Abstrakt Skulptur - Språket av Det Fulla och Det Tomma

Sedan modernismens tidigaste dagar har frågor ställts om naturen av, och skillnaden mellan, två- och tredimensionell abstrakt konst. Under det första decenniet av 1900-talet ställde Constantin Brancusi den grundläggande frågan om vad abstrakt skulptur var avsedd att förmedla: en subjects bild eller dess essens? Under det följande decenniet bevisade Pablo Picasso att en skulptur inte behövde vara snidad, formad eller gjuten: den kunde sättas ihop. Under decenniet efter det visade Alexander Calder att skulptur kunde röra sig. Och fortfarande decennier senare, i referens till sina tvärvetenskapliga verk, erbjöd Donald Judd "Specific Objects" som ett alternativ till orden målning och skulptur. Även om ämnet skulle kunna fylla flera böcker, erbjuder vi idag en kort, medvetet mycket nedskuren tidslinje över några av höjdpunkterna i den abstrakta skulpturens historia.

Abstrakt skulpturs fader

Constantin Brâncusi föddes i Rumänien 1876 när universum av europeisk konst i stort sett bestod av målning och skulptur, och båda var nästan helt figurativa. Även om den gradvisa utvecklingen mot abstraktion hade börjat, hade få professionella konstnärer ännu varit tillräckligt djärva för att försöka med ren abstraktion, eller ens definiera vad exakt det innebar. Brâncusi första erfarenhet av skulptering var helt praktisk, han snidade jordbruksredskap för att använda som barnarbetare. Även när han så småningom kom till konstskolan var han klassiskt utbildad. Men när Brâncusi lämnade Rumänien 1903 och slutligen kom till Paris, blev han involverad i den modernistiska diskussionen. Han instämde entusiastiskt i de idéer som cirkulerade om abstraktion, och kom snart fram till att skulpturens moderna syfte var att presentera "inte den yttre formen utan idén, essensen av saker."

År 1913 ställdes några av Brâncusis tidiga abstrakta skulpturer ut i New York City som en del av det årets Armory Show, utställningen som till stor del var ansvarig för att introducera modern konst i USA. Kritiker hånade offentligt hans skulptur Porträtt av Mademoiselle Pogany för, bland annat, att den såg ut som ett ägg. Tretton år senare skulle Brâncusi få det sista skrattet åt amerikanerna när en av hans skulpturer fick amerikansk federal lag att ändras. Det hände när en samlare köpte och försökte skicka in en av Brâncusis fågelskulpturer till USA, som på inget sätt liknade fåglar, utan snarare representerade flyg. Istället för att undanta den abstrakta skulpturen som konst, debiterade tulltjänstemännen samlaren en importskatt. Samlaren stämde, och vann, vilket resulterade i en officiell deklaration från de amerikanska domstolarna att något inte behövde vara representativt för att betraktas som konst.

Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris

Pablo Picasso och konsten av assemblage

Pablo Picasso var en annan viktig tidig pionjär inom området abstrakt skulptur, även om han kanske inte avsåg att vara det. Runt 1912 började Picasso utvidga sina idéer om kubism till den tredimensionella världen. Han började med att göra kollage, som på grund av deras lagerstruktur och användning av hittade material och föremål istället för färg redan hade en slags tredimensionell kvalitet. Sedan översatte han idén om kollage till full tredimensionell rymd genom att montera faktiska föremål, särskilt gitarrer, av material som kartong, trä, metall och tråd.

Traditionellt resulterade skulptur antingen från en form, eller från formning av massa som lera, eller från någon slags reduktiv process som snideri. Picasso utmanade av misstag den traditionen genom att skapa en skulptural föremål genom att sätta ihop disparata bitar av hittade material till en form. Dessutom chockade han folk genom att hänga denna sammansättning på väggen istället för att ställa den på en piedestal. Konstbesökare var förvirrade och till och med upprörda över Picassos gitarrer, och krävde att få veta om de var målningar eller skulpturer. Picasso insisterade på att de var varken eller, och sa: "Det är ingenting, det är gitarren!" Men oavsett om han hade avsett det eller inte, hade han utmanat den grundläggande definitionen av skulptur, och startat en av de längst varande debatterna om abstrakt konst.

Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA

Readymades

Så revolutionerande som konstnärer som Picasso och Brâncusi kan ha verkat för konstbetraktare under sin tid, är det intressant att notera att 1913 också är året då den dadaistiska konstnären Marcel Duchamp approprierade termen "readymade" för att beteckna konstverk bestående av funna objekt, signerade och utställda av en konstnär som deras verk. Enligt Duchamp kunde vanliga objekt "höjas till värdigheten av ett konstverk genom den blotta valet av en konstnär." År 1917 ställde Duchamp ut Fountain, kanske hans mest kända readymade, bestående av en urinbehållare placerad på sidan och signerad "R. Mutt."

Duchamp hade skapat Fontän för att skicka in till den första utställningen av New Yorks Society of Independent Artists, som hyllades som en helt öppen utställning av samtidskonst, utan jurys och utan priser. Verket avvisades bisarrt från utställningen, vilket orsakade uppror i konstsamfundet eftersom hela poängen med utställningen var att inte döma verket. Styrelsen för Society utfärdade ett uttalande om Fontän som sa, “det är, enligt ingen definition, ett konstverk.” Trots detta fortsatte verket att inspirera generationer av kreativa att komma.

