Louise Bourgeois Arte e a Redução da Forma

Para aqueles que veem a arte abstrata como um caminho para uma vida mais introspectiva e plena, Louise Bourgeois foi a personificação de um ideal. Mas não por suas honrarias ou prêmios, nem pela fama que alcançou: pelo contrário. É porque a arte de Louise Bourgeois fala ao que é relevante em nossas vidas cotidianas. Para parafrasear Gichin Funakoshi, o pai do caratê moderno, quando percebemos como algo se relaciona com nosso dia a dia, é aí que descobrimos sua essência. O mundo da arte é frequentemente definido por manifestos e dividido em movimentos, eras e estilos. Os artistas são frequentemente categorizados por gênero, raça, nacionalidade e formação educacional. Esquecemos facilmente que o verdadeiro valor da arte existe além dessas considerações mesquinhas. A obra de Louise Bourgeois se eleva confiantemente acima das classificações. Sua contribuição estética habita sinceramente um espaço que é ao mesmo tempo figurativo e simbólico. É grotesca e, ao mesmo tempo, sublime. Ela explorou todas as disciplinas imagináveis, nunca se prendendo a nenhuma tendência específica, e ainda assim inventou algumas tendências ao longo do caminho. Ao longo de uma carreira de sete décadas, ela alcançou o que poucos outros artistas abstratos conseguiram: fez uma obra pessoal que foi universal.

Forças Contraditórias

Louise Bourgeois nasceu em uma família de contradições. Seu pai era um provedor bem-sucedido, mas também a maior ameaça à segurança de Louise. Seus pais eram parceiros nos negócios e na vida, mas seu pai mantinha casos extraconjugais que ameaçavam a estabilidade de ambos. A babá e tutora que morava com Louise, supostamente uma protetora e guia, era na verdade a amante de seu pai. A mãe de Louise, tecelã na empresa têxtil da família, era uma força amorosa e protetora e sua maior defensora, mas também era fisicamente fraca e acabou morrendo jovem.

Durante toda a sua juventude, Louise testemunhou a brutalidade diária de um lar que era simultaneamente definido e ameaçado pelo afeto. Ela experimentou a dura verdade sobre a fragilidade do caráter humano. Sentiu ciúmes, raiva, medo, solidão e confusão. No entanto, nunca lhe faltaram abrigo, comida, roupas ou educação. Ela foi amada e estimada, pelo menos por um dos pais. Quando sua mãe morreu, Louise tinha 21 anos e estudava matemática na universidade. Em vez de continuar nesse caminho, que era o desejo de seu pai para ela, Louise foi inspirada pela morte da mãe a mudar drasticamente sua vida. Ela traçou um caminho que lhe permitisse confrontar e expressar seus sentimentos. Abandonou a matemática e se dedicou a viver a vida de artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, pátina de nitrato de prata. 33 × 41,9 × 19,7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 pol. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo e Psicoterapia

Durante seis anos após a morte de sua mãe, Louise estudou arte e adquiriu uma educação prática visitando os ateliês de artistas bem-sucedidos e ajudando em suas exposições. Aos 27 anos, ela abriu brevemente uma loja em um canto da loja de tecidos de seu pai, vendendo gravuras de arte. Ele permitiu que ela usasse o espaço, pois era um empreendimento comercial. Um dia, na loja, ela iniciou uma conversa com um colecionador. Então, como ela disse, “entre conversas sobre surrealismo e as últimas tendências,” eles se casaram.

Esse colecionador era Robert Goldwater, um respeitado historiador de arte americano. Robert e Louise mudaram-se para Nova York, onde Louise continuou a estudar arte e ampliou o alcance de sua produção estética. Influenciada pelo Surrealismo e pelo conceito de psicoterapia, Louise voltou-se para sua infância traumática como tema para sua arte. Ela desenvolveu uma linguagem simbólica de formas baseada em uma combinação de suas memórias e seus sonhos.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Escultura em bronze fundido e polido. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 pol. Edição 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

O Simbolismo de Louise Bourgeois

A linguagem visual simbólica de Louise consistia em imagens pessoais que para ela tinham significado óbvio. Mas para os espectadores, sua arte parecia selvagem, ousada, abstrata e até chocante. Uma das formas simbólicas mais comuns de Louise era a aranha. Desde a década de 1940, Louise incorporou aranhas e teias em desenhos e gravuras, e até produziu uma série de trabalhos abstratos inspirados em teias de crochê. Ela explicou que as aranhas eram uma referência simbólica à sua mãe. Sua mãe era tecelã, e assim como sua mãe, as aranhas são protetoras, pois comem mosquitos, que transmitem doenças.

