Louise Bourgeois Arte e a Redução da Forma

Para aqueles que veem a arte abstrata como um caminho para uma vida mais introspectiva e plena, Louise Bourgeois era a personificação de um ideal. Mas não por causa de suas honrarias ou prêmios, nem da celebridade que alcançou: muito pelo contrário. Isso se deve ao fato de que a arte de Louise Bourgeois fala sobre o que é relevante em nosso cotidiano. Parafraseando Gichin Funakoshi, o pai do caratê moderno, quando percebemos como algo se relaciona com nossa vida cotidiana, é então que descobrimos sua essência. O mundo da arte é definido com frequência por manifestos e dividido em movimentos, eras e estilos. Os artistas são frequentemente categorizados por gênero, raça, nacionalidade e formação acadêmica. Esquecemos facilmente que o verdadeiro valor da arte existe além dessas considerações mesquinhas. A obra de arte de Louise Bourgeois se eleva com confiança acima das classificações. Sua contribuição estética habita sinceramente um espaço que é tanto figurativo quanto simbólico. É grotesca e, ainda assim, sublime. Ela explorou todas as disciplinas imagináveis, nunca se vinculando a nenhuma tendência específica e, ainda assim, inventou algumas tendências ao longo do caminho. Ao longo de uma carreira de sete décadas, alcançou o que poucos outros artistas abstratos conseguiram: criou uma obra pessoal que era universal.

Forças contraditórias

Louise Bourgeois nasceu em uma família de contradições. Seu pai era um provedor bem-sucedido, mas também era a maior ameaça à segurança de Louise. Seus pais eram parceiros nos negócios e na vida, mas seu pai se envolvia sem remorso em casos extraconjugais que ameaçavam a estabilidade de ambos. A babá e tutora residente de Louise, supostamente uma protetora e guia, era na verdade amante de seu pai. A mãe de Louise, tecelã da empresa têxtil da família, era uma presença amorosa e protetora e sua mais ferrenha defensora, mas também era fisicamente frágil e acabou morrendo jovem.

Durante toda a sua juventude, Louise testemunhou a brutalidade diária de um lar simultaneamente definido pelo afeto e ameaçado por ele. Ela vivenciou a verdade crua sobre a fragilidade do caráter humano. Sentiu ciúme, raiva, medo, solidão e confusão. Ainda assim, nunca lhe faltaram abrigo, comida, roupas ou educação. Era amada e querida, pelo menos por um dos pais. Quando sua mãe morreu, Louise tinha 21 anos e estudava matemática na universidade. Em vez de continuar nesse caminho, que era o desejo de seu pai para ela, Louise foi inspirada pela morte da mãe a mudar radicalmente sua vida. Ela abriu um caminho que lhe permitiria confrontar e expressar seus sentimentos. Abandonou a matemática e, em vez disso, dedicou-se a viver a vida de uma artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, pátina de nitrato de prata. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 pol.; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo e psicoterapia

Durante seis anos após a morte da mãe, Louise estudou arte e obteve uma formação prática visitando os ateliês de artistas bem-sucedidos e ajudando em suas exposições. Aos 27 anos, abriu brevemente uma loja em um canto da loja de tecidos de seu pai, onde vendia gravuras de arte. Ele permitiu que ela utilizasse o espaço, pois se tratava de um empreendimento comercial. Certo dia, na loja, ela iniciou uma conversa com um colecionador. Então, como ela mesma disse, “entre conversas sobre surrealismo e as últimas tendências,” eles se casaram.

Esse colecionador era Robert Goldwater, um respeitado historiador da arte americano. Robert e Louise se mudaram para Nova York, onde Louise continuou a estudar arte e ampliou o alcance de sua produção estética. Influenciada pelo surrealismo e pelo conceito de psicoterapia, Louise voltou-se para sua infância traumática como tema de sua arte. Desenvolveu uma linguagem simbólica de formas baseada na combinação de suas memórias e sonhos.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Escultura de bronze fundido e polido. 4 1/2 × 9 × 6 pol.; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Edição 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

O simbolismo de Louise Bourgeois

A linguagem visual simbólica de Louise consistia em imagens pessoais que, para ela, tinham um significado evidente. Mas, para os espectadores, sua arte parecia selvagem, ousada, abstrata e até chocante. Uma das formas simbólicas mais comuns de Louise era a aranha. Desde pelo menos a década de 1940, Louise incorporava aranhas e teias a desenhos e gravuras, e chegou a produzir uma série de trabalhos abstratos de crochê inspirados em teias. Ela explicou que as aranhas eram uma referência simbólica à sua mãe. Sua mãe era tecelã e, assim como ela, as aranhas são protetoras, pois comem mosquitos, que transmitem doenças. 

Com o tempo, suas formas de aranha assumiram uma escala monumental, atingindo o auge com uma escultura de 9 metros de altura intitulada Maman. Além das aranhas, a linguagem visual simbólica de Bourgeois incluía gaiolas, casas, genitais masculinos e femininos, objetos domésticos como cadeiras e roupas, e ela também costumava retratar formas biomórficas que lembram partes do corpo. Uma de suas obras mais famosas intitula-se The Destruction of the Father e apresenta uma seleção de objetos semelhantes a órgãos e carne espalhados sobre uma mesa, cercados por esferas que evocam uma enorme boca aberta cheia de dentes.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Aço, tapeçaria, madeira, vidro, tecido, borracha, prata, ouro e osso. 177 × 262 × 204 pol.; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Juntos e isolados

O fio condutor de toda a obra de Bourgeois é que todas as suas imagens se relacionam com suas experiências privadas e pessoais. Um dos sentimentos mais poderosos que ela buscava compartilhar com os espectadores era o da interação entre união e isolamento. Na década de 1940, criou uma série de formas escultóricas que faziam referência a várias pessoas que conhecia. Ela expunha as formas de maneiras que pareciam aleatórias. Mas, gradualmente, ao observar os arranjos, as formas individuais começam a expressar suas características e cada uma adquire uma personalidade própria, até que surge entre elas um senso de interação.

Sentimentos de união e isolamento também são parte integrante de uma série de objetos escultóricos que Bourgeois criou na década de 1950, época em que se concentrava no lado mais suave da vida, inspirada por seu marido e seus filhos. Objetos como Night Garden, Cumul I e Clamart Other retratam, cada um, um agrupamento de formas. Os agrupamentos parecem orgânicos, mas também parecem representar entidades que se amontoaram em busca de proteção ou conforto.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (fundido em 1991). Bronze e aço inoxidável. 67 1/2 × 12 × 12 pol.; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Além dos rótulos

Embora muitas obras de Bourgeois pareçam figurativas, a essência de seu trabalho é que ele é simbólico e pessoal. Ela frequentemente retratava a nudez e se concentrava na forma feminina, mas era assertiva ao negar quaisquer declarações sociais ou políticas em sua obra. Ela era mulher, e a sexualidade foi uma força poderosa em sua formação; havia pouca ou nenhuma agenda social ou política pretendida nessas imagens. Ainda assim, devido às imagens poderosas presentes em grande parte de sua obra, ela foi frequentemente associada à arte feminista e LGBTQ. Embora talvez não se opusesse a essa representação se estivesse viva hoje, também afirmou claramente que seu objetivo não era abordar nenhuma dessas questões em seu trabalho. Certa vez, disse: “Meu trabalho lida com problemas que são pré-gênero. Por exemplo, o ciúme não é masculino nem feminino.”

Faz sentido considerar a obra de Bourgeois em um nível pessoal. Afinal, todo o seu simbolismo está relacionado às próprias experiências. Ainda assim, cada um de nós pode encontrar nela algo com que se identificar. Se estivermos abertos, podemos aceitá-la sob a perspectiva de uma sabedoria maior. Quando conseguimos ver um corpo sem pensar em termos de masculino ou feminino, tornamo-nos menos isolados e mais universalmente humanos. Quando nos permitimos aprender tanto com o sofrimento quanto com o amor de nossos semelhantes, o resultado final é um valor acrescentado à experiência deles e à nossa.

Imagem em destaque: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Bronze, pátina polida. 33 × 40 × 23 pol.; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. The Museum of Modern Art, Nova York. © 2018 The Easton Foundation
Todas as imagens são usadas apenas para fins ilustrativos
Por Phillip Barcio 2016
Editado pela IdeelArt (2026)