Интервью с Ellen Priest
Ellen Priest оставила свой след в мире искусства своими яркими абстрактными коллажными картинами более тридцати лет. Под влиянием Сезанна с начала своей карьеры и джаза с 1990-х годов, она стремилась запечатлеть движения и сложные ритмы различных джазовых композиций в живописных цветных мазках. IdeelArt имел возможность обсудить её творческий процесс, получив при этом представление о её влияниях и страсти к музыке.
Вы упоминаете, что на вас сильно повлияла выставка под названием «Сезанн: поздние работы», посвящённая его поздним акварелям в Музее современного искусства. Продолжает ли его стиль влиять и проникать в ваши работы?
О, безусловно. Забавно; это одно из тех прозрений, которые приходят в молодости. Это запомнилось мне надолго. И я сразу поняла, что это нечто важное. В Филадельфийском музее искусств есть поздний пейзаж Сезанна, к которому я обращаюсь, когда мне нужно очистить голову, найти вдохновение или разобраться в чём-то. Я стою перед этим пейзажем, пока не пойму. Его поздние работы постоянно влияют на меня уже более тридцати лет. Думаю, дело в том, что он нашёл способ обращаться с цветами, и многие не понимают, что выбор расположения определённого цвета — это по сути рисование. Сезанн понимал, как объекты в пространстве словно парят. Его мышление совпадает с моим. Формы появляются, затем растворяются, потом снова появляются и исчезают, создавая иллюзию дыхания картины. Для меня он так же волшебен, как и в первый раз, когда я увидела его работу.
Честно говоря, я чувствую себя счастливой. Думаю, это говорит о силе и гениальности его творчества. Для меня он был таким же переломным моментом, как Джотто с перспективой и тем, как он изображал фигуры в пространстве. Мне кажется, если бы я могла заглянуть на 500 лет вперёд, люди всё равно говорили бы о Сезанне как о переломном моменте. Абстрактный экспрессионизм, который меня с ранних лет увлекал, для меня так же силён и сейчас. Я счастлива, что поняла это и осознала его силу визуально рано.
Расскажите о вашем творческом процессе. Какие материалы и техники вы используете?
Я работаю на бумаге; все мои работы выполнены на бумаге. Краски, которые я использую, — это флаш и масло. Флаш — это виниловая водорастворимая краска, которая берёт пигменты так же, как акварель и гуашь. Она не делает цвета слегка коричневыми, как акрил. Она очень хорошо сочетается с маслом. По цвету она немного отличается, но они действительно хорошо работают вместе в пространстве. Я много использую карандаш. Бумага варьируется от очень плотной французской акварельной бумаги до двух видов кальки Canson. Одна очень плотная, называется Opalux, другая тоньше, обе архивные. За последние пятнадцать лет я много работала с парой из Бостона, Джимом и Джоан Райт, которые оба музейные реставраторы, и они помогали мне в этом процессе. Джим научил меня использовать масляные краски на таком виде бумаги без проблем. Я занимаюсь этим уже долго, и работы хорошо сохраняются; проблем не возникало. Я также использую гель MSA в качестве клея, не ламинирую слои — приклеиваю точечно — и прижимаю их, чтобы гель застыл. Сушка занимает около недели.
Вы упоминаете, что работаете над одной серией от одного до пяти лет. Как вы сохраняете мотивацию и не выгораете?
Мой процесс довольно долгий, но разнообразный. Он начинается с кистевых этюдов, которые являются моим первым знакомством со звуками и движением музыки. Эти этюды длятся около тридцати секунд, и процесс постепенно развивается до создания толстых многослойных работ. У меня нет проблем, потому что процесс выработался за многие годы и действительно подходит мне. Это язык, в котором я чувствую себя очень уверенно, хотя это всегда вызов. Думаю, в какой-то момент становишься профессионалом, и неважно, как ты себя чувствуешь в конкретный день — пора работать. Я плаваю, пью смузи и приступаю к работе. Я научилась, что если голова не в работе, есть разные способы войти в процесс. Обычно я знаю накануне, что мне нужно делать на следующий день. Когда я пытаюсь понять цветовые отношения, я просто сижу и смотрю, меняя цветовые образцы, чтобы увидеть, как они ведут себя в пространстве. Я также включаю музыку. Иногда процесс сам меня ведёт, когда ум и сердце не совсем там, но мне нужно туда попасть. Эта дисциплина приходит с годами.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2: этюд переднего плана, 2013. Гуашь на бумаге. 106,68 x 106,68 см.
Как вы выбираете содержание и тему своих работ?
Тема и содержание — это очень разные вещи. Содержание — это конечный результат или чувства, которые вы испытываете, глядя на работу. Тема — это джаз. Очень немногие абстрактные художники имеют осознанную тему. Я очень рано поняла, что не могу сохранять свежесть образов без обращения к внешней теме. И я боролась с этим около десяти лет. Всё изменилось, когда я слушала джаз. Я ехала в Вермонт кататься на лыжах и слушала местную радиостанцию NPR, где звучала композиция Мишеля Камило, доминиканского джазового пианиста. Вдруг я поняла, что пространства, которые я вижу в голове, присутствуют и в его музыке.
Это было в 1990 году, и с тех пор я работаю с джазом. Это осознанная тема. Мне потребовалось несколько лет, чтобы разработать способ создания образов на её основе. Де Кунинг никогда не считал себя абстрактным художником; он постоянно обращался к фигурам и пейзажам, иногда к натюрмортам. Джоан Митчелл, одна из моих икон, имела долгую карьеру абстрактного экспрессиониста, что очень сложно. Она черпала вдохновение из пейзажей и поэзии. У неё было много друзей-поэтов, один из которых — Джон Эшбери, и она «иллюстрировала» его стихи. Де Кунинг и Митчелл — одни из немногих, кто сохранял стиль жестового экспрессионизма на протяжении всей карьеры.
Как вы ориентируетесь в мире искусства?
Не очень хорошо. Я из тех, кто умеет быть деловым человеком и очень профессиональна, но не считаю себя успешной в этом плане. Это область, над которой я всё ещё усердно работаю. Самое большое препятствие для меня — это то, что, насколько я понимаю, люди, которые много смотрят искусство, всегда говорят, что мои работы нужно видеть лично. Более того, работы уникальны. Никто другой не смотрит и не использует материалы так, как я. Уникальность — это достоинство, но и проблема, потому что некоторым людям трудно найти связь с тем, что они видят, так как они никогда не видели ничего подобного.
Вы упоминаете, что ваши работы сильно влияют ритмы и интеллектуальная строгость джазовой музыки. Что вы сейчас слушаете, что вдохновляет вашу работу?
На самом деле я слушаю музыку за год или два до начала нового проекта. Мои проекты могут длиться от года до пяти лет, так что если я собираюсь работать с определённой композицией столько времени, мне она должна нравиться! Иначе я бы оказалась в большой беде, если бы она меня не зацепила. Я только что заканчиваю серию Jazz Cubano, и занялась ею, потому что люблю афро-кубинский джаз. Ритмы там настолько сложные, что я поняла: единственный способ их понять — разбить на самые простые части — по одному ударному звуку — и затем собирать обратно. Это была очень увлекательная серия. Я точно завершу её к концу осени, а затем начну работу над композицией длиной с CD под названием The River, написанной чикагским пианистом и композитором Райаном Коханом.
Это прекрасное произведение, состоящее из восьми тщательно написанных частей. Между ними есть импровизационные фортепианные секции — символ реки. Он получил грант на поездку в Африку, а Chamber Music America, которая также финансировала венесуэльский цикл Эдварда Саймона, над которым я работала пять лет, поддержала эту композицию. Райан взял африканские ритмы и всё, что на него повлияло, и создал нечто по-настоящему своё. Это прекрасно переработанное и новаторское музыкальное произведение. Оно очень умное и обладает большим эмоциональным диапазоном. Я часто привлекаюсь к вещам и эмоционально, и интеллектуально. Я с нетерпением жду The River. Начну её поздней осенью или точно до конца года.
Ellen Priest - Джаз: Венесуэльский цикл Эдварда Саймона 16, 2008. Бумага, масло, флаш, карандаш, гель MSA. 106,68 x 106,68 см.
Какими своими произведениями вы особенно гордитесь и почему?
Думаю, я больше всего довольна двумя группами работ: это последние несколько работ из серии Венесуэльский цикл, потому что мне удалось достичь уровня сложности и простоты одновременно, и я была очень довольна. Мне наконец удалось передать скорость музыки, не потеряв её. Мне также очень понравились рисунки из серии Jazz Cubano. Они очень лаконичны, но при этом выразительны. Вот эти две группы я считаю своими главными достижениями. Что касается конкретной работы, то я не могу выделить какую-то одну.
Как вы понимаете, что работа закончена?
Думаю, наступает момент, когда я смотрю на работу и на каждом этапе должна принять решение. Когда я больше ничего не хочу добавить или когда любое добавление будет излишним, тогда я понимаю, что работа завершена. Обычно я жду и смотрю на неё некоторое время. Иногда сразу знаю, что делать, а иногда требуется время. Если есть участок, который не развивается, я пытаюсь найти способ его оживить. Часто это значит, что нужно подкорректировать другую часть картины. Это может быть не сам проблемный участок, а какой-то другой элемент, который нужно изменить. Обычно я даю себе время подумать. Иногда думаю, что работа готова, но всё равно жду. Эти решения нужно принимать до склеивания. Когда я обрезаю края, иногда бывают сюрпризы — и не всегда приятные. Иногда после обрезки работа теряет равновесие, и я могу потерять её, потому что она уже не передаёт тот эмоциональный диапазон, что раньше.
Что значит для вашего процесса иметь физическое пространство для творчества и как вы организуете своё пространство?
У меня старый дом, трёхэтажный, построенный в 1890-х, то, что мы называем «близнецом». У меня три этажа с северным светом, и я на углу. Так что света очень много. Первый этаж почти полностью занимает моя мастерская, кроме кухни. На втором этаже у меня офис и жилая зона, а на третьем — комната для склеивания и хранения. Так что у меня не просто достаточно, а очень хорошее пространство, и это очень важно для моей работы. Постоянное просторное помещение — настоящее благословение. Возможность устроиться и работать в удобных условиях — это потрясающе. Иногда мне кажется, что места могло бы быть больше, но у меня достаточно!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Артуро и Элио, размышляя вслух, 2016. Бумага, масло, флаш, карандаш, гель MSA. 81,23 x 81,23 см.
Что вас привлекает, когда вы видите абстрактную работу?
Для меня абстракция (когда она хороша) — это ясность мышления, которая меня очень привлекает. Это может быть цвет, чёрно-белое, может быть много образов или одна форма, плавающая в пространстве. Но есть качество мышления, которое чёткое. Один из моих любимых современных художников — скульптор Мартин Пюрье. Однажды я пришла на ретроспективу его работ в MoMA, и это захватило меня духом. Та же выставка была в Вашингтоне, и я перестроила весь свой график, чтобы увидеть её снова. Он гениален; его работы обладают такой чистотой формы и мысли. В его работах есть отсылки к транспортным средствам, животным, лодкам. Абстракция может отсылать к реальному миру и при этом оставаться абстрактной. Наши глаза используют одни и те же подсказки, чтобы ориентироваться в мире и смотреть на абстрактное искусство. Мы осваиваем это с раннего детства. Мы используем те же инструменты для восприятия абстракции, но не осознаём этого. В абстракции есть что-то, что строится на нашем понимании мира.
Участвуете ли вы в каких-либо предстоящих выставках или мероприятиях? Где и когда?
Я веду переговоры с церковью Святого Петра в Манхэттене, где я выставлялась прошлой весной — надеюсь показать там новый проект, посвящённый Реке. Кроме того, возможно, этой осенью у меня будет местная выставка здесь, в Уилмингтоне, Делавэр, по серии Jazz Cubano.
Главное изображение: Ellen Priest - Джаз: Размышляя вслух, тянущиеся к песне 31, 2011. Бумага, масло, флаш, карандаш, гель MSA. 81,3 x 119,4 см.