En kopia gjord 1964 av Duchamps original 1917 Fountain

Faktura och Tektonika

År 1921 uppstod en grupp konstnärer kallad Den Första Arbetsgruppen av Konstruktivister i Ryssland. Målet med deras rörelse, som de kallade Konstruktivism, var att skapa en ren konst baserad på formella, geometriska, abstrakta principer som aktivt skulle involvera betraktaren. De skulpturala principerna för Konstruktivism delades upp i två separata element: faktura hänvisade till en skulpturs materiella egenskaper, och tektonika hänvisade till en skulpturs närvaro i tredimensionellt utrymme.

Konstruktivisterna trodde att skulptur inte behövde något ämne överhuvudtaget, och kunde anta helt abstrakta egenskaper. Allt som betydde något för dem var utforskningen av materialitet och rum. De var särskilt medvetna om hur ett objekt upptog utställningsutrymmet, samt hur det interagerade med rummet mellan det och betraktaren. Konstruktivistisk skulptur hjälpte till att definiera begreppen att en skulptur kunde innehålla och definiera rum förutom att helt enkelt upptaga rum, och att rummet i sig kunde bli en viktig del av verket.

Den första konstruktivistiska utställningen, 1921

Rita i rymden

I slutet av 1920-talet inkluderade den modernistiska abstrakta skulpturspråket dimensionella reliefer, funna objekt, geometrisk och figurativ abstraktion samt begreppet fullhet och tomhet i det fysiska rummet. De italienska futuristerna hade till och med försökt använda skulptur för att demonstrera rörelse, eller Dynamism, i verk som Umberto Boccioni’s Unika former av kontinuitet i rummet (behandlas mer ingående här). Men äran av att introducera faktisk rörelse i skulptur, och skapa en ny arena kallad Kinetisk skulptur, tillfaller Alexander Calder.

Calder utbildades som maskiningenjör och gick först senare på konstskola. Efter examen började han göra mekaniska leksaker och designade så småningom en hel mekanisk cirkus. Runt 1929 började han skapa delikata, lekfulla skulpturer av tråd, som han beskrev som "ritande i rymden." År 1930, när han lade till rörliga delar i sina trådskulpturer, kallade Marcel Duchamp dessa konstverk för "mobiler." Calders kinetiska mobiler har nu blivit den mest omedelbart igenkännliga delen av hans verk och inspirerade konstnärer som Jean Tinguely, skaparen av Metamechanics. De påverkade också kanske den mest produktiva modernistiska mästaren av "ritande i rymden", den venezuelanska konstnären Gego, som tog konceptet till elaborerade extremiteter på 1960-talet.

Gego, spatial trådskonstruktion, delvis installationsvy

Kombinationer och Ackumulationer

Under 1950-talet sprang konceptkonstnärer utifrån de idéer som banades av Picasso och Duchamp. Konceptet med det funna objektet blev allmänt förekommande när stora storstäder blev överbelastade med avfall och massproduktionen och konsumtionen av industriella produkter nådde nya höjder. Den tvärvetenskapliga konstnären Robert Rauschenberg inkorporerade grunderna i Picassos collage och assemblage med Duchamps koncept om funna objekt och konstnärens val för att skapa vad som blev hans signaturbidrag till abstrakt skulptur. Han kallade dem "Combines," och de var i huvudsak skulpturala assemblage gjorda av olika skräp, avfall och industriella produkter, genomtänkt kombinerade till en enda massa av konstnären.

Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation

Ungefär vid samma tidpunkt använde den konceptuella konstnären Arman, en av grundarna av Nouveau Realists, Duchamps idé om Readymade som en utgångspunkt för en serie skulpturala verk som han kallade Accumulations. För dessa verk samlade Arman multiplar av samma readymade-objekt och svetsade dem samman till en skulptural massa. Genom att använda produkter på detta sätt omkontextualiserade han idén om en readymade-produkt, och använde den istället som en abstrakt form, vilket tog bort dess tidigare betydelse och förvandlade den till något symboliskt och subjektivt.

Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman

Material och Process

Under 1960-talet började skulptörer allt mer fokusera på de rena formella aspekterna av sina verk. Som en slags avvisande av känslan och dramatiken hos sina föregångare, fokuserade skulptörer som Eva Hesse och Donald Judd på de råmaterial som ingick i deras arbete och de processer genom vilka deras objekt skapades. Eva Hesse var en pionjär i att arbeta med ofta giftiga industriella material som latex och glasfiber. 

Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich

Till skillnad från Hesse, vars teknik och individualitet tydligt framträdde i hennes skulpturformer, strävade Donald Judd efter att helt ta bort alla spår av konstnärens hand. Han arbetade för att skapa vad han kallade Specifika Objekt, objekt som transcenderade definitionerna av två- och tredimensionell konst, och som använde industriella processer och material, och som vanligtvis tillverkades av maskiner eller av arbetare som inte var konstnären.

Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd

Samtida Omni-Disciplinär Konst

Tack vare de framsteg som modernistiska skulptörer har gjort under de senaste 100+ åren, är idag en tid av fantastisk öppenhet inom abstrakt konst. Så mycket av den samtida praktiken är omni-disciplinär, vilket resulterar i spännande, polymorfa estetiska fenomen. Verken av många samtida abstrakta konstnärer har en så unik närvaro att de utmanar enkla etiketter som "målning", "skulptur" eller "installation". De modernistiska pionjärerna inom abstrakt skulptur är, i stor utsträckning, ansvariga för mycket av den öppenhet och frihet som samtida konstnärer njuter av, och för de otaliga sätt vi kan njuta av deras estetiska tolkningar av vår värld.

Utvald bild: Alexander Calder - Blå fjäder, 1948, kinetisk trådkonst, © Calder Foundation
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio