Abstrakt Skulptur - Språket av Det Fulla och Det Tomma

Sedan modernismens tidigaste dagar har frågor väckts om abstrakt konsts natur och skillnaden mellan två- och tredimensionell abstrakt konst. Under 1900-talets första decennium ställde Constantin Brancusi den grundläggande frågan om vad abstrakt skulptur var tänkt att förmedla: en föremålsbild eller dess väsen? Under nästa decennium visade Pablo Picasso att en skulptur inte behövde vara uthuggen, formad eller gjuten: den kunde sättas samman. Decenniet därpå visade Alexander Calder att skulptur kunde röra sig. Och ännu årtionden senare, med hänvisning till sina tvärvetenskapliga verk, erbjöd Donald Judd ”Specifika objekt” som ett alternativ till orden målning och skulptur. Även om ämnet skulle kunna fylla flera böcker, erbjuder vi idag en kort, visserligen mycket nedkortad tidslinje över några av höjdpunkterna i abstrakt skulpturs historia.

Fadern till abstrakt skulptur

Constantin Brâncusi föddes i Rumänien 1876 när den europeiska bildkonstens värld i stort sett bestod av målning och skulptur, och båda var nästan helt figurativa. Även om den gradvisa utvecklingen mot abstraktion hade börjat, hade få yrkesverksamma konstnärer ännu vågat försöka med ren abstraktion eller ens definiera vad det exakt innebar. Brâncusis första erfarenhet av skulptering var helt praktisk, då han som barnarbetare högg ut jordbruksredskap. Även när han så småningom kom in på konstskola var han klassiskt utbildad. Men när Brâncusi lämnade Rumänien 1903 och slutligen anlände till Paris, blev han involverad i modernismens samtal. Han instämde entusiastiskt i de idéer som cirkulerade om abstraktion och drog snart slutsatsen att skulpturens moderna syfte var att framställa ”inte den yttre formen utan idén, tingens väsen.”

År 1913 visades några av Brâncusis tidiga abstrakta skulpturer i New York som en del av årets Armory Show, utställningen som till stor del ansvarade för att introducera modernistisk konst i USA. Kritiker hånade offentligt hans skulptur Porträtt av Mademoiselle Pogany för bland annat att den liknade ett ägg. Tretton år senare skulle Brâncusi få sista skrattet över amerikanerna när en av hans skulpturer ledde till att amerikansk federal lag ändrades. Det hände när en samlare köpte och försökte frakta in en av Brâncusis fågelskulpturer i USA, som på intet sätt liknade fåglar utan snarare representerade flykt. I stället för att undanta den abstrakta skulpturen som konst, krävde tulltjänstemännen importskatt av samlaren. Samlaren stämde och vann, vilket resulterade i ett officiellt uttalande från amerikanska domstolar att något inte behövde vara föreställande för att betraktas som konst.

Constantin Brancusi - Kyssen, 1907 (vänster) och Porträtt av Mademoiselle Pogany, 1912 (höger), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso och sammanställningens konst

Pablo Picasso var en annan viktig tidig pionjär inom abstrakt skulptur, även om han kanske inte avsåg att vara det. Runt 1912 började Picasso utvidga sina idéer om kubism till den tredimensionella världen. Han började med att göra kollage, som på grund av sin lager-på-lager-yta och användning av funna material och föremål i stället för färg redan hade en slags tredimensionell kvalitet. Sedan överförde han idén om kollage till full tredimensionell form genom att sammanställa faktiska föremål, särskilt gitarrer, av material som kartong, trä, metall och tråd.

Traditionellt skapades skulptur antingen genom en form, eller genom att forma massa som lera, eller genom någon form av reducerande process som uthuggning. Picasso hade oavsiktligt utmanat den traditionen genom att skapa ett skulpturalt föremål genom att sammanfoga olika delar av funna material till en form. Dessutom chockerade han genom att hänga upp denna sammanställning på väggen i stället för att placera den på en piedestal. Konstpubliken var förbryllad och till och med upprörd över Picassos gitarrer och krävde att få veta om de var målningar eller skulpturer. Picasso insisterade på att de var varken eller, och sade, ”Det är ingenting, det är gitarren!” Men oavsett om han avsåg det eller inte hade han utmanat den grundläggande definitionen av skulptur och startat en av de längst varande debatterna om abstrakt konst.

Pablo Picasso - Kartonggitarrkonstruktion, 1913, MoMA

Readymades

Så revolutionerande som konstnärer som Picasso och Brâncusi kan ha verkat för sin samtid, är det intressant att notera att 1913 också är året då dadaisten Marcel Duchamp tog i bruk begreppet ”readymade” för att beteckna konstverk bestående av funna föremål, signerade och visade av en konstnär som deras verk. Enligt Duchamp kunde vanliga föremål ”upphöjas till värdigheten av ett konstverk genom en konstnärs blotta val.” År 1917 visade Duchamp Fountain, kanske hans mest berömda readymade, bestående av en urinoar placerad på sidan och signerad ”R. Mutt.”

Duchamp hade skapat Fountain för att lämna in till den första utställningen av New Yorks Society of Independent Artists, som hyllades som en helt öppen samtidskonstutställning utan jury och utan priser. Verket avvisades märkligt nog från utställningen, vilket väckte upprördhet i konstvärlden eftersom hela poängen med utställningen var att inte döma verken. Föreningens styrelse utfärdade ett uttalande om Fountain där det stod, ”det är, enligt någon definition, inte ett konstverk.” Trots detta kom verket att inspirera generationer av kreatörer framöver.

En kopia från 1964 av Duchamps original från 1917, Fountain

Faktura och Tektonik

År 1921 uppstod en grupp konstnärer kallad Den första arbetande gruppen av konstruktivister i Ryssland. Målet med deras rörelse, som de kallade konstruktivism, var att skapa en ren konst baserad på formella, geometriska, abstrakta principer som aktivt skulle involvera betraktaren. De skulpturala principerna för konstruktivismen delades upp i två separata element: faktura avsåg en skulpturs materiella egenskaper, och tektonik avsåg en skulpturs närvaro i tredimensionellt rum.

Konstruktivisterna ansåg att skulptur inte behövde något motiv alls och kunde anta helt abstrakta egenskaper. Det enda som betydde något för dem var utforskandet av materialitet och rum. De var särskilt medvetna om hur ett föremål upptog utställningsutrymmet, liksom hur det samspelade med rummet mellan det och betraktaren. Konstruktivistisk skulptur hjälpte till att definiera tankarna att en skulptur kunde innehålla och definiera rum utöver att bara uppta rum, och att rummet självt kunde bli ett viktigt element i verket.

Den första konstruktivistiska utställningen, 1921

Att rita i rummet

I slutet av 1920-talet inkluderade det modernistiska abstrakta skulpturspråket tredimensionella reliefarbeten, funna föremål, geometrisk och figurativ abstraktion samt begreppet om fyllnad och tomrum i det fysiska rummet. De italienska futuristerna hade till och med försökt använda skulptur för att visa rörelse, eller dynamik, i verk som Umberto Boccionis Unika former av kontinuitet i rummet (behandlas mer ingående här). Men äran att införa verklig rörelse i skulptur, och skapa en ny genre kallad kinetisk skulptur, tillkommer Alexander Calder.

Calder utbildade sig till maskiningenjör och gick först senare på konstskola. Efter examen började han göra mekaniska leksaker och designade så småningom en hel mekanisk cirkus. Runt 1929 började han göra ömtåliga, lekfulla trådskulpturer, som han beskrev som ”att rita i rummet.” År 1930, när han lade till rörliga delar i sina trådskulpturer, kallade Marcel Duchamp dessa konstverk för ”mobiler.” Calders kinetiska mobiler har nu blivit den mest omedelbart igenkännliga delen av hans verk och inspirerade konstnärer som Jean Tinguely, skaparen av Metamekanik. De påverkade också kanske den mest produktiva modernistiska mästaren av ”att rita i rummet,” den venezuelanska konstnären Gego, som tog konceptet till utsökta ytterligheter på 1960-talet.

Gego, rumslig trådkonstruktion, delvis installationsvy

Kombinationer och ansamlingar

På 1950-talet tog konceptkonstnärer vid med de idéer som Picasso och Duchamp banat väg för. Begreppet funnet föremål blev allestädes närvarande när stora storstäder blev överbelastade med avfall och massproduktionen och konsumtionen av industriprodukter nådde nya höjder. Den mångsidige konstnären Robert Rauschenberg kombinerade grunderna i Picassos kollage och sammanställningar med Duchamps idéer om funna föremål och konstnärens val för att skapa vad som blev hans signaturbidrag till abstrakt skulptur. Han kallade dem ”Combines,” och de var i huvudsak skulpturala sammanställningar gjorda av blandat skräp, avfall och industriprodukter, omsorgsfullt sammansatta till en enda massa av konstnären.

Robert Rauschenberg - Monogram, fristående kombination, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Ungefär samtidigt använde konceptkonstnären Arman, en av grundarna av Nouveau Realists, Duchamps idé om readymade som utgångspunkt för en serie skulpturala verk som han kallade ansamlingar. För dessa verk samlade Arman flera exemplar av samma readymade föremål och svetsade ihop dem till en skulptural massa. Genom att använda produkter på detta sätt omtolkade han idén om en readymade-produkt, använde den istället som en abstrakt form, tog bort dess tidigare betydelse och förvandlade den till något symboliskt och subjektivt.

Arman - Ansamling Renault nr 106, 1967, © Arman

Material och process

På 1960-talet fokuserade skulptörer alltmer på de rena formella aspekterna av sina verk. Som en sorts avvisande av sina föregångares känslor och dramatik koncentrerade sig skulptörer som Eva Hesse och Donald Judd på de råa material som ingick i deras verk och de processer genom vilka deras föremål skapades. Eva Hesse var pionjär inom arbete med ofta giftiga industrimaterial som latex och glasfiber.

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Glasfiber och polyesterharts, nitton enheter, var och en 48 till 51 cm x 27,8 till 32,2 cm i diameter. MoMA Collection. Gåva från Charles och Anita Blatt. © 2018 Eva Hesses dödsbo. Galerie Hauser & Wirth, Zürich

Till skillnad från Hesse, vars teknik och individualitet framträdde tydligt i hennes skulpturala former, strävade Donald Judd efter att helt ta bort alla spår av konstnärens hand. Han arbetade för att skapa det han kallade Specifika objekt, föremål som överskred definitionerna av två- och tredimensionell konst, och som använde industriella processer och material, och som vanligtvis tillverkades av maskiner eller av arbetare andra än konstnären.

Donald Judd - Untitled, 1973, mässing och blå plexiglas, © Donald Judd

Samtida allkonstnärlig konst

Tack vare de framsteg som modernistiska skulptörer gjort under de senaste 100+ åren är dagens abstrakta konst en tid av fantastisk öppenhet. Så mycket av samtida praktik är allkonstnärlig, vilket resulterar i spännande, mångformiga estetiska fenomen. Många samtida abstrakta konstnärers verk har en sådan unik närvaro att de trotsar enkla etiketter som ”målning,” ”skulptur” eller ”installation.” De modernistiska pionjärerna inom abstrakt skulptur är till stor del ansvariga för mycket av den öppenhet och frihet som samtida konstnärer njuter av, och för de otaliga sätt vi kan uppskatta deras estetiska tolkningar av vår värld.

Framträdande bild: Alexander Calder - Blå fjäder, 1948, kinetisk trådskulptur, © Calder Foundation
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio