Joanne Freeman Intervju

Eleganta vita dukar prydda med endast några noggrant utformade slingor i olika färger, som utstrålar en viss rytm av lugn och harmoni. Principen less-is-more är tydlig i verken av Joanne Freeman. Med endast några få effektiva linjer lyckas hon bygga en slående vision och fängsla betraktaren. IdeelArt hade en unik möjlighet att ställa några frågor till Joanne Freeman om hennes arbete, kreativa process och liv som konstnär. Vi diskuterade hennes tankar om hennes arbete, hur hon uppfattar relationen mellan skaparen och konsten, och mellan konsten och betraktaren. Så, njut av vår korta, men insiktsfulla, intervju med den mycket trevliga Joanne Freeman. 

"Du har studerat på college i Madison, Wisconsin, föreläst i Massachusetts, ställt ut brett i USA och internationellt, och du bor och arbetar i New York City. Kan du prata om hur ditt arbete påverkas av en känsla av plats?"

Mitt arbete är starkt påverkat av plats. Som nämnts bor och arbetar jag i New York City, och det visuella och kulturella klimatet har en stark inverkan på mitt arbete. Jag blir alltid överraskad när jag lämnar och återvänder, av vad jag lägger märke till. Tiden borta ger mig alltid ett förnyat perspektiv och en fräsch syn. Resor gör samma sak, när jag är i en annan miljö är jag öppen för saker som andra kanske tycker är vardagliga genom bekantskap. Jag kan återberätta många av influenserna på arbetet, ibland direkt när jag skapar det och ibland långt efteråt när jag betraktar det.

Hur påverkas ditt arbete av din egen fysiska kropp?

Min process i studion är fysiskt ansträngande, särskilt när skalan på målningarna ökar. De hårda kantlinjerna i målningarna skapas av svepet av min arm från en kant av duken till den andra. Storleken på både de externa stöden och de inre linjerna är relaterad till både processen och proportionerna av min kropp.

"Du arbetar ibland med runda ytor. Med tanke på den fysiska naturen av de gester du gör, hur utvecklas din koppling till ytan när du ställs inför cirkulärt utrymme?"

Gesterna blir mer begränsade och kontrollerade när de kombineras med cirkulär rymd. De är mer avsiktliga och roterar samt imiterar den cirkulära formen av duken. Där jag i de större rektangulära målningarna utför stora svep som går utanför kanterna och antyder oändlighet, centrerar de cirkulära verken sig själva, vilket framhäver formen och kanten av ytan, vilket bidrar till att objektifiera målningen.

"En del av det arbete du gör innebär att du begränsar din tillgång till ytan genom att tejpa av områden. Hur varierar ditt känslomässiga/intellektuella tillstånd när du konfronterar ett sådant arbete, jämfört med när du har full frihet att få tillgång till hela ytan?"

Jag tror att du syftar på mina verk på papper där jag tejpar av områden och skapar färgformer, i motsats till mina målningar, som verkar mer öppna. Processen är faktiskt ganska likartad mellan de två medierna och är faktiskt ganska intuitiv. Jag placerar antingen en linje eller en form på ytan och bygger vidare på den. Med målningarna är kompositionen mer fast och mina val handlar mer om färgval. Den monokromatiska färg jag använder i teckningarna tillåter mig att leka mer med kompositionen. Oavsett har jag skurit ner språket, satt gränser och begränsat mina val, vilket paradoxalt nog ger mer frihet.

"Du har nämnt att du blivit påverkad av arbetet hos reduktiva konstnärer. Kan du nämna några av de konstnärer vars arbete du beundrar, och prata om de frågor de har hjälpt dig att hitta eller besvara."

Jag tittar på mycket konstnärers arbete, några som kommer att tänka på är: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi och Ellsworth Kelly. Jag beundrar arbetet av konstnärer vars verk verkar minimala och monumentala, men som samtidigt firar det hantverksmässiga och fantasifulla. Det är lite av en Catch-22, processen av reduktiv målning, eftersom man måste gå igenom mycket arbete och överdrift för att nå ett enkelt ärligt uttalande. Jag ifrågasätter mina reaktioner på mina föregångares arbete, och försöker hitta självförtroendet att säga mer med mindre.

Vad upplever du intellektuellt under den fysiska handlingen av reduktiv bildskapande?

Jag försöker agera reflexivt i studion genom att kontrollera kritiska bedömningar och försöka göra omdömen visceralt, baserat på informationen framför mig. Kanonisering av konstnärer och de kraftfulla influenserna från konsthistorien kan leda till en situation som beskrevs för mig som Mona Lisa-syndromet, där mytologin kring ett verk överskuggar en ärlig reaktion på det. Jag har internaliserat ett reduktivt visuellt språk som fungerar för mig baserat på dess konsthistoriska föregångare; rysk konstruktivism, Bauhaus-skolan, neo-plasticism och mindre uppenbart, den tidiga kristna konsten av Giotto och Fra Angelico, vid San Marco-klostret. Dessa lärdomar tillsammans med influenser från mer samtida konstnärer är alltid med mig i studion. Förhoppningsvis leder detta inlärda gemensamma språk till en unik tolkning.

Vad hoppas du att betraktaren kommer att uppleva när de möter ditt verk?

Konstigt nog, eftersom jag är så involverad i processen att skapa mitt arbete, kan jag ha svårt att faktiskt se det i stunden. Jag har haft upplevelsen av att se mitt arbete några år senare i någon annans hem eller i kontexten av en annan institution. I det ögonblicket är det alltid trevligt att tänka, "åh wow, det fungerar". Jag skulle hoppas på samma sak för en betraktare.

Joanne Freeman

Utvald bild: Fotografi taget av Joanne Freemans ''Covers''-serie på Art on Paper, Kathryn Markel-båset, Pier 36, New York, NY. 4-6 mars - Med vänlig hälsning från konstnären