Skära i duken - Berättelsen om Lucio Fontana

Abstrakt konst skapar frågor, inte svar. Därför inbjuder den till angrepp. Inte alla gillar frågor. Människor önskar ofta från konsten endast tröst och skönhet. Men många abstrakta konstnärer är inte så mycket dekoratör-tröstare som filosof-vetenskapsmän: människor som söker att uppleva och tolka universum, inte bara klä upp det. Lucio Fontana var en sådan konstnär. Som grundare av en revolutionerande teknik kallad Spazialismo, eller Spatialism, var Fontana djupt bekymrad över de praktiska sätten att skapa konst som konfronterade de mystiska egenskaperna hos rymden. Han var nyfiken på hur former bebodde rymden, hur de kunde innehålla rymd, och hur man genom att eliminera massa kunde skapa rymd. Han var särskilt fascinerad av hur ett hål i en form kunde skapa ett tomrum genom vilket upplevelsen av rymd kunde utvidgas. Men Spazialismo var inte bara begränsat till sådana akademiska frågor. Som Fontana sa 1967, med hänvisning till det faktum att människor då rutinmässigt reste ut i rymden med raketer, “Nu i rymden finns det inte längre någon mätning. Nu ser du oändlighet… här är tomrummet, människan reduceras till ingenting… Och min konst är också helt baserad på denna renhet, på denna filosofi av ingenting, som inte är ett destruktivt ingenting, utan ett kreativt ingenting.”

Lucio Fontana och multidisciplinär konst

Det är en historisk brist att Lucio Fontana mestadels kallas målare. Han var utbildad som skulptör. Han föddes i Argentina 1899 av en far som skulpterade och som först lärde Lucio grunderna i sitt hantverk. Efter årtionden av arbete tillsammans med sin far flyttade Lucio till Milano 1927 och anmälde sig som skulpturstuderande vid Brera-akademin. Han hade sin första skulpturutställning vid 31 års ålder i ett galleri i Milano. Genom att kalla sig själv en abstrakt skulptör gick han med i konstnärsföreningen Abstraction-Création 1935, och på 1940-talet återvände han till Argentina där han undervisade i skulptur och fortsatte att skapa tredimensionella verk.

I sanning arbetade Fontana nästan uteslutande i skulpturens medium fram till 1948. Och även då, när han började skapa objekt som liknade målningar, insisterade han på att de inte var målningar utan snarare "en ny sak inom skulptur." Men även så, om vi skulle vara trogna Fontanas fulla avsikter som konstnär skulle vi inte kalla honom en skulptör heller. Vi skulle helt enkelt kalla honom en konstnär, och kanske en utforskare av rymden.

Lucio Fontana - Figur i spegel. Keramik. 24,5 x 15 x 13 cm. © Lucio Fontana

Det vita manifestet

År 1946 hade Fontana kommit till beslutet att definitionerna av skulptur och målning inte längre var tillräckliga för att rymma den teoretiska naturen av hans arbete. Han ledde en grupp av konstnärer och studenter i skapandet av vad han kallade Det vita manifestet, det första av flera dokument som Fontana skulle hjälpa till att skriva och som han hoppades skulle adressera behovet av en ny ansats till konst. Det vita manifestet uppmärksammade behovet av att konsten skulle vara i linje med andra intellektuella strävanden under den tiden. Det påpekade att nyligen vetenskapliga och filosofiska utvecklingar var fokuserade på idén om syntes, att olika idéer borde kombineras för att bilda en enad synpunkt.

Fontana förespråkade en liknande "syntetisk" metod för skapandet av konst, en som skulle syntetisera vad han kallade de "traditionella 'statiska' konstformerna" för att skapa en komplett metod för estetiskt uttryck som skulle "involvera den dynamiska principen av rörelse genom tid och rum." Med de idéer som uttrycktes i det Vita Manifestet, uppfann Fontana i grunden tvärvetenskaplig konst: perspektivet att en konstnär bör kunna arbeta i alla och envar medier, med vilken metod som helst som bäst passar en viss idé.