Eventualmente, suas formas de aranha assumiram uma escala monumental, atingindo o ápice com uma escultura de 9 metros de altura intitulada Maman. Além das aranhas, a linguagem visual simbólica de Bourgeois incluía gaiolas, casas, genitálias masculinas e femininas, objetos domésticos como cadeiras e roupas, e ela também frequentemente retratava formas biomórficas que lembram partes do corpo. Uma de suas obras mais famosas é intitulada A Destruição do Pai, e apresenta uma seleção de objetos que se assemelham a órgãos e carne espalhados sobre uma mesa, cercados por orbes que evocam uma boca gigante aberta cheia de dentes.

Louise Bourgeois - Aranha, 1997. Aço, tapeçaria, madeira, vidro, tecido, borracha, prata, ouro e osso. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm; 177 × 262 × 204 pol. © 2018 The Easton Foundation

Isolados Juntos

O fio condutor em toda a obra de Bourgeois é que todas as suas imagens se relacionam com suas experiências privadas e pessoais. Um dos sentimentos mais poderosos que ela buscava compartilhar com seus espectadores era o jogo entre a união e o isolamento. Na década de 1940, ela criou uma série de formas escultóricas que faziam referência a várias pessoas que conhecia. Ela expôs as formas de maneiras que pareciam aleatórias. Mas, gradualmente, ao observar os arranjos, as formas individuais começam a expressar suas características e cada uma assume uma personalidade própria até que surge um senso de interação entre elas.

Sentimentos de união e isolamento também são parte integral de uma série de objetos escultóricos que Bourgeois fez na década de 1950, época em que ela estava focada no lado mais suave da vida, inspirada por seu marido e filhos. Objetos como Night Garden, Cumul I e Clamart Other retratam cada um uma reunião de formas. As reuniões parecem orgânicas, mas também parecem retratar entidades que se juntaram para proteção ou conforto.

Louise Bourgeois - Casal de Facas, 1949 (fundido em 1991). Bronze e aço inoxidável. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 pol. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Além dos Rótulos

Embora muitas das obras de Bourgeois pareçam figurativas, a essência de seu trabalho é que ele é simbólico e pessoal. Ela frequentemente retratava a nudez e focava na forma feminina, mas negava com firmeza qualquer declaração social ou política em sua obra. Ela era mulher, e a sexualidade foi uma força poderosa em sua criação; havia pouca ou nenhuma agenda social ou política pretendida nessas imagens. No entanto, devido às imagens poderosas em grande parte de seu trabalho, ela frequentemente foi identificada com a arte feminista e LGBTQ. Embora ela talvez não se opusesse a essa representação se estivesse viva hoje, ela também afirmou claramente que seu objetivo não era abordar nenhuma dessas questões em sua obra. Ela disse certa vez: “Meu trabalho trata de problemas que são pré-gênero. Por exemplo, o ciúme não é masculino nem feminino.”

Faz sentido considerar o trabalho de Bourgeois em um nível pessoal. Afinal, seu simbolismo é relativo às suas próprias experiências. No entanto, cada um de nós pode encontrar algo com que se identificar. Se estivermos abertos, podemos aceitá-lo a partir da perspectiva de uma sabedoria maior. Quando conseguimos ver um corpo e não pensar em termos de masculino ou feminino, nos tornamos menos isolados e mais universalmente humanos. Quando nos permitimos aprender tanto com o sofrimento quanto com o amor do nosso semelhante, o resultado final é um valor acrescentado tanto à experiência deles quanto à nossa.

Imagem em destaque: Louise Bourgeois - Arco da Histeria, 1993. Bronze, pátina polida. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm; 33 × 40 × 23 pol. Museu de Arte Moderna, Nova York. © 2018 The Easton Foundation
Todas as imagens usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio