa era uma prática que Kenneth Noland usou extensivamente, especialmente quando começou a fazer telas moldadas. Ele trabalhava em uma enorme tela no chão e criava composições de cores sem limitações espaciais. Isso lhe permitia explorar livremente as relações de cores sem se preocupar com o resultado final. Uma vez que o processo de criação e descoberta estava completo, ele poderia então "carimbar" a imagem final, selecionando a área que queria emoldurar entre infinitas opções possíveis, em um processo que era basicamente de edição. Noland se referiu à beleza desse processo em uma entrevista de 1977 com Diane Waldman para Art in America, dizendo: "Uma cor poderia estar na borda de uma imagem ou dentro do espaço de uma imagem: a questão de cima, baixo, esquerda, direita tornou-se totalmente flexível, assim como a questão de paralelo ou vertical ou horizontal."

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. Acrílico sobre tela. © Kenneth Noland

As Profundezas da Simplicidade

Kenneth Noland olhava periodicamente para escultores em um esforço para explorar a natureza abstrata da cor. O escultor David Smith o inspirou em particular, e Noland até colaborou ocasionalmente com o escultor Tony Caro, pintando suas esculturas depois que foram construídas. Ele fez isso puramente por curiosidade e no espírito de experimentação. Ele não conseguia expressar exatamente o que esperava encontrar ou o que tais experimentos deveriam significar. Ele disse: “Costumamos desconsiderar muito do significado que ocorre na vida que é não verbal. A cor pode transmitir uma gama total de humor e expressão, das experiências de vida de uma pessoa, sem precisar dar a ela qualidades descritivas ou literárias.”

Kenneth Noland - Radiação de Cádmio. © Kenneth Noland

Pessoas com uma inclinação para o elaborado podem achar fácil descartar uma carreira baseada inteiramente na simplicidade e na curiosidade. As pinturas de Kenneth Noland de fato parecem não conter drama algum. E ainda assim, são expressivas. Elas são como o lamento de uma criança, o toque de um sino ou o grito de uma sirene. Nós as reconhecemos imediatamente pelo que são. Sabemos que estão nos pedindo para reagir, embora possamos não entender seu propósito exato ou precisamente qual deve ser nossa reação. Mas talvez, assim como com sinos, gritos e sirenes, uma reação de todos não seja necessária.

Imagem em destaque: Kenneth Noland - Abril (detalhe), 1960. Acrílico sobre tela. 16 x 16 pol. © Kenneth Noland
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park