Louise Bourgeois Arte e a Redução da Forma

Para aqueles que veem a arte abstrata como um caminho para uma vida mais introspectiva e gratificante, Louise Bourgeois foi a personificação de um ideal. Mas não por causa de suas honrarias ou prêmios, ou da celebridade que alcançou: bem pelo contrário. É porque a arte de Louise Bourgeois fala sobre o que é relevante para nossas vidas cotidianas. Parafraseando Gichin Funakoshi, o pai do karatê moderno, quando percebemos como algo se relaciona com nossas vidas diárias, é aí que descobrimos sua essência. O mundo da arte é muitas vezes definido por manifestos e dividido em movimentos, eras e estilos. Os artistas são frequentemente categorizados por gênero, raça, nacionalidade e pedigree educacional. Esquecemos facilmente que o verdadeiro valor da arte existe além de tais considerações mesquinhas. A obra de arte de Louise Bourgeois se eleva com confiança acima das classificações. Sua contribuição estética habita sinceramente um espaço que é tanto figurativo quanto simbólico. É grotesca e, no entanto, sublime. Ela explorou todas as disciplinas imagináveis, nunca se prendendo a nenhuma tendência particular, e ainda assim inventou algumas tendências ao longo do caminho. Ao longo de uma carreira de sete décadas, ela alcançou o que poucos outros artistas abstratos conseguiram: ela fez uma arte pessoal que era universal.

Forças Contraditórias

Louise Bourgeois nasceu em uma família de contradições. Seu pai era um provedor bem-sucedido, mas também era a maior ameaça à segurança de Louise. Seus pais eram parceiros nos negócios e na vida, no entanto, seu pai se envolvia sem remorso em casos extraconjugais que ameaçavam a estabilidade de ambos. A babá e tutora que morava com Louise, supostamente uma protetora e guia, era na verdade a amante de seu pai. A mãe de Louise, uma tecelã para o negócio têxtil da família, era uma força amorosa e protetora e sua defensora mais feroz, mas também era fisicamente fraca e acabou morrendo jovem.

Ao longo de toda a sua juventude, Louise testemunhou a brutalidade diária de um lar que era simultaneamente definido e ameaçado pelo afeto. Ela experimentou a crua verdade sobre a fragilidade do caráter humano. Sentiu ciúmes, raiva, medo, solidão e confusão. No entanto, nunca lhe faltou abrigo, comida, roupas ou educação. Ela foi amada e valorizada, pelo menos por um dos pais. Quando sua mãe morreu, Louise tinha 21 anos e estava estudando matemática na universidade. Em vez de continuar nesse caminho, que era o desejo de seu pai para ela, Louise se inspirou na morte de sua mãe para mudar dramaticamente sua vida. Ela forjou um caminho que lhe permitiria confrontar e expressar seus sentimentos. Abandonou a matemática e se dedicou a viver a vida de uma artista.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Bronze, pátina de nitrato de prata. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 pol; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Simbolismo e Psicoterapia

Por seis anos após a morte de sua mãe, Louise estudou arte e obteve uma educação prática visitando os estúdios de artistas bem-sucedidos e ajudando em suas exposições. Aos 27 anos, ela abriu brevemente uma loja em um canto da loja de tecidos de seu pai, vendendo gravuras de arte. Ele permitiu que ela utilizasse o espaço, já que era um empreendimento comercial. Um dia, na loja, ela iniciou uma conversa com um colecionador. Então, como ela mesma disse, “entre conversas sobre surrealismo e as últimas tendências,” eles se casaram.

Aquele colecionador era Robert Goldwater, um respeitado historiador de arte dos Estados Unidos. Robert e Louise se mudaram para Nova York, onde Louise continuou a estudar arte e expandiu o alcance de sua produção estética. Influenciada pelo Surrealismo e pelo conceito de psicoterapia, Louise voltou-se para sua infância traumática como tema para sua arte. Ela desenvolveu uma linguagem simbólica de formas baseada em uma combinação de suas memórias e seus sonhos.

Louise Bourgeois - Dar ou Receber (Como Você Se Sente Esta Manhã), 1990. Escultura em bronze fundido e polido. 4 1/2 × 9 × 6 pol; 11,4 × 22,9 × 15,2 cm. Edição 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

O Simbolismo de Louise Bourgeois

A linguagem visual simbólica de Louise consistia em imagens pessoais que para ela tinham um significado óbvio. Mas para os espectadores, sua arte parecia selvagem, ousada, abstrata e até chocante. Uma das formas simbólicas mais comuns de Louise era a aranha. Começando já na década de 1940, Louise incorporou aranhas e teias em desenhos e gravuras, e até produziu uma série de trabalhos em crochê abstratos inspirados em teias. Ela explicou que as aranhas eram uma referência simbólica à sua mãe. Sua mãe era tecelã, e assim como sua mãe, as aranhas são protetoras, pois comem mosquitos, que espalham doenças. 

Eventualmente, suas formas de aranha assumiram uma escala monumental, alcançando um ápice com uma escultura de 9 metros de altura intitulada Maman. Além de aranhas, a linguagem visual simbólica de Bourgeois incluía gaiolas, casas, genitália masculina e feminina, itens domésticos como cadeiras e roupas, e ela também frequentemente retratava formas biomórficas que se assemelham a partes do corpo. Uma de suas obras mais famosas é intitulada A Destruição do Pai, e apresenta uma seleção de objetos que se assemelham a órgãos e carne espalhados sobre uma mesa, cercados por orbes que evocam uma boca gigante aberta cheia de dentes.

Louise Bourgeois - Aranha, 1997. Aço, tapeçaria, madeira, vidro, tecido, borracha, prata, ouro e osso. 177 × 262 × 204 in; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolados juntos

O fio comum que percorre todo o trabalho de Bourgeois é que todas as suas imagens se relacionam com suas experiências pessoais e privadas. Um dos sentimentos mais poderosos que ela buscou compartilhar com seus espectadores foi o da interação entre a união e o isolamento. Na década de 1940, ela criou uma série de formas esculturais que faziam referência a várias pessoas que conhecia. Ela exibiu as formas de maneiras que parecem aleatórias. Mas gradualmente, ao olhar para os arranjos, as formas individuais começam a expressar suas características e cada uma assume uma personalidade individual até que um senso de interação evolua entre elas.

Sentimentos de união e isolamento também são parte integrante de uma série de objetos esculturais que Bourgeois fez na década de 1950, um período em que ela estava focada no lado mais suave da vida, inspirada por seu marido e filhos. Objetos como Night Garden, Cumul I e Clamart Other retratam cada um uma reunião de formas. As reuniões parecem orgânicas, mas também parecem retratar entidades que se agruparam para proteção ou conforto.

Louise Bourgeois - Casal de Facas, 1949 (fundido em 1991). Bronze e aço inoxidável. 67 1/2 × 12 × 12 in; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Além dos rótulos

Embora muitas das obras de Bourgeois pareçam figurativas, a essência de seu trabalho é que é simbólica e pessoal. Ela frequentemente retratou a nudez e focou na forma feminina, mas foi assertiva ao negar qualquer declaração social ou política em seu trabalho. Ela era mulher, e a sexualidade foi uma força poderosa em sua criação; havia pouca ou nenhuma agenda social ou política pretendida em tais imagens. No entanto, devido às poderosas imagens em grande parte de seu trabalho, ela foi frequentemente identificada com a arte feminista e LGBTQ. Embora ela possa não se opor a tal representação se estivesse viva hoje, ela também afirmou claramente que seu objetivo não era abordar nenhuma dessas questões em seu trabalho. Ela uma vez disse: "Meu trabalho lida com problemas que são pré-gênero. Por exemplo, o ciúme não é masculino ou feminino."

Faz sentido considerar o trabalho de Bourgeois em um nível pessoal. Afinal, seu simbolismo é relativo às suas próprias experiências. No entanto, cada um de nós pode encontrar algo nele com que se identificar. Se estivermos abertos, podemos aceitá-lo a partir da perspectiva de uma sabedoria maior. Quando conseguimos ver um corpo e não pensar em termos de masculino ou feminino, nos tornamos menos isolados e mais universalmente humanos. Quando nos permitimos aprender tanto com o sofrimento quanto com o amor de nosso semelhante, o resultado final é um valor agregado tanto à experiência deles quanto à nossa.

Imagem em Destaque: Louise Bourgeois - Arco da Histeria, 1993. Bronze, pátina polida. 33 × 40 × 23 pol; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. O Museu de Arte Moderna, Nova York. © 2018 The Easton Foundation
Todas as imagens são utilizadas apenas para fins ilustrativos.
Por Phillip Park