Sério e Nem Tão Sério: Kyong Lee em 14 Perguntas

Na IdeelArt, acreditamos que todo artista tem uma história que vale a pena compartilhar, tanto dentro quanto fora do estúdio. Nesta série, fazemos 14 perguntas que misturam o sério com o não-tão-sério, convidando nossos artistas a revelar tanto sua visão criativa quanto suas peculiaridades do dia a dia.

De momentos que mudam a vida a rituais favoritos, de grandes sonhos a pequenas surpresas, descubra um lado mais pessoal de Kyong Lee.

As Perguntas Não-Tão-Sérias

8 perguntas para revelar peculiaridades inesperadas e o cotidiano de Kyong Lee

Se sua arte fosse uma canção ou uma peça musical, o que estaria tocando ao fundo?

Kind of Blue de Miles Davis,
The Köln Concert de Keith Jarrett,
Travels de Pat Metheny,
e Clair de Lune de Debussy.

Passo longas horas no estúdio, e essa música me ajuda a permanecer em um estado quieto e reflexivo onde cor e emoção podem se desenrolar lentamente.

Qual é algo que você é obcecado ou tem um forte interesse que não tem nada a ver com arte?

Tenho uma pequena horta, faço caminhadas diárias com meu cachorro, cuido de gatos de rua no meu quintal e adoro observar o céu.

Café, chá ou algo mais forte enquanto você trabalha? Ou apenas luz e silêncio?

Começo meu dia com uma única xícara de café, depois passo para o chá - frequentemente chá com leite ou chá de yuzu - conforme o dia avança. Sempre trabalho com música tocando, geralmente jazz. As melodias de artistas como Pat Metheny e Keith Jarrett frequentemente ajudam a manter o ritmo do meu trabalho fluido.
Meu estúdio está perfeitamente conectado à minha vida diária, compartilhada com um cachorro e cinco gatos. Um pequeno riacho corre perto, e uma grande zelkova e uma cerejeira ficam no quintal, cercados por campos de arroz. É um ambiente onde as estações do ano são profundamente sentidas, e encontro inspiração durante minhas caminhadas diárias aqui com meu cachorro.

Se você pudesse se encontrar com qualquer pessoa, viva ou morta, quem seria?

O falecido Klaus Stümpfel, meu professor na HBK Braunschweig. Ele me ensinou através de sua paixão e seriedade em relação à arte. Ele não era famoso, mas foi o professor mais importante da minha vida.

Se você não fosse artista, o que estaria fazendo?

Tenho sido atraído pela arte desde a quinta série, quando comecei a copiar as aquarelas de Mont Sainte-Victoire de Cézanne - foi aí que o sonho começou a se enraizar. Quando percebi mais tarde que a vida de um artista não era o ideal romântico que eu imaginava quando criança, fiquei ainda mais comprometido com meu trabalho. Nunca considerei seriamente outra profissão, mas se tivesse que imaginar uma, talvez eu fosse pesquisador em biologia ou história - assuntos que sempre amei.

Você pode compartilhar uma história curta ou um momento da sua vida que teve um forte impacto na sua vida como artista?

Uma pessoa que influenciou profundamente minha jornada artística é Christelle Thomas da IdeelArt. Desde nosso primeiro encontro online em 2017, ela tem apoiado meu trabalho com confiança e cuidado constantes.

Durante momentos em que me sinto emocionalmente para baixo ou criativamente bloqueado, suas mensagens breves, mas sinceras, frequentemente se tornam uma força silenciosa que me ajuda a voltar ao meu trabalho. No outono passado, ela me enviou uma foto do estúdio de Paul Cézanne em Aix-en-Provence. Sabendo da minha admiração por Cézanne, seu gesto atencioso me comoveu profundamente e me levou a perguntar mais uma vez: Qual é a cor dessa emoção que estou sentindo? Que palavras poderiam contê-la? E em que forma eu poderia dar forma a essas emoções enquanto elas se constroem, camada por camada?
Momentos como este - encontros inesperados e sutis tremores emocionais - renovam continuamente meu senso de curiosidade e se tornam a força motriz por trás do meu desejo de criar.

Como é um bom dia para você, fora do estúdio?

Um bom dia fora do estúdio é aquele em que sinto que meus sentidos ainda estão vivos. Rotinas diárias podem embotar a percepção, mas dentro dessa repetição, momentos inesperados de consciência frequentemente surgem.
Passear com meu cachorro em um dia claro e deixar meu olhar seguir as linhas distantes das montanhas, compartilhar café recém-preparado com meu marido, ou notar as primeiras azaleias florescendo no meio da montanha após um longo inverno – esses momentos comuns me trazem uma alegria tranquila.
A maioria dos dias é preenchida com repetição e uma certa sensação de estagnação. Mas quando, dentro dessa rotina, meus sentidos despertam suavemente novamente, isso é suficiente para que o dia pareça bom.

Há algo em você que provavelmente surpreenderia as pessoas que conhecem seu trabalho apenas por meio da sua arte?

Sou uma mulher coreana pequena. Pessoas que encontram meu trabalho antes de me conhecerem frequentemente admitem que imaginaram o artista como um homem grande pintando essas obras.

A Entrevista (Mais) Séria

6 perguntas para aprofundar as ideias, experiências e esperanças que moldam a jornada criativa de Lee.

Quais temas ou questões continuam voltando no seu trabalho?

Eu volto repetidamente à questão de como a emoção se torna linguagem, e como a linguagem, por sua vez, se torna cor. Sou atraída por estados antes das coisas serem claramente definidas – onde os sentimentos permanecem, mudam e resistem a nomes precisos. É nesse espaço liminar que encontro a expressão mais verdadeira da experiência humana.
Outro elemento recorrente no meu trabalho é a estrutura horizontal. As faixas horizontais que apareceram em minhas obras anteriores e na série ‘Emotional Color Change’ funcionam como uma estrutura silenciosa, permitindo que o tempo, a emoção e a percepção se desenrolem de forma uniforme, e não hierárquica. Por meio dessa estrutura, exploro a acumulação, a variação sutil e o equilíbrio entre ordem e acaso.

Você pode descrever um momento crucial na sua jornada como artista?

Parti para a Alemanha no verão de 1991 e voltei para a Coreia no verão de 2000. Durante meus estudos no exterior, criei obras abstratas em tinta a óleo com a água como motivo, e continuei na mesma linha após retornar para casa.
O ponto de virada aconteceu em 2001. Por meio de um programa de intercâmbio internacional na residência Ssamzie Space, visitei Nova York e obtive duas percepções cruciais. Primeiro, a estação das monções na Coreia estava em conflito direto com meu método de trabalho. A técnica de pintura a óleo que eu usava – que dependia da separação entre água e óleo – produzia rachaduras e cores turvas na alta umidade. Segundo, para realizar a estrutura horizontal que eu buscava, uma mudança fundamental nos materiais era necessária. Eu queria que cada cor ocupasse seu próprio território distinto na tela, não simplesmente se misturasse em gradações.
Colaborar com artistas de Nova York me deu coragem para experimentar. Comecei a explorar as tintas acrílicas de alta qualidade que estavam começando a ficar disponíveis na Coreia na época. O método de aplicar fita grossa horizontalmente e preencher os espaços com tinta – isso era impossível com óleos de secagem lenta, mas viável com acrílicos. Essa mudança técnica não foi apenas uma troca de materiais; foi o momento decisivo que abriu o caminho para concretizar a linguagem visual que eu vinha buscando o tempo todo.

Quais materiais ou processos são mais importantes na sua prática, e por quê?

Trabalhar com tinta acrílica em papel e tela é central para minha prática. Escolho acrílicos por sua resposta ao tempo - quão rápido secam, quão precisamente podem ser sobrepostos e quão vividamente mantêm a cor. Essas qualidades permitem que cada cor mantenha seu próprio território em vez de se dissolver em gradação contínua.
Costumo trabalhar com estruturas horizontais, usando fita para definir limites e criando ritmo através da repetição. Esse processo reflete como entendo a emoção - como algo que se acumula ao longo do tempo, estruturado, mas aberto a sutis mudanças.
Os materiais são importantes para mim porque permitem que a cor funcione não como mera representação, mas como um registro dos estados perceptivos e emocionais.

Como você quer que as pessoas se sintam ao experimentar seu trabalho?

Espero que os espectadores façam uma pausa, depois se sintam atraídos a se aproximar da obra. Não para decodificá-la, mas para sentir as emoções retornando silenciosamente dentro de si mesmos, sem pressão.
A cor nos alcança antes da linguagem - sentida antes de ser explicada. Se meu trabalho pode criar um momento em que a emoção chega antes das palavras, e os espectadores descobrem um nome para um sentimento que ainda não conheciam dentro das cores, isso já é suficiente para mim.

Você pode nos contar como é um dia típico de trabalho no seu estúdio?

Trabalho apenas enquanto há luz do dia. Embora use luzes com equilíbrio de luz do dia dentro de casa, evito trabalhar com cor à noite, pois dependo de sutis mudanças na luz natural. À noite, geralmente leio livros ou assisto filmes na Netflix em vez de desenhar. Um filme memorável que assisti recentemente foi Train Dreams, baseado no romance de Dennis Johnson, que achei muito impressionante.
Para permanecer fiel às emoções do dia, trabalho com várias telas ou folhas de papel dispostas ao mesmo tempo. Não sigo rituais fixos - o trabalho de cada dia responde às condições emocionais e situacionais daquele momento. Foco no trabalho no estúdio pela manhã, faço um brunch tardio por volta das 13h e continuo trabalhando durante a tarde até o jantar.

Quais sonhos ou esperanças você tem para sua jornada artística?

Minha série "Color as Adjective", que explora a relação entre emoção, cor e linguagem, já ultrapassou 420 obras. Algumas cores já foram esgotadas e não podem mais ser criadas, enquanto muitas outras aguardam descoberta e criação. Tenho exibido essas cores em pequenos agrupamentos sob o substantivo singular "beleza."
O que eu sonho agora é reunir toda a série em um único espaço. Seria uma totalidade de todas as emoções que descobri, experimentei e senti - um registro do próprio tempo. Espero que dentro desse espaço, os visitantes descubram suas próprias emoções através da linguagem da cor e experimentem o mundo de maneiras diferentes, ou talvez iguais, às minhas.

Por Francis Berthomier
Todas as imagens ©Kyong Lee

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