En intervju med Ellen Priest

Ellen Priest har satt sin prägel på konstvärlden med sina livfulla abstrakta kollagemålningar i över trettio år. Påverkad av Cezanne från början av sin karriär och av jazz sedan 1990-talet, har hon försökt fånga rörelserna och de intrikata rytmerna i olika jazzkompositioner i starkt färgade penseldrag. IdeelArt fick möjlighet att diskutera hennes arbetsprocess och samtidigt få insikt i hennes influenser och passion för musik.

Du nämner att du påverkades starkt av en utställning med titeln ”Cezanne: De sena verken” som visade hans sena akvareller på Museum of Modern Art. Påverkar hans stil fortfarande och genomsyrar dina verk?

Åh absolut. Det är lustigt; det är en av de insikter man får när man är ung. Den här fastnade för mig. Och jag kunde redan då känna att det var något stort. På Philadelphia Museum of Art finns ett sent Cezanne-landskap som jag går och tittar på när jag behöver rensa huvudet, få inspiration eller lösa något. Jag står framför det landskapet tills jag förstår det. Hans sena verk har varit en ständig påverkan i över trettio år. Jag tror att det handlar om att han fann ett sätt att hantera färger, och vad många inte inser är att valet av placering av en viss färg i grunden är teckning. Cezanne hade en förmåga att förstå hur föremål i rum svävar. Hans sätt att tänka verkar stämma överens med mitt eget. Former framträder, sedan löses de upp. Sedan dyker de upp igen och bleknar bort, vilket ger illusionen av att målningen andas. Han är fortfarande lika magisk för mig som när jag först såg verket.

Jag känner mig lyckligt lottad, ärligt talat. Jag tror det vittnar om styrkan och briljansen i hans verk. För mig var han lika banbrytande som Giotto med perspektiv och hur han hanterade figurer i rummet. Min känsla är att om jag kunde hoppa fram 500 år i tiden skulle folk fortfarande tala om Cezanne som en vattendelare. Den abstrakta expressionism som fascinerade mig tidigt är lika stark för mig nu. Jag känner mig lyckligt lottad att jag träffade rätt och förstod det tidigt. Jag insåg helt enkelt vad som var kraftfullt för mig visuellt.

Kan du berätta om din arbetsprocess? Vilka material och tekniker använder du?

Jag använder papper; allt mitt arbete är på papper. Färgerna jag använder är flashe och olja. Flashe, som är en vinylbaserad vattenlöslig färg, tar upp pigment på samma sätt som akvarell och gouache. Den gör inte färgerna något brunaktiga som akryl gör. Den är mycket kompatibel med oljefärgerna. Färgmässigt är den lite annorlunda men de fungerar verkligen tillsammans i rummet. Jag använder mycket blyerts också. Pappren varierar från mycket tungt franskt akvarellpapper till två tjocklekar av Canson kalkerpapper. Det ena är mycket tungt och kallas Opalux, det andra är tunnare och båda är arkivbeständiga. Under de senaste femton åren har jag arbetat mycket med ett par i Boston, Jim och Joan Wright, som båda är museikonservatorer, och de har coachat mig i denna process. Jim lärde mig hur man använder oljefärg på den här typen av papper utan problem. Jag har hållit på länge nu och arbetena verkar hålla sig bra; jag har inte haft några svårigheter med det. Jag använder också MSA-gel som lim, och jag laminerar inte lagren – jag limmar dem punktvis – och tynger ner dem för att få gelen att härda. Det tar ungefär en vecka att torka.

Du nämner att du lägger mellan ett och fem år på en serie. Hur håller du motivationen uppe och undviker att bränna ut dig?

Min process är ganska lång men också varierad. Den börjar med penselstudier, som är mina första möten med ljuden och rörelsen i musiken. Penselstudierna varar kanske trettio sekunder och utvecklas sedan till att långsamt bygga upp dessa tjocka, lager-på-lager-verk. Jag har inga problem eftersom processen har utvecklats under många år och fungerar väldigt bra för mig. Det har blivit ett språk jag är mycket bekväm med, även om det alltid är en utmaning. Jag tror också att vid en viss punkt blir man professionell, och det spelar ingen roll hur jag känner mig en viss dag. Det är dags att arbeta. Jag simmar några längder, tar en smoothie och sätter igång. Jag har lärt mig att om mitt huvud inte är med, finns det olika saker jag kan göra för att komma in i det. Oftast vet jag dagen innan vad jag behöver göra nästa dag. När jag försöker förstå färgförhållandena måste jag bara sitta och titta på det och byta ut färgprover för att se hur de beter sig i rummet. Jag har också musiken på. Så processen i sig bär mig ibland när mitt sinne och mitt hjärta inte riktigt är där, men jag behöver komma dit. Den disciplinen kommer med åren.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papper. 106,68 x 106,68 cm.

Hur väljer du ditt innehåll och motiv?

Motiv och innehåll är två mycket olika saker. Innehåll är slutresultatet, eller de känslor du upplever när du tittar på verket. Motivet är jazzen. Mycket få abstrakta konstnärer har medvetna motiv. Jag upptäckte tidigt att jag inte kunde hålla mina bilder fräscha utan att använda yttre motiv. Jag kämpade med det i ungefär tio år. Det hände äntligen när jag lyssnade på jazz. Jag var på väg till Vermont för att åka skidor och lyssnade på den lokala NPR-stationen, och där spelades ett stycke av Michel Camilo, en dominikansk jazzpianist. Plötsligt insåg jag att de rum jag såg i mitt huvud också fanns i hans musik.

Det var 1990, och jag har arbetat med jazz sedan dess. Det är medvetna motiv. Det tog mig flera år att utveckla hur jag skulle skapa bilder från det. De Kooning såg sig aldrig som en abstrakt målare; han studerade ständigt figurer och landskap, ibland stilleben. Joan Mitchell, en av mina andra ikoner, hade en mycket lång karriär som abstrakt expressionistisk målare och det är verkligen tufft. Hon hämtade sin inspiration från landskap och poesi. Hon hade flera vänner som var poeter, en av dem var John Ashbury, och hon ”illustrerade” hans dikter. De Kooning och Mitchell är bland de få som har hållit fast vid denna gestiska expressionistiska målarstil under hela sina karriärer.

Hur navigerar du i konstvärlden?

Inte särskilt bra. Jag är en av dem som vet hur man är affärsperson och är mycket professionell, men jag känner inte att jag är särskilt framgångsrik på det området. Det är ett område jag fortfarande jobbar hårt med. Det största hindret för mig har varit att folk som ser mycket konst alltid säger att mina verk är något man måste se på plats. Inte bara det, verken är unika. Ingen annan tittar på eller använder materialen på det här sättet. Unikhet är en tillgång men också en nackdel, för det är svårt för vissa att relatera till det de ser eftersom de aldrig sett något liknande.

Du nämner att dina verk är starkt påverkade av rytmerna och den intellektuella skärpan i jazzmusiken. Vad lyssnar du på just nu som ger näring åt ditt arbete?

Jag lyssnar faktiskt ett till två år i förväg innan jag börjar ett nytt projekt. Mina projekt kan ta från ett till fem år, så om jag ska arbeta med ett visst verk så länge måste jag verkligen tycka om det! Annars skulle jag ha stora problem om det inte fastnade hos mig. Jag håller på att avsluta serien Jazz Cubano, och jag tog mig an den för att jag älskar afro-kubansk jazz. Rytmerna är så komplexa att jag insåg att det enda sättet att förstå dem var att bryta ner dem i de enklaste delarna – ett trumljud i taget – och sedan bygga upp igen. Det har varit en riktigt rolig serie. Jag kommer definitivt att avsluta den innan hösten är slut, och sedan börjar jag på en CD-lång komposition som heter The River av en Chicago-baserad pianist och kompositör vid namn Ryan Cohan.

Det är ett vackert stycke med åtta noggrant skrivna delar. Mellan varje finns en improviserad pianodel – det är symboliskt floden. Han fick ett stipendium för att resa till Afrika, och Chamber Music America, som också finansierade Edward Simons Venezuelanska Suite, som jag arbetade med i fem år, finansierade kompositionen. Vad Ryan har gjort är att ta afrikanska rytmer tillsammans med allt annat han påverkats av och göra det till något som verkligen är hans eget. Det är ett vackert smält och nyskapande musikstycke. Det är mycket intelligent och har ett stort känslomässigt omfång. Jag märker att jag ofta dras till saker både känslomässigt och intellektuellt. Jag ser verkligen fram emot The River. Den börjar jag med i slutet av hösten, eller allra senast innan året är slut.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. Papper, olja, flashe, blyerts, MSA-gel. 106,68 x 106,68 cm.

Vilka av dina konstverk är du mest stolt över och varför?

Jag tror att de verk jag är mest nöjd med finns i två olika grupper: en är de sista verken i serien Venezuelan Suite, för jag lyckades få en nivå av komplexitet och enkelhet samtidigt som jag var mycket nöjd. Jag kunde äntligen fånga musiken hastighet utan att den gick förlorad. Jag uppskattade också mycket teckningarna i Jazz Cubano-serien. De är så avskalade, men har mycket kraft. Det är de två grupperna jag skulle säga att jag är extremt stolt över. När det gäller ett specifikt verk kan jag egentligen inte säga.

Hur vet du när ett verk är färdigt?

Jag tror att det kommer en punkt när jag tittar på ett verk och vid varje steg måste fatta det beslutet. När det inte finns något mer jag vill göra, eller när det känns som att allt mer jag gör blir för mycket, då vet jag att det är klart. Jag brukar vänta och titta på det en stund. Ibland vet jag direkt vad jag ska göra, men ibland tar det lite tid. Om det finns ett område som inte utvecklas försöker jag hitta ett sätt att få det att röra på sig. Ofta betyder det att jag måste justera någon annan del av målningen. Det behöver inte nödvändigtvis vara just den platsen; det kan vara någon annan komponent som behöver ändras. Vanligtvis sover jag på saken en stund. Jag kanske tror att det är klart, men väntar ändå. Jag måste fatta dessa beslut innan limningen. När jag trimmar kanterna på verket får jag ibland en överraskning – och det är inte alltid positivt. Ibland sätter jag ihop något och det är inte vad jag förväntade mig. Ibland kan verket efter trimningen bli obalanserat och jag kan förlora verket eftersom det inte längre visar det känslomässiga omfång det en gång hade.

Vad betyder det för din process att ha en fysisk plats att skapa konst på, och hur får du din plats att fungera för dig?

Jag har ett gammalt hus, ett trevåningshus från 1890-talet, eller vad vi kallar ett tvillinghus. Jag har tre våningar med norrsida ljus och jag bor på ett hörn. Så jag har enorma mängder ljus. Jag använder hela första våningen som min ateljé förutom köket. På andra våningen har jag mitt kontor och vardagsrum, och på tredje våningen har jag mitt limnings- och förvaringsrum. Så jag har inte bara tillräckligt utan också bra utrymme, och det har gjort hela skillnaden. Att ha ett permanent och rymligt utrymme har varit en välsignelse för mitt arbete. Att kunna slå sig ner och få det att fungera ordentligt har varit fantastiskt. Ibland tänker jag att jag skulle behöva mer plats, men jag har tillräckligt!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papper, olja, flashe, blyerts, MSA-gel. 81,23 x 81,23 cm.

Vad talar till dig när du ser ett abstrakt verk?

För mig har abstraktion (när den är bra) en klarhet i tanken som verkligen tilltalar mig. Det kan vara färg, det kan vara svartvitt, det kan vara fullt av bilder eller en enda form som svävar i fältet. Men det finns en kvalitet i tänkandet som är skarp. En av mina favoritkonstnärer i samtiden är skulptören Martin Puryear. Jag gick en gång in på en retrospektiv utställning av hans verk på MoMA, och det tog andan ur mig. Samma utställning visades i Washington D.C. och jag ändrade hela mitt schema för att se den igen. Han är lysande; hans verk har en sådan renhet i form och tanke. Hans verk har referenser till fordon, djur, båtar. Abstraktion kan göra referenser till verkliga världen och ändå vara abstrakt. Dina ögon använder samma ledtrådar för att orientera sig i världen som de använder för att se på abstrakt konst. Våra ögon lär sig detta tidigt i livet. Vi använder samma verktyg för att se på abstrakt konst, men är inte medvetna om det. Det finns något med abstraktion som bygger på vår förståelse av världen.

Är du involverad i några kommande utställningar eller evenemang? Var och när?

Jag är i samtal med Saint Peter’s Church i Manhattan, där jag ställde ut i våras – jag hoppas kunna visa ett annat projekt där, som handlar om The River. Förutom det kan jag ha en lokal utställning här i Wilmington, Delaware i höst med Jazz Cubano-serien.


Omslagsbild: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papper, olja, flashe, blyerts, MSA-gel. 81,3 x 119,4 cm.