Artistas Abstratos Muito Pintorescos: Os Novos Alquimistas

Em seu estúdio em Heidelberg, Arvid Boecker (imagem em destaque) raspa meticulosamente sua tela com uma rodo de serigrafia. Camada por camada, ele constrói o que chama de "arqueologia da cor". Oito mil quilômetros de distância, em seu estúdio americano, Clay Johnson faz o mesmo com ferramentas de drywall, às vezes destruindo e reconstruindo a mesma seção trinta vezes. Enquanto isso, em Bruxelas, Janise Yntema aquece cera de abelha na temperatura exata com seu maçarico, adicionando outra camada translúcida a meses de trabalho acumulado.

Esses artistas nunca se encontraram, mas compartilham uma obsessão que está se tornando cada vez mais rara na arte contemporânea: a crença de que a própria tinta — seu peso, textura e presença física — detém um poder insubstituível.

Clay Johnson, After Midnight, 2020

A arte desaparecendo da paciência

Vivemos numa era de atalhos artísticos. Ferramentas digitais prometem resultados instantâneos. Novas técnicas surgem semanalmente, celebradas simplesmente por sua novidade. O mundo da arte, como tudo mais, foi seduzido pela velocidade e conveniência. Técnicas pictóricas tradicionais — lentas, trabalhosas, implacáveis — parecem quase anacrônicas.

Ainda assim, espalhados por estúdios da Alemanha à Califórnia, da Bélgica aos Países Baixos, alguns artistas continuam a mover tinta pelas telas com a dedicação de artesãos medievais. Eles representam o que poderíamos chamar de Arte Abstrata Muito Pictórica, uma prática definida não por estética compartilhada, mas por convicção comum: que a manipulação física da tinta cria algo que nenhum processo digital pode replicar.

Isto não é nostalgia. É resistência.

Janise Yntema, Murmur, 2015

O que torna a arte "muito pictórica"?

Assista Clay Johnson trabalhar, e você entende imediatamente. Ele não usa pincéis - muito suaves, muito previsíveis. Em vez disso, ele ataca sua tela com espátulas e ferramentas de construção, raspando, construindo, destruindo, reconstruindo. Sua tinta acrílica seca rápido o suficiente para que ele possa reagir a cada camada conforme ela surge, criando superfícies tão trabalhadas que se aproximam da escultura.

Ou observe a acumulação metódica de marcas de impasto de Martina Nehrling, cada pincelada cuidadosamente colocada agarrando-se à sua vizinha como elementos arquitetônicos. Suas cores puras e opacas criam padrões hipnóticos que parecem vibrar com energia física.

O que esses artistas compartilham não é estilo — suas obras finalizadas parecem notavelmente diferentes. O que compartilham é o processo: um compromisso obsessivo com a tinta como material, com a superfície como sujeito, com o tempo tornado visível através de camadas acumuladas.

Martina Nehrling, Apophis, 2024

Os Quatro Pilares da Arte Muito Pictórica

Através da observação cuidadosa de suas práticas, emergem quatro princípios fundamentais que definem a Arte Abstrata Muito Pictórica. Não são regras, mas obsessões, forças motrizes que moldam cada decisão no estúdio.

Honestidade Material

Esses artistas não tentam fazer a tinta parecer outra coisa. Yari Ostovany celebra a forma como o pigmento se dissolve, cobre, raspa, dissolve novamente. Danny Giesbers constrói camadas transparentes que criam campos luminosos, cada pincelada desempenhando um papel crucial em uma composição geral que levou meses para ser concluída. A tinta é permitida ser tinta — viscosa, opaca, teimosa, bela por si só.

Profundidade Temporal

Cada camada representa uma decisão, um momento no tempo, uma resposta ao que veio antes. Jeremy Annear cria superfícies semelhantes a relevos que se tornam sítios arqueológicos de tomada de decisão criativa. Você pode ler a história de cada pintura em sua topografia — onde o artista construiu, raspou, mudou de direção, encontrou resolução.

Engajamento Físico

Essas obras exigem corpos, não apenas mentes. Robert Niesse constrói e desgasta múltiplas seções de cor através de processos físicos complexos. Emily Berger trabalha com faixas horizontais gestuais, envolvendo todo o corpo em cada marca. As pinturas carregam vestígios do esforço humano que nenhum assistente poderia replicar, nenhum processo digital poderia simular.

Resistência à Reprodução

Talvez o mais importante, essas obras não podem ser plenamente apreciadas através de telas. Elas exigem presença física para compreensão completa. Na nossa era do Instagram, isso representa uma declaração artística ousada: algumas experiências não podem ser digitalizadas, alguns prazeres não podem ser compartilhados virtualmente.

Jeremy Annear, Linhas Cascata, 2013

A Coragem do Anacronismo

É preciso coragem para trabalhar dessa forma em 2025. Enquanto outros artistas exploram colaboração com IA, possibilidades de NFT e espetáculos de instalação, esses pintores se recolhem em seus estúdios para meses de trabalho solitário. Eles abraçam técnicas que não oferecem atalhos, gratificação instantânea ou potencial viral.

As pinturas de Arvid Boecker surgem através de uma construção paciente — primeiro esboçando a composição a lápis, depois evoluindo cores e camadas ao longo de períodos prolongados. Cada obra torna-se um mapa topográfico de atenção sustentada. Em uma cultura que valoriza o imediato, ele insiste no eventual.

Janise Yntema trabalha com cera encaústica, uma técnica literalmente antiga — usada pelos romanos, aperfeiçoada ao longo de milênios. Em seu estúdio, ela aplica cera de abelha natural e resina em painéis de madeira, usando o calor como seu solvente ativo. Por meio de acumulações lentas de camadas semi-transparentes, ela cria imagens onde a própria luz se torna presente composicionalmente. Seu processo exige o que ela chama de "uma dança alquímica entre o dirigido e o descontrolado" — o oposto da previsibilidade digital.

Danny Giesbers, Neon 1 (esquerda) e Dan Flavin (direita), 2020

Ecos Históricos, Urgência Contemporânea

Essa abordagem conecta-se a precedentes ilustres. As pinturas com rodo de Gerhard Richter demonstram o diálogo máximo entre controle e acaso por meio de superfícies intensamente trabalhadas. Frank Auerbach e Leon Kossoff transformaram o impasto em relevo escultórico. Anselm Kiefer incorporou areia, cinzas e memória em superfícies que carregam o peso da história.

Mas os artistas de Very Painterly Abstract de hoje enfrentam um contexto cultural diferente. Onde seus predecessores lutavam contra o domínio da fotografia e da mídia de massa, esses artistas trabalham contra o domínio da cultura digital em si. Eles não estão apenas fazendo pinturas; estão preservando uma forma de pensar, um modo de engajamento, um tipo de experiência.

Emily Berger, Old Flame (esquerda) e Red Dream (direita), 2022

A Persistência Internacional

O que é notável é como esse compromisso aparece em diferentes culturas e continentes. Danny Giesbers na Holanda desenvolve abordagens algorítmicas combinadas com marcas espontâneas. Sua série "Shifts" incorpora tintas fosforescentes que se transformam conforme as condições de iluminação — a superfície intensamente trabalhada torna-se participante de sua própria evolução contínua.

Emily Berger aplica camadas de tinta a óleo em painéis de madeira na Califórnia, criando dinâmicas de empurrar-puxar através de cores complementares que conferem às suas composições uma luminosidade sutil. Por meio de raspagem e esfregamento, ela conecta o gesto do Expressionismo Abstrato com a consciência material contemporânea.

Robert Niesse constrói camadas brilhantes alternando com marcas de assinatura poderosas, criando o que ele descreve como "contexto brutal e conclusão das composições de cor." Sua abordagem sistemática, porém intuitiva, reflete sua formação em design enquanto abraça a expressão abstrata espontânea.

Cada artista traz especificidade cultural para uma obsessão material compartilhada, enriquecendo o vocabulário enquanto mantém o compromisso essencial com superfícies intensamente trabalhadas e profundidade temporal.

Yari Ostovany, Aqui é onde nos encontramos (Para John Berger), 2015

Por que isso importa agora

Ao defender Very Painterly Abstract Art, estamos defendendo mais do que uma preferência estética. Estamos defendendo o valor do engajamento sustentado, de processos que não podem ser acelerados, de experiências que não podem ser digitalizadas.

Esses artistas nos lembram que, apesar dos avanços tecnológicos, algo insubstituível existe na manipulação direta e física dos materiais. Suas superfícies intensamente trabalhadas são monumentos à criatividade humana — registros de engajamento sustentado entre artista e meio que nenhum processo digital pode replicar.

O mercado reconhece essa insubstituibilidade. Alguns colecionadores buscam obras que exigem presença física para compreensão completa, pinturas que revelam novos detalhes a cada observação, superfícies que mudam com a luz e a perspectiva. Very Painterly Abstract artists oferecem exatamente essa experiência.

Robert Niesse, 2121-6, 2024

O Futuro da Resistência

À medida que a cultura digital se torna mais predominante, Very Painterly Abstract Art torna-se mais valiosa — não como curiosidade histórica, mas como necessidade contemporânea. Esses artistas não estão preservando o passado; estão garantindo que certos tipos de experiência humana continuem possíveis.

Eles representam os últimos alquimistas em uma era de tudo instantâneo, transformando matérias-primas em experiências insubstituíveis por meio do tempo, paciência e compromisso físico. Seus estúdios tornam-se santuários onde diferentes relações com o tempo e a criação permanecem possíveis.

Ao celebrar esses artistas, celebramos não apenas a conquista individual, mas a vitalidade contínua de práticas que recusam compromissos com a rapidez. Eles garantem que a pintura permaneça não apenas relevante, mas essencial, oferecendo algo cada vez mais raro: a oportunidade de encontrar vestígios físicos de pensamento e sentimento humano sustentados.

Suas superfícies espessas de tinta carregam mais do que pigmento: carregam a convicção de que algumas coisas não podem ser apressadas, digitalizadas ou simplificadas. Em nossa era acelerada, eles insistem na desaceleração. Em nosso mundo virtual, exigem presença física. Em nossa era de reprodução infinita, criam o insubstituível.

Esta é a coragem deles, seu dom e seu legado.

Por Francis Berthomier

Imagem em destaque: Arvid Boecker, da esquerda para a direita: #1625, 2023, #1606, 2023, #1694, 2024. Cortesia do artista.