Gagosian Paris Samlar Konstnärer Som Skapar Konst Blanc sur Blanc

En utställning på Gagosian Paris med titeln Blanc sur Blanc (Vit på vit) har återigen väckt den tidlösa debatten om giltigheten av helt vit konst. Denna diskussion går tillbaka åtminstone till 1918, när den ryska konstnären Kazimir Malevich, grundaren av Suprematismen, debuterade med sin målning "White on White"—en bild av en lutande vit kvadrat på en vit bakgrund. Malevich var redan ökänd för målningen "Black Square" som han avslöjade tre år tidigare på The Last Futurist Exhibition 0,10. Men "White Square" tog upprördheten till nästa nivå genom att inte bara ifrågasätta värdet av motiv i konsten, utan också ifrågasätta värdet av nyans. I kölvattnet av Malevich har otaliga andra konstnärer skapat helt vita konstverk: från den minimalistiska "White Painting (Three Panel)" (1951) av Robert Rauschenberg (som sa "en duk är aldrig tom"); till de brutala, kvasi-figurativa helt vita skulpturerna av Cy Twombly; till det sparsamma, post-atomiska skenet av "Untitled (Electric Light)" (2019), en vit ljusskulptur av Mary Corse. Konstsamlarna tror starkt på det kulturella och finansiella värdet av helt vit konst, vilket bevisas av åtminstone två nyliga auktionsresultat: "Bridge" (1980), en helt vit målning av Robert Ryman som såldes på Christie’s för mer än 20 miljoner dollar (US) 2015, och "21 Feuilles Blanches" (1953), en helt vit mobil av Alexander Calder som såldes för 17,9 miljoner dollar (US) 2018 (mer än dubbelt så mycket som dess högsta uppskattning). Ändå kan vit-på-vit konst vara frustrerande för människor utanför konstfältet. Kanske är genidraget med den nuvarande Gagosian-utställningen att den inte bara visar publiken ett enda helt vitt konstverk, eller ett urval av helt vita verk av en enda konstnär. Istället samlar den verk av 27 konstnärer, som spänner över ett brett spektrum av tidsperioder, rörelser, medier, avsikter och personliga bakgrunder. Att se så många vita konstverk på ett ställe vid ett tillfälle avslöjar den nyanserade sanningen som så många haters misslyckas med att erkänna: det finns faktiskt ingen sådan sak som ren vit.

Vit som ett manifest

Bland verken som visas i Blanc sur Blanc finns en helt vit slashed canvas av den italienska konstnären Lucio Fontana. I pressmaterialet för utställningen hänvisar Gagosian till ett essä som Fontana publicerade 1946 kallat Manifesto Blanco (Vitt Manifest). Även om den är lite rantig kan denna essä ge viss vägledning för åskådare som tvivlar på värdet av monokromatisk målning. I motsats till vad titeln antyder nämner dock Vitt Manifest aldrig faktiskt färgen vit. Istället talar den om behovet av en ny konst, "fri från all estetisk konstfusk." För Fontana var renheten av färgen vit symbolisk för denna nya utgångspunkt. Vitt Manifest uppmanar konstnärer att fokusera på "färg, rummet element; ljud, tidens element; och rörelse, som utvecklas i tid och rum," en strategi som Fontana insisterar kommer att resultera i verk som drar "närmare naturen än någonsin tidigare i konsthistorien."

Installationsvy. Konstverk, från vänster till höger: © Foundation Lucio Fontana, Milano / av SIAE / ADAGP, Paris, 2020; © Cy Twombly Foundation; © Imi Knoebel / ADAGP, Paris, 2020. Foto: Thomas Lannes

De begrepp som uttrycktes i det Vita Manifestet utgjorde grunden för Spatialismen, den rörelse som Fontana grundade året därpå. Under två decennier förklarade Fontana de centrala elementen i Spatialismen genom två banbrytande verkserier. Den första var hans "Miljöer"-serie—15 ljusskulpturer som nu anses vara de första exemplen på installationskonst. Varje "Miljö" var i grunden ett skräddarsytt rum belyst av en enda färg av ljus. Oavsett om det var vitt, svart, rött, blått, grönt eller vad som helst, kände Fontana att sammanslagningen av en enda färg med ett annars tomt utrymme förkroppsligade essensen av hans idéer. Den andra verkserien som Fontana skapade för att illustrera koncepten av Spatialism var hans nu ikoniska serie av skurna dukar—monokroma ytor skurna med en kniv. Skärningarna var dock inte bara uttryck för drama. De skapade bokstavliga ingångar till en värld av rörelse, färg och rum. Varje skärning drar in betraktaren i en aktiv roll, och drar oss inåt genom att avslöja en glimt av utrymmet bakom målningen. Genom att göra den tidigare oanvända delen av målningen till en nyckelaspekt av dess ämne, skapade Fontana något kinetiskt och mystiskt. När man ser tillbaka på hans "Miljöer" är det tydligt hur dessa skurna dukar uttryckte samma idéer, bara i en annan skala.

Jean Arp - Vännen av lillfingret, 1963. Gips, 4 x 9 1/2 x 5 1/8 tum (10 x 24 x 13 cm). © ADAGP, Paris, 2020

Breddningen av perspektiv

Som de skurna dukarna av Fontana, är varje verk som presenteras i Blanc sur Blanc mer komplext än det kan verka vid första anblicken. Tre garn skulpturer av Sheila Hicks illustrerar hur skör idén om ren färg verkligen är, när textur och massa leker med ljuset. En skulptur av Rachel Whiteread, å sin sida, tar vad som först verkar som en slumpmässig samling av vita byggmaterial lutade mot en vägg och förvandlar det till en scen av visuell och känslomässig klarhet. Denna typ av materialackumulationer i rummet har blivit en så utbredd del av den vardagliga urbana miljön, men i det här fallet, visar Whiteread inte bara den inneboende estetiska närvaron av sina material, hon utvidgar också vår förståelse av definitionen av färg.

Installationsvy. Konstverk, vänster till höger: © Enrico Castellani / ADAGP, Paris, 2020; © Atelier Sheila Hicks. Foto: Thomas Lannes

I slutändan, kanske, är det vad vit på vit konst alltid har handlat om—att bredda perspektiven. Kan vi se på något så enkelt, så minimalistiskt och så direkt utan att känna oss förolämpade, som om konstnären bara utmanar oss att kalla det för för enkelt? Är vi kapabla att erkänna magin i vit på vit konst på samma sätt som vi omfamnar det enkla ljudet av en gong, det nyanserade flämtandet av ett ljus, eller den mjuka kittlingen av en fjäder? Kan något så litet bära starka känslor? Denna fråga har ställts många gånger, och den kommer inte att ta slut med denna nuvarande utställning, för det kommer alltid att finnas konstnärer som vet att det inte finns något enkelt med vit på vit, och som alltid kommer att känna sig tvingade att återvända till det som nollpunkten för konsten.

Utvald bild: Installationsvy. Konstverk, från vänster till höger: Arkiv Simon Hantai / ADAGP, Paris; © Rachel Whiteread. Foto: Thomas Lannes
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio