En intervju med Ellen Priest

Ellen Priest har gjort sitt avtryck i konstvärlden med sina livfulla abstrakta kollage-målningar i över trettio år. Påverkad av Cezanne från början av sin karriär, och jazz sedan 1990-talet, har hon strävat efter att fånga rörelserna och de intrikata rytmerna i en mängd jazzkompositioner i livligt färgade penseldrag. IdeelArt hade möjlighet att diskutera hennes arbetsprocess, samtidigt som vi fick insikt i hennes influenser och hennes passion för musik längs vägen.

"Du nämner att du blev starkt påverkad av en utställning med titeln 'Cezanne: The Late Works' som visade hans sena akvareller på Museum of Modern Art. Påverkar och genomsyrar hans stil fortfarande dina verk?"

Åh, absolut. Det är lustigt; det är en av de insikter vi har när vi är unga. Den här fastnade för mig. Och jag kunde känna vid den tiden att detta var något stort. På Philadelphia Museum of Art finns det ett sent Cezanne-landskap som jag går och ser på varje gång jag behöver rensa huvudet eller få inspiration, eller lista ut något. Jag står framför det landskapet tills jag får kläm på det. Hans sena verk har varit en konstant påverkan, och det har gått mer än trettio år. Jag tror att det handlar om att han kom på ett sätt att hantera färger, och vad många människor inte inser är att ditt val av placering av en viss färg i grunden är teckning. Cezanne hade ett sätt att förstå hur objekt i rum sväva. Hans sätt att tänka verkar matcha mitt eget. Former dyker upp, och sedan upplöses de. Sedan dyker de upp igen och bleknar bort, vilket ger illusionen av att målningen andas. Han är fortfarande lika magisk för mig som han var när jag först såg verket.

Jag känner mig lycklig, ärligt talat. Jag tror att det talar om styrkan och briljansen i hans arbete. För mig var han lika mycket en vattendelare som Giotto med perspektiv och sättet han hanterade figurer i rymden. Min känsla är att om jag kunde hoppa fram 500 år, skulle folk fortfarande prata om Cezanne som en vattendelare. Den abstrakta expressionismen som fascinerade mig från början är lika stark för mig nu. Jag känner mig lycklig att jag upptäckte det och förstod det tidigt. Jag insåg helt enkelt vad som var potent för mig visuellt. 

Kan du berätta om din arbetsprocess? Vilka material och tekniker använder du?

Jag använder papper; allt mitt arbete är på papper. De färger jag använder är flash och olja. Flash, som är en vinylbaserad vattenlöslig färg, tar pigment på samma sätt som akvarell och gouache. Den blir inte lite brunaktig som akryl gör. Den är mycket kompatibel med oljorna. Färgmässigt är den lite annorlunda men de fungerar verkligen tillsammans inom rummet. Jag använder också mycket blyertspenna. Papperna går från att vara mycket tungt franskt akvarellpapper, och två vikter av Canson spårpapper. En är mycket tung och kallas Opalux, den andra är tunnare och båda är arkivbeständiga. Jag har arbetat mycket under de senaste femton åren med ett par i Boston, Jim och Joan Wright, som båda är museikonservatorer, och de coachade mig i denna process. Jim lärde mig hur man använder oljefärg på den här typen av papper utan att få problem. Jag har hållit på med detta länge nu, och arbetet verkar hålla bra; jag har inte haft några svårigheter med det. Jag använder också MSA-gel som mitt lim, och jag laminerar inte lagerbitarna - jag limmar dem punktvis - och jag tynger ner dem för att få gelen att sätta sig. Det tar ungefär en vecka att torka.

"Du nämner att du spenderar ett till fem år på en given serie. Hur upprätthåller du din motivation och undviker att bränna ut dig?"

Min process är ganska lång, men den är ganska varierad. Den sträcker sig hela vägen från penselstudier, som är mina första möten med ljuden och rörelsen i musiken. Och penselstudierna varar kanske trettio sekunder och det utvecklas hela vägen från det till att långsamt bygga dessa tjocka, lager på lager stycken. Jag har inga problem eftersom processen är en som har utvecklats under många år och den fungerar verkligen för mig. Det har blivit ett språk som jag är mycket bekväm i, även om det alltid är en utmaning. Jag tror också att vid en viss punkt blir man bara professionell, och det spelar ingen roll hur jag känner mig en viss dag. Det är dags att gå till jobbet. Jag simmar längder, tar en smoothie och går till jobbet. Jag har lärt mig att om mitt huvud inte är med, finns det en mängd saker jag kan göra för att komma in i det. Vanligtvis vet jag dagen innan vad jag behöver göra för nästa dag. När jag försöker lista ut färgrelationerna, måste jag bara sitta där och titta på det, och fortsätta byta ut färgproverna så att jag kan se hur de beter sig i rummet. Jag har också musiken på. Så själva processen bär mig ibland när mitt sinne och mitt hjärta inte nödvändigtvis är där, men jag behöver komma dit. Den disciplinen kommer bara med åren.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papper. 106,68 x 106,68 cm.

Hur väljer du ditt innehåll och ämnesområde?

Ämnet och innehållet är två helt olika saker. Innehållet är slutresultatet, eller de känslor du upplever när du tittar på verket. Ämnet är jazzen. Mycket få abstrakta konstnärer har medvetet ämne. Jag upptäckte tidigt att jag inte kunde hålla mina bilder fräscha utan att gå till yttre ämnen. Och jag kämpade med det i ungefär tio år. Det hände äntligen när jag lyssnade på jazz. Jag var på väg till Vermont för att åka skidor och lyssnade på den lokala NPR-stationen, och det spelades ett stycke av Michel Camilo som är en dominikansk jazzpianist. Plötsligt insåg jag att de utrymmen jag såg i mitt huvud var utrymmen som fanns i hans musik.

Det var 1990, och jag har arbetat med jazz sedan dess. Det är medvetet ämnesinnehåll. Och det tog mig flera år att utveckla hur jag skulle utveckla bilder från det. De Kooning såg aldrig sig själv som en abstrakt målare; han tittade ständigt på figurer och landskap, ibland stilleben. Joan Mitchell, som är en av mina andra ikoner, hade en mycket lång karriär som abstrakt expressionistisk målare och det är verkligen tufft. Hon hämtade sin inspiration från landskap och poesi. Hon hade ett antal vänner som var poeter, en av dem var John Ashbury, och hon "illustrerade" hans dikter. De Kooning och Mitchell är bland de få som har upprätthållit denna gestural expressionism stil av målning genom hela sina karriärer.

Hur navigerar du i konstvärlden?

Inte så bra. Jag är en av de där personerna som vet hur man är affärsman och jag är väldigt professionell, men jag känner inte att jag är särskilt framgångsrik på det området. Det är ett område som jag fortfarande arbetar väldigt hårt med. Den största hindret för mig har varit att, såvitt jag kan se, säger folk som tittar på mycket konst alltid till mig att mitt arbete är något som man måste se personligen. Inte bara det, arbetet är unikt. Ingen annan tittar på eller använder materialen på det här sättet. Unikhet är en tillgång men det är också en nackdel, eftersom det är svårt för vissa människor att ha ett sätt att relatera till vad de ser eftersom de aldrig har sett något liknande. 

"Du nämner att dina verk är starkt påverkade av rytmerna och den intellektuella rigoriteten i jazzmusik. Vad lyssnar du på just nu som inspirerar ditt arbete?" 

Jag lyssnar faktiskt ett år eller två i förväg innan jag påbörjar ett nytt projekt. Mina projekt kan ta allt från ett år till fem år, så om jag ska arbeta med ett särskilt stycke under den tiden, är det bäst att jag gillar det! Annars skulle jag vara i stora problem om det inte fastnar hos mig. Jag håller just nu på att avsluta den här Jazz Cubano-serien, och jag tog mig an den eftersom jag älskar afro-kubansk jazz. Rytmerna är så komplexa att jag insåg att det enda sättet jag kunde förstå dem på var att bryta ner dem i de enklaste delarna – ett percussionljud i taget – och sedan bygga mig tillbaka upp. Det har varit en riktigt rolig serie. Jag kommer att avsluta detta i slutet av hösten, och sedan börjar jag med en CD-längd komposition som heter The River av en pianist och kompositör baserad i Chicago som heter Ryan Cohan.

Det är ett vackert stycke och det har åtta sektioner som är mycket noggrant skrivna. Mellan varje finns en improviserad pianosektion – det är symboliskt floden. Han hade ett bidrag för att resa till Afrika, och Chamber Music America, som också finansierade Edward Simons Venezuelanska Suite, som jag arbetade med i fem år, finansierade kompositionen. Vad Ryan har gjort är att ta afrikanska rytmer tillsammans med allt annat han har blivit påverkad av, och göra det till något som verkligen var hans eget. Detta är ett vackert smält och innovativt musikstycke. Det är mycket intelligent och har en stor känslomässig räckvidd. Vad jag upptäcker är att jag ofta dras till saker både känslomässigt och intellektuellt. Jag ser verkligen fram emot The River. Det kommer jag att börja med i slutet av hösten, eller helt säkert innan årets slut.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simons Venezuelas Suite 16, 2008. Papper, olja, flashe, blyertspenna, MSA gel. 106,68 x 106,68 cm.

Vilket av dina konstverk är du mest stolt över och varför?

"Jag tror att de verk jag är mest nöjd med är i två olika grupper: den ena skulle vara de sista verken i Venezuelan Suite-serien, eftersom jag kunde få en nivå av komplexitet och enkelhet samtidigt som jag var mycket nöjd. Jag kunde äntligen fånga musiken hastighet utan att den gick förlorad. Jag njöt också verkligen av teckningarna i Jazz Cubano-serien. De är så avskalade, men de har mycket sting. Det skulle vara de två grupperna som jag skulle säga att jag är extremt stolt över. När det gäller ett specifikt verk, kan jag verkligen inte säga." 

Hur vet man när ett arbete är färdigt?

Jag tror att det kommer en punkt när jag tittar på ett verk, och vid varje steg måste jag fatta det beslutet. När det inte finns något mer jag vill göra, eller när det känns som att allt mer jag skulle göra är för mycket, då vet jag att det är komplett. Jag brukar vänta och titta på det en stund. Ibland vet jag vad jag ska göra direkt, men ibland tar det lite tid. Om det finns ett område som inte rör sig försöker jag lista ut ett sätt att få det att röra sig. Ofta betyder det att jag måste justera någon annan del av målningen. Det behöver inte nödvändigtvis vara just den platsen; det kan vara någon annan komponent som kan behöva ändras. Generellt sett sover jag på det en stund. Jag kanske tycker att det är klart, men jag väntar bara. Jag måste fatta dessa beslut innan jag limmar. När jag beskär kanterna på verket får jag ibland en överraskning – och det är inte alltid bra. Då och då sätter jag ihop något och det är inte vad jag förväntade mig. Ibland, efter att ha beskärt delarna, kan verket bli obalanserat och jag kan förlora verket eftersom det inte längre visar det känslomässiga spektrum som det en gång gjorde. 

Vad betyder det att ha ett fysiskt utrymme att skapa konst i för din process, och hur får du ditt utrymme att fungera för dig?

Jag har ett gammalt hus, ett trevåningshus från 1890-talet, eller vad vi kallar ett tvillinghus. Jag har tre våningar med nordligt ljus och jag ligger i ett hörn. Så jag har enorma mängder ljus. Jag använder hela första våningen som min studio förutom mitt kök. På andra våningen har jag mitt kontor och vardagsrum, och på tredje våningen finns mitt limrum och förråd. Så jag har verkligen inte bara tillräckligt, utan också bra utrymme, och det har gjort hela skillnaden i världen. Att ha permanent gott om utrymme har varit en välsignelse för mitt arbete. Att kunna slå mig ner och få det att fungera ordentligt har varit fantastiskt. Ibland tänker jag att jag skulle kunna använda mer utrymme, men jag har tillräckligt med utrymme!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo och Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papper, olja, flashe, blyertspenna, MSA gel. 81,23 x 81,23 cm.

Vad talar till dig när du ser ett abstrakt verk?

För mig har abstraktion (när den är bra) en klarhet i tänkandet som verkligen tilltalar mig. Det kan vara färg, det kan vara svart och vitt, det kan vara fullt av bilder eller så kan det vara en enda form som svävar i fältet. Men det finns bara en kvalitet i tänkandet som är skarp. En av mina favoritnutida konstnärer genom tiderna är skulptören Martin Puryear. Jag gick en gång in i en retrospektiv av hans verk på MoMA, och det tog andan ur mig. Samma utställning presenterades i Washington D.C. och jag omorganiserade hela mitt schema för att gå och se den igen. Han är briljant; hans arbete har en sådan renhet i form och tänkande. Hans arbete har referenser till fordon, djur, båtar. Abstraktion kan göra referenser till den verkliga världen och ändå vara abstrakt. Dina ögon använder samma ledtrådar för att navigera i världen som de använder för att titta på abstrakt konst. Våra ögon listar ut detta tidigt i livet. Vi använder de samma verktygen för att titta på abstrakt konst, men vi är inte medvetna om det. Det finns något med abstraktion som bygger på vår förståelse av världen.

Är du involverad i några kommande shower eller evenemang? Var och när?

"Jag är i samtal med Saint Peter's Church i Manhattan, där jag ställde ut denna vår – jag hoppas kunna ställa ut ett annat projekt där, som handlar om The River. Förutom det kan jag ha en lokal utställning här i Wilmington, Delaware i höst på Jazz Cubano-serien."


Utvald bild: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papper, olja, flashe, blyertspenna, MSA gel. 81,3 x 119,4 cm.