Joanne Freeman Intervju

Eleganta vita dukar prydda med endast några noggrant utformade slingor i olika färger, som utstrålar en viss rytm av lugn och harmoni. Less-is-more-principen är tydlig i verken av Joanne Freeman. Med bara några få effektiva linjer lyckas hon skapa en slagkraftig vision och fängsla betraktaren. IdeelArt hade en unik möjlighet att ställa några frågor till Joanne Freeman om hennes arbete, kreativa process och liv som konstnär. Vi diskuterade hennes tankar om sitt arbete, hur hon uppfattar relationen mellan skaparen och konsten, och mellan konsten och betraktaren. Så, njut av vår korta men insiktsfulla intervju med den mycket trevliga Joanne Freeman.

Du har studerat i Madison, Wisconsin, föreläst i Massachusetts, ställt ut vida omkring i USA och internationellt, och du bor och arbetar i New York City. Kan du berätta om hur ditt arbete påverkas av en känsla av plats?

Mitt arbete är starkt påverkat av plats. Som nämnts bor och arbetar jag i New York City, och den visuella och kulturella miljön har ett starkt inflytande på mitt arbete. Jag blir alltid förvånad när jag lämnar och återvänder, över vad jag lägger märke till. Tiden borta ger mig alltid ett förnyat perspektiv och en fräsch syn. Resor gör samma sak; när jag är i en annan miljö är jag öppen för saker som andra kan finna vardagliga genom vana. Jag kan räkna upp många av influenserna på arbetet, ibland direkt medan jag skapar det och ibland långt efteråt när jag betraktar det.

Hur påverkas ditt arbete av din egen kroppslighet?

Min arbetsprocess i ateljén är fysiskt ansträngande, särskilt när målningarnas storlek ökar. De skarpa linjerna i målningarna görs med en svepande rörelse av min arm från ena kanten av duken till den andra. Storleken på både de yttre stöden och de inre linjerna är relaterade till både processen och proportionerna av min kropp.

Du arbetar ibland på runda ytor. Med tanke på den fysiska karaktären av de gester du gör, hur utvecklas din kontakt med ytan när du möter ett cirkulärt utrymme?

Gesterna blir mer begränsade och kontrollerade när de kombineras med cirkulärt utrymme. De är mer avsiktliga, roterande och efterliknar dukens cirkulära form. Där jag i de större rektangulära målningarna utför stora svep som går utanför kanterna och antyder oändlighet, fokuserar de cirkulära verken inåt, framhäver formen och kanten på ytan, vilket bidrar till att objektifiera målningen.

En del av ditt arbete innebär att du begränsar din tillgång till ytan genom att tejpa av områden. Hur varierar ditt känslomässiga/intellektuella tillstånd när du möter ett sådant verk, jämfört med när du har full frihet att använda hela ytan?

Jag tror att du syftar på mina verk på papper där jag tejpar av områden och skapar färgformer, till skillnad från mina målningar som verkar mer öppna. Processen är faktiskt ganska lik mellan de två medierna och är ganska intuitiv. Jag placerar antingen en linje eller en form på ytan och bygger vidare på den. Med målningarna är kompositionen mer fast och mina val handlar mer om färgval. Den monokromatiska färg jag använder i teckningarna låter mig leka mer med kompositionen. Hur som helst har jag förenklat språket, satt gränser och begränsat mina val, vilket paradoxalt nog ger mer frihet.

Du har nämnt att du påverkas av arbeten av reduktiva konstnärer. Kan du nämna några av de konstnärer vars verk du beundrar, och berätta om de frågor de hjälpt dig att finna eller besvara?

Jag tittar mycket på konstnärers verk, några som dyker upp är: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi och Ellsworth Kelly. Jag beundrar verk av konstnärer vars arbeten verkar enkla och monumentala, men samtidigt hyllar det handgjorda och lekfulla. Det är lite av en paradox, processen med reduktiv målning, eftersom man måste gå igenom mycket arbete och överdrift för att nå ett enkelt ärligt uttryck. Jag ifrågasätter mina reaktioner på mina föregångares verk och försöker hitta modet att säga mer med mindre.

Vad upplever du intellektuellt under den fysiska handlingen att skapa reduktiva bilder?

Jag försöker agera reflexmässigt i ateljén genom att kontrollera kritiska bedömningar och försöka göra omdömen instinktivt, baserat på informationen framför mig. Kanoniseringen av konstnärer och de starka influenserna från konsthistorien kan leda till en situation som beskrivits för mig som Mona Lisa-syndromet, där mytologin kring ett verk överskuggar en ärlig reaktion på det. Jag har internaliserat ett reduktivt bildspråk som fungerar för mig baserat på dess konsthistoriska föregångare; rysk konstruktivism, Bauhausskolan, neoplastisk konst, och mindre uppenbart, den tidiga kristna konsten av Giotto och Fra Angelico vid klostret San Marco. Dessa lärdomar tillsammans med influenser från mer samtida konstnärer är alltid med mig i ateljén. Förhoppningsvis leder detta inlärda gemensamma språk till en unik tolkning.

Vad hoppas du att betraktaren ska uppleva när hen möter ditt verk?

Konstigt nog, eftersom jag är så involverad i skapandeprocessen, kan jag ha svårt att verkligen se verket i stunden. Jag har haft upplevelsen att se mitt arbete några år senare i någon annans hem eller i en annan institutions sammanhang. I det ögonblicket är det alltid trevligt att tänka, ”åh wow, det fungerar”. Jag skulle hoppas på samma sak för en betraktare.

Joanne Freeman

Utvald bild: Fotografi taget av Joanne Freemans serie ''Covers'' på Art on Paper, Kathryn Markel monter, Pier 36, New York, NY. 4–6 mars – Med tillstånd av konstnären