Capturando a Transitoriedade do Tempo - A Fotografia de Hiroshi Sugimoto

Exposições duplas em andamento até 22 de dezembro nas sedes de Paris e Londres da Marian Goodman Gallery exploram o trabalho de Hiroshi Sugimoto, renomado fotógrafo, escultor e artista conceitual, cujo trabalho aborda os mistérios da percepção humana. A exposição em Londres, intitulada Snow White, foca em um conjunto de fotografias que Sugimoto vem desenvolvendo desde 1978, chamado de sua série Teatro. Cada fotografia da série mostra um cinema com a tela no centro da imagem. A tela brilha intensamente, como uma luz prateada. Para tirar essas fotos, Sugimoto monta uma câmera de grande formato, abre o obturador e o mantém aberto durante todo o filme, capturando cada quadro do filme em um único quadro de filme fotográfico. As fotografias capturam a passagem do tempo e levantam questões sobre o que é real e o que é ficção. Enquanto isso, a exposição em Paris, intitulada Surface Tension, foca em dois outros conjuntos de trabalhos que Sugimoto vem desenvolvendo. O primeiro é sua série Paisagem Marinha, que ele vem desenvolvendo desde 1980. Para essa série, Sugimoto fotografa mares calmos ao redor do mundo. Cada foto é perfeitamente equilibrada — metade água e metade ar, com a linha do horizonte no meio da imagem. E em exibição junto às fotos da série Paisagem Marinha estão cinco obras escultóricas de uma série chamada Cinco Elementos. Essas esculturas consistem em cinco formas geométricas, simbolizando terra, água, fogo, ar e vazio. Cada escultura apresenta uma esfera, simbolizando a água, e cada esfera contém uma fotografia da série Paisagem Marinha. Ambas as exposições são imperdíveis. Mas, como em muitas exposições de Sugimoto, elas apenas arranham a superfície da vasta obra que este artista criou. Portanto, se você não conhece seu trabalho, aqui estão alguns outros lados do vasto universo de Hiroshi Sugimoto.

Ver Como uma Câmera

Hiroshi Sugimoto nasceu em Tóquio em 1948. Aprendeu a tirar fotos quando criança, mas não considerou a fotografia como carreira até muito mais tarde. Estudou economia na Universidade St. Paul no Japão. Mas, quatro anos após se formar, Sugimoto mudou-se para Los Angeles e matriculou-se em cursos de pós-graduação no Art Center College of Design. E naquele mesmo ano teve uma revelação sobre o potencial artístico da fotografia para revelar verdades ocultas sobre o mundo. Sua revelação ocorreu em uma viagem a Nova York, durante a qual visitou o Museu Americano de História Natural. O museu é conhecido por seus dioramas, nos quais modelos em tamanho real de pessoas e animais ao longo da história são apresentados em meio a artefatos de sua época. No fundo de cada diorama há uma fotografia ou uma pintura da natureza, adicionando um elemento bidimensional à cena que é obviamente falso e geralmente um tanto piegas.

Enquanto observava um desses dioramas, Sugimoto fechou um olho aleatoriamente. Isso o fez perceber de repente que, ao olhar para algo com apenas um olho, ele achatava toda a cena, fazendo-a parecer exatamente como se fosse fotografada com uma lente de câmera. Olhar para o diorama dessa forma tornava tudo mais realista. Então Sugimoto voltou ao museu com sua câmera e tirou fotografias em preto e branco dos dioramas. Surpreendentemente, as fotografias achatavam todos os elementos dos dioramas, não apenas o fundo, e as cenas adquiriram uma estranha sensação de realidade. Sua série Diorama tornou-se a primeira de muitos conjuntos de trabalhos que ele passou a desenvolver, envolvendo re-fotografar algo, ou fotografar algo que é falso, como figuras em museus de cera. Quando perguntadoem uma entrevista de 2014 com o diretor do Museu Getty, Timothy Potts sobre sua fascinação por esse processo, Sugimoto disse: “A fotografia é uma cópia da realidade, mas quando é fotografada duas vezes, ela volta à realidade novamente. Essa é a minha teoria.”

Hiroshi Sugimoto - Cachoeira Kegon, 1976, impressão em gelatina de prata, Neg. #00.001, Imagem: 119,4 x 149,2 cm, Moldura: 154,2 x 182,2 cm, Edição de 5, (20200)

O Que Você Está Olhando

Sugimoto seguiu sua série Diorama com suas primeiras fotografias da série Teatro. Assim como a série Diorama, a série Teatro questiona se o que é visível na fotografia é real. Se assistimos a um filme de Hollywood, sabemos que não estamos vendo algo que realmente aconteceu. É roteirizado, então é falso, certo? E ainda assim essas fotografias que Sugimoto tira, que contêm a informação visual de filmes inteiros, capturam algo que realmente aconteceu — a exibição do filme. As fotografias capturam a realidade, um fato reforçado nas versões Drive-In Theater da série, que capturam rastros de luz no céu atrás da tela enquanto aviões passam durante o filme. Então, o que estamos vendo é real ou falso? A luz prateada brilhante no centro da imagem não é apenas luz — é uma história. E mesmo que tenha sido roteirizada, ela aconteceu. Como Sugimoto aponta, de alguma forma fotografá-la duas vezes a torna real novamente.

Após iniciar sua série Teatro, Sugimoto embarcou na série Paisagem Marinha. As imagens dessa série são, formalmente falando, geométricas e abstratas. Quando vistas em grupos, as imagens também assumem uma presença tipológica na tradição de Bernd e Hilla Becher. Embora não sejam fotos de fotos, como nas séries anteriores Diorama e Teatro, elas desempenham uma função semelhante. Sugimoto nos mostra imagens de coisas diferentes que parecem iguais. Ele as mostra como aparecem em diferentes momentos do dia e em diferentes condições atmosféricas. Elas são obviamente diferentes. Mas também são obviamente iguais. O ar e a água são apenas parte do mundo físico. Mas também assumem uma qualidade abstrata. O mar torna-se um símbolo. E podemos novamente perguntar o que estamos vendo. São imagens do mundo real ou se dissolveram em alegoria ou metáfora?

Hiroshi Sugimoto - Oceano Pacífico Norte, Ohkurosaki, 2013, impressão em gelatina de prata, Neg. #582, Imagem: 119,4 x 149,2 cm, Moldura: 154,2 x 182,2 cm, Edição de 5, (20192)

Imagens do Mundo

Sugimoto chama esse fenômeno do real se dissolvendo no irreal, e vice-versa, em seu trabalho, de “um método de teste para investigar a percepção humana.” E ele continuou esse método de teste de várias maneiras fascinantes ao longo das décadas. Na década de 1990, ele voltou ao Japão e, após enfrentar sete anos de burocracia, foi autorizado a fotografar uma instalação antiga dentro de um templo budista chamada “Bodhisattva Avalokitesvara Misericordioso de Mil Braços.” A instalação apresenta uma representação escultórica múltipla de Buda como manifestação física da vida após a morte. Sugimoto fotografou a instalação em diferentes momentos do dia, mostrando sombras e luz iluminando diferentes elementos em diferentes horários. A série resultante, Mar de Buda, é uma investigação abstrata de forma e tempo.

Em sua série Arquitetura, também iniciada na década de 1990, Sugimoto tira imagens completamente desfocadas de formas arquitetônicas icônicas, como as torres do World Trade Center e a Torre Eiffel. Enquanto isso, para sua série “Louvor à Sombra”, ele acende uma vela todas as noites junto a uma janela aberta e faz uma única exposição dela queimando, mantendo o obturador da câmera aberto o tempo todo até que a vela se apague ou se apague. Em sua série Pinheiros, ele tirou imagens desfocadas de pinheiros perfeitos no Palácio Imperial Japonês e depois os colou juntos em composições surreais comparáveis às telas de pinheiros Shorinzu do século XVI. Todas essas séries mostram o mundo real de forma borrada e onírica. Todas elas apresentam exposições longas. Elas nos levam de volta no tempo e nos permitem conectar com visões antigas e universais de arquitetura, luz e natureza. Elas nos ajudam a ver essas coisas tanto como memórias quanto como ideias.

Hiroshi Sugimoto - Sala 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, impressão em gelatina de prata, Neg. #279, Imagem: 119,4 x 149,2 cm, Moldura: 154,2 x 182,2 cm, Edição de 5, (20218)

O Mundo em Preto e Branco

Além de cada um desses conjuntos de trabalhos já mencionados, Sugimoto também tem várias outras séries em que está trabalhando, cada uma delas abrangendo anos, senão décadas. Além de seu trabalho fotográfico, ele também cria esculturas, realiza performances e cria trabalhos específicos para locais. Todas essas coisas que ele faz parecem diferentes e possivelmente desconectadas, mas em seu cerne todas podem ser entendidas com a mesma lógica que Sugimoto usa ao responder à pergunta de por que ele escolhe tão frequentemente fotografar em preto e branco. Sua resposta a essa pergunta é: “A credibilidade é melhor em preto e branco do que em cores.”

Fotografias coloridas nunca capturam nossa verdadeira experiência da cor. Então, ao escolher preto e branco, ele cria imagens mais abstratas e mais universais. Essa é uma variação do conceito japonês de honka-dori, ou imitar o trabalho de outro artista. Sugimoto está representando o que já existe em várias formas, mas uma cópia perfeita não é possível, e também não é preferível. Então ele nos mostra a realidade em forma abstrata. Ele está referenciando nossas memórias e nosso passado comum. Ele está, como ele mesmo diz, “pegando a melodia” como uma forma de evocar algo semelhante e universal que, esperamos, todos possam entender.

Hiroshi Sugimoto - Mar da Tasmânia, Rocky Cape, 2016, impressão em gelatina de prata, Neg. #584, Imagem: 119,4 x 149,2 cm, Moldura: 154,2 x 182,2 cm, Edição de 5, (20193)

Imagem em destaque: Hiroshi Sugimoto - Teatro Paramount, Newark, 2015, impressão em gelatina de prata, Neg. #36.002, Imagem: 119,4 x 149,2 cm, Moldura: 154,2 x 182,2 cm, Edição de 5, (20220)

Todas as imagens © Hiroshi Sugimoto, Cortesia do artista e Marian Goodman Gallery

Por Phillip Barcio