Lucio Fontana - Spatial Environment, belyst. © Lucio Fontana

Äventyr i rymden

I början av sin karriär hade Fontana blivit kritiserad för att måla sina abstrakta skulpturformer i högljudda, till synes slumpmässiga färger. Han svarade att han försökte använda färg för att engagera verken med sin omgivning, för att överbrygga rummet mellan objekt och betraktare. Han fortsatte att ta upp denna fråga under hela sin karriär. Han ville att rummet självt skulle manifestera sig som form och bli ämnet för sin konst. Men han kunde inte fastställa hur det skulle kunna åstadkommas. Som han en gång skrev i sin dagbok, “ingen form är spatial.”

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1949. © Lucio Fontana

Men 1949 upplevde Fontana genombrott som förde honom närmare sitt mål. Det första manifesterades som ett verk kallat Spatial Environment. För denna banbrytande insats mörklade Fontana ett rum där väggarna var målade svarta och hängde från taket abstrakta papier-mâché-former målade i neonlysande färger som lyste när de träffades av ultraviolett ljus. Han förvandlade utställningsutrymmet till en del av konstverket, och skapade ett verk som föregick installationskonst och Light and Space Movement med mer än ett decennium, men som ändå inbegrep många av deras koncept. Men ämnet för verket var fortfarande inte rymd, eftersom fokus på betraktarens upplevelse låg på de lysande skulpturala formerna.

Lucio Fontana - Spatial Concept, 1950. Akryl på duk. 69,5 x 99,5 cm. © Lucio Fontana

Rumsliga begrepp

Fontanas nästa genombrott tog hans arbete i en helt motsatt riktning. Istället för att omvandla ett helt rum till tomt utrymme och sedan fylla det med ett objekt, bestämde han sig för att ta ett objekt och använda det som en ingångspunkt till rymden. Han sträckte duk på stretcherbalkar som om han skulle göra en traditionell målning, och stack sedan hål genom duken med en kniv innan han applicerade ett monokromt lager färg.

Lucio Fontana - Concetto spaziale (56 P 8), 1956, med glaspärlor och stenar tillagda. © Lucio Fontana

Även om det tekniskt sett var en målning, fungerade hålen som tomrum i formen och erbjöd tillgång till utrymmet bakom duken. Denna enkla gest förvandlade målningen till en skulptur. Men även om detta i sig var revolutionerande och demonstrativt för hans idéer om tvärvetenskaplig konst, kände han fortfarande att det inte skapade form ur rummet. Så Fontana experimenterade med olika uttryck för den allmänna tanken. Han stack hål på ett sätt som skapade cirklar, trianglar och andra former på ytan. Han lade också till stenar, glas och kristaller till vissa dukar, vilket utvidgade ytan utåt i rummet samtidigt som det också öppnade upp utrymmet bortom.

Lucio Fontana - Concetto spaziale – Attesa, 1965. © Lucio Fontana

Ett enda snedstreck

På 1950-talet hade Fontana en uppenbarelse. Han började skära i sina dukar, verk som han kallade Tagli, eller snitt. Han utvecklade gradvis denna idé tills han 1959 kom fram till vad han ansåg vara den ultimata manifestationen av uttrycket: ett enda snitt genom en annars monokrom duk. Det var med denna gest som han uppnådde sitt mål att skapa form ur rum, och han sade 1968: “Min upptäckte var hålet och det är det. Jag är glad att gå till graven efter en sådan upptäckte.”

Fontana gav alla sina klippta objekt samma namn: Concetto Spaziale, eller Rymdkoncept. När han slutligen upptäckte enkelheten och elegansen i de långa snittarna gav han dessa målningar den ytterligare undertiteln attesa. På italienska betyder attesa väntan, eller hoppfull förväntan. Som det är tydligt, var Fontana inte bara intresserad av hur människor uppfattade och föreställde sig rymd. Han var intresserad av hur människor uppfattade och föreställde sig sig själva. Genom användningen av ett tomrum manifesterade han inte bara form ur rymden, han manifesterade också något annat, något både abstrakt och konkret: de hoppfulla förväntningarna på vad som ligger bortom ett konstverk.

Utvald bild: Lucio Fontana - Corrida, 1948. Målad keramik. © Lucio Fontana
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio