Hur Sonya Rapoport Använde Abstraktion för att Pionjärera Datorgrafik

Sonya Rapoport är i ropet. Eller mer korrekt, sedan den Berkeley, Kalifornien-baserade konstnären gick bort 2015, är det enorma konstnärliga arv hon lämnade efter sig i ropet. Efter stora grupputställningar på SFMOMA och Hunter College Art Galleries 2019 kommer hennes verk i år att framträdande visas i en soloutställning i Frieze New York Spotlight-sektionen, samtidigt som Sonya Rapoport: Biorhythm, en delvis retrospektiv utställning på San Jose Museum of Art från 7 februari till 5 juli 2020. Rapoport började sin karriär som abstrakt målare och skulptör. Hennes tidiga verk hyllades 1963 i vad som ironiskt kallades en ”mitt-i-karriären” retrospektiv. Direkt efter den utställningen förändrade Rapoport sin praktik grundläggande och blev en pionjär inom så kallad datorbaserad konst, ett uttryckssätt hon kontinuerligt utforskade och omdefinierade i ytterligare 52 år. Många kuratorer och skribenter kallar också Rapoport en av de tidigaste skaparna av internetkonst, eftersom hon redan på 1970-talet inkorporerade element som personliga dataanalyser och digitala sociala interaktioner i sina installationer. Det kan dock vara mer korrekt att säga att Rapoport själv var en slags levande proto-internet. Hennes sinne var ett virtuellt bibliotek av esoterisk kunskap; hon var en sammankopplare som förde samman olika experter för att samarbeta kring experimentell estetisk forskning; och hennes inspirerade projekt korsbefruktade individer och organisationer långt bortom konstfältets gränser. Delvis formalist, delvis schaman, delvis poet, delvis analytiker, delvis samlare och delvis anarkist, skapade Rapoport en av de mest komplexa konstnärliga praktikerna under det senaste seklet. Att nysta upp alla symboler, betydelser och lager i hennes verk skulle kunna ta en konsthistoriker en hel livstid, och vilken härlig livstid det skulle vara. Ändå, i jakten på att sätta etiketter som datorartist och internetkonstpionjär på Rapoport, undrar jag om vi förbiser den mest väsentliga aspekten av hennes verk: dess mänsklighet.

Digital Mudra

En av de första interaktiva konstinstallationerna Rapoport gjorde var Digital Mudra (1987). En mudra är en symbolisk gest eller pose. Ordet mudra kommer från hinduiska, jainistiska och buddhistiska traditioner, men varje kultur använder handgester som en genväg för att förmedla information och mening. Digital Mudra utnyttjade mudrans universella karaktär genom att jämföra teckningar av gamla mudras med bilder av samtida människor som fysiskt uttryckte sina känslor. Rapoport bjöd också in andra konstnärer att komponera dikter baserade på mudra-ord, som hon sedan tolkade om till mudra-dikter som visades i utställningen. Besökare i galleriet uppmanades sedan att delta genom att låta sina egna gester analyseras av en dator, som sedan skrev ut deras tillhörande mudrasymboler och ord, vilka sedan kunde analyseras av en digitaliserad version av den indiske poeten Rabindranath Tagore, vilket resulterade i en personlig epigram lämplig att hängas på ”mudraväggen” som ”tempelskrifter.”

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-collage på kontinuerligt datorutskriftspapper av pergament på återfunna kalendrar 31,75 tum x 45,25 tum vardera. Med tillstånd från Sonya Rapoports kvarlåtenskap

Trots hur lockande det är att säga att Digital Mudra var en datorinstallation, verkar det för mig mer abstrakt än så. Det verkar mer som ett försök att undergräva vårt beroende av det som kan vara känt. Rapoport lekte med idén att människor vill tro på en makt bortom deras eget intellekt. Digital Mudra involverade datorer, men det förenade också mystik, andliga traditioner, filosofi, poesi och konst. Viktigast av allt skapade det en social situation där människor uppmuntrades att delta på grund av andras deltagande – alla andra kommer på sina mudra-ord, hör visdomen från den vise och hänger sina mystiska epigram på tempelväggarna, så varför inte vara med? Utan tvekan låter denna installation mycket som ett tidigt socialt mediememe-quiz, men mer än något annat ser jag det som ett erkännande av att våra digitala herrar inte är annorlunda än alla andra herrar som funnits före dem och kommer efter.

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-collage på kontinuerligt datorutskriftspapper av pergament på återfunna kalendrar 31,75 tum x 45,25 tum vardera. Med tillstånd från Sonya Rapoports kvarlåtenskap

Allt är Ett

Collage var ett annat favoritmedium för Rapoport. Hon fann berömt en hög med undersökningskartor i ett gammalt skrivbord hon köpt, och använde dem sedan som bakgrund för intrikata collageverk, där hon utvidgade deras analytiska sammanhang genom att fylla dem med personliga bilder och urklipp. Senare hittade hon buntar med datorutskrifter i soporna på University of Californias campus i Berkeley. Hon sydde ihop bladen med garn och använde dem som grund för en serie verk som grävde i hennes egen stora skatt av känslor, drömmar och influenser. Dessa verk handlade inte om datorer i sig. De var mer som abstrakta visuella reaktioner på konkreta visuella förslag. Som Rapoport sade då, ”mitt verk är ett estetiskt svar utlösts av vetenskapliga data.” Ändå, som någon som går på en djupdykning på internet med hundratals sökflikar öppna samtidigt, svämmar dessa ”datorcollage” över av otaliga sammanlänkade fragment av vad Rapoport tänkte på just då. Förutom igenkännbara bilder och ord är de fyllda med formalistiska abstrakta bilder samt referenser till hennes egen personliga ”Nu Shu”-språk – ett personligt, symboliskt, kvinnligt skriftspråk – vilket kulminerar i verk som är självsäkra, starka, feministiska, poetiska, mystiska och oändligt fängslande.

Sonya Rapoport - Biorhythm Kalender (detalj), 1980. Multimedia-collage på kontinuerligt datorutskriftspapper av pergament på återfunna kalendrar 31,75 tum x 45,25 tum vardera. Med tillstånd från Sonya Rapoports kvarlåtenskap

I hopp om att betraktare skulle se djupare in i hennes verk delade Rapoport alltid ivrigt med sig av de omfattande anteckningar hon förde över alla referenser som inspirerade henne. När otaliga nya betraktare nu får chansen att möta hennes arv för första gången på konstmässor och museiutställningar, hoppas jag att kuratorer också tar extra omsorg att förmedla den avsikten. En av de mer irriterande aspekterna av den digitala tidsåldern är att konstbetraktare anser sig ha rätt att snabbt och ytligt betrakta konst och sedan svepa vidare till nästa bild. Rapoport var ingen anhängare av den trenden, inte heller av de avhumaniserande begränsningar den sätter på konsten och dess skapare. När denna förutseende konstnär äntligen får sin rättmätiga plats uppmuntrar jag betraktare att skrapa under ytan på hennes verk, och jag uppmanar kuratorer och skribenter att sluta kalla Rapoport för datorartist eller internetartist – Rapoport var en konstnär som använde teknik för att påminna oss om de otaliga sätt vi fortfarande är mänskliga på.

Bild i fokus: Sonya Rapoport - Koch II, 1972–74. Sprayakryl och grafit på duk; 72 x 96 tum. Kvarlåtenskap av Sonya Rapoport.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio