Louise Bourgeois Konst och Formens Reduktion

För dem som ser abstrakt konst som en väg mot ett mer inåtblickande och meningsfullt liv, var Louis Bourgeois förkroppsligandet av en idealbild. Men inte på grund av hennes utmärkelser eller priser, eller den berömmelse hon uppnådde: tvärtom. Det är för att Louis Bourgeois konst talar till det som är relevant i våra vardagsliv. För att parafrasera Gichin Funakoshi, den moderna karatens fader, när vi inser hur något relaterar till våra vardagsliv, är det då vi upptäcker dess väsen. Konstvärlden definieras alltför ofta av manifest och delas upp i rörelser, epoker och stilar. Konstnärer kategoriseras alltför ofta efter kön, ras, nationalitet och utbildningsbakgrund. Vi glömmer lätt att konstens verkliga värde finns bortom sådana småaktiga överväganden. Louise Bourgeois konstverk reser sig självsäkert över klassificeringar. Hennes estetiska bidrag bebor uppriktigt ett rum som är både figurativt och symboliskt. Det är groteskt och ändå upphöjt. Hon utforskade varje tänkbar disciplin, utan att fästa sig vid någon särskild trend, och uppfann ändå några trender på vägen. Under en sju decennier lång karriär uppnådde hon vad få andra abstrakta konstnärer gjort: hon skapade personlig konst som var universell.

Motsägelsefulla krafter

Louise Bourgeois föddes i en familj full av motsägelser. Hennes far var en framgångsrik försörjare, men han var också det största hotet mot Louises trygghet. Hennes föräldrar var partners i affärer och i livet, men hennes far ägnade sig utan ursäkt åt sexuella affärer som hotade stabiliteten i båda. Louises boende barnflicka och handledare, som skulle vara en beskyddare och vägledare, var i själva verket hennes fars älskarinna. Louises mor, väverska i familjens textilföretag, var en kärleksfull, beskyddande kraft och hennes ivrigaste försvarare, men var också fysiskt svag och dog ung.

Under hela sin ungdom bevittnade Louise den dagliga brutaliteten i ett hem som samtidigt definierades av och hotades av tillgivenhet. Hon upplevde den råa sanningen om människans karaktärs bräcklighet. Hon kände avund, raseri, rädsla, ensamhet och förvirring. Ändå saknade hon aldrig skydd, mat, kläder eller skolgång. Hon var älskad och omhuldad, åtminstone av en förälder. När hennes mor dog var Louise 21 år och studerade matematik vid universitetet. Istället för att fortsätta på den vägen, vilket var hennes fars önskan för henne, blev Louise inspirerad av sin mors bortgång att dramatiskt förändra sitt liv. Hon banade en väg som skulle tillåta henne att konfrontera och uttrycka sina känslor. Hon övergav matematiken och ägnade sig istället åt att leva som konstnär.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, silvernitratpatina. 33 × 41,9 × 19,7 cm; 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tum. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik och psykoterapi

I sex år efter sin mors död studerade Louise konst och fick en praktisk utbildning genom att besöka framgångsrika konstnärers ateljéer och hjälpa till med deras utställningar. Vid 27 års ålder öppnade hon kortvarigt en butik i ett hörn av sin fars textilaffär, där hon sålde konsttryck. Han tillät henne att använda utrymmet eftersom det var ett affärsprojekt. En dag i butiken inledde hon ett samtal med en samlare. Sedan, som hon uttryckte det, ”mellan samtal om surrealism och de senaste trenderna,” gifte de sig.

Den samlaren råkade vara Robert Goldwater, en respekterad konsthistoriker från Amerika. Robert och Louise flyttade till New York där Louise fortsatte att studera konst och utvidgade sitt estetiska uttryck. Påverkad av surrealismen och psykoterapins begrepp vände sig Louise till sin traumatiska barndom som ämne för sin konst. Hon utvecklade ett symboliskt formspråk baserat på en kombination av sina minnen och sina drömmar.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Gjutet och polerat brons. 11,4 × 22,9 × 15,2 cm; 4 1/2 × 9 × 6 tum. Upplaga 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Louise Bourgeois symbolik

Louises symboliska bildspråk bestod av personliga bilder som för henne hade uppenbar mening. Men för betraktarna verkade hennes konst vild, djärv, abstrakt och till och med chockerande. En av Louises vanligaste symboliska former var spindeln. Redan på 1940-talet började Louise införliva spindlar och nät i teckningar och tryck, och producerade till och med en serie abstrakta, nätinspirerade virkade verk. Hon förklarade att spindlar var en symbolisk hänvisning till hennes mor. Hennes mor var väverska, och liksom hennes mor är spindlar beskyddare eftersom de äter myggor som sprider sjukdomar.

Så småningom tog hennes spindelformer monumental skala och nådde sin höjdpunkt med en 9 meter hög skulptur med titeln Maman. Förutom spindlar inkluderade Bourgeois symboliska bildspråk burar, hus, manliga och kvinnliga könsorgan, hushållsartiklar som stolar och kläder, och hon avbildade också ofta biomorfa former som liknar kroppsdelar. Ett av hennes mest kända verk heter Faderns förstörelse och visar ett urval av föremål som liknar organ och kött utspridda på ett bord, omgivna av klot som väcker associationer till en jättelik öppen mun full av tänder.

Louise Bourgeois - Spindel, 1997. Stål, gobeläng, trä, glas, tyg, gummi, silver, guld och ben. 449,6 × 665,5 × 518,2 cm; 177 × 262 × 204 tum. © 2018 The Easton Foundation

Isolerade tillsammans

Den röda tråden genom hela Bourgeois verk är att alla hennes bilder relaterar till hennes privata, personliga erfarenheter. En av de starkaste känslor hon ville dela med sina betraktare var samspelet mellan gemenskap och isolering. På 1940-talet skapade hon en serie skulpturala former som refererade till olika personer hon kände. Hon visade formerna på sätt som verkade slumpmässiga. Men gradvis, när man betraktar arrangemangen, börjar de enskilda formerna uttrycka sina egenskaper och var och en får en egen personlighet tills en känsla av samspel utvecklas mellan dem.

Känslor av gemenskap och isolering är också centrala i en serie skulpturala föremål som Bourgeois gjorde på 1950-talet, en tid då hon fokuserade på livets mjukare sida inspirerad av sin make och sina barn. Föremål som Night Garden, Cumul I och Clamart Other skildrar var och en en samling former. Samlingarna verkar organiska, men de tycks också föreställa enheter som samlats för skydd eller tröst.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (gjuten 1991). Brons och rostfritt stål. 171,5 × 30,5 × 30,5 cm; 67 1/2 × 12 × 12 tum. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Bortom etiketter

Även om många av Bourgeois verk verkar figurativa är kärnan i hennes arbete att det är symboliskt och personligt. Hon avbildade ofta nakenhet och fokuserade på den kvinnliga kroppen, men hon var bestämd i att förneka att hennes verk innehöll några sociala eller politiska budskap. Hon var kvinna, och sexualitet var en stark kraft i hennes uppväxt; det fanns liten eller ingen social eller politisk agenda i sådana bilder. Ändå har hon på grund av de starka bilderna i mycket av sitt arbete ofta förknippats med feministisk och HBTQ-konst. Även om hon kanske inte skulle motsätta sig en sådan tolkning om hon levde idag, har hon också tydligt sagt att hennes mål inte var att ta upp några av dessa frågor i sitt arbete. Hon sade en gång, ”Mitt arbete handlar om problem som är före kön. Till exempel är avundsjuka varken manlig eller kvinnlig.”

Det är rimligt att betrakta Bourgeois verk på en personlig nivå. Trots allt är hennes symbolik relaterad till hennes egna erfarenheter. Ändå kan var och en av oss hitta något i den att relatera till. Om vi är öppna kan vi acceptera den ur ett större visdomsperspektiv. När vi kan se en kropp utan att tänka i termer av manligt eller kvinnligt blir vi mindre isolerade och mer universellt mänskliga. När vi tillåter oss att ta till oss både lidandet och kärleken från våra medmänniskor, blir slutresultatet ett mervärde för både deras och vår egen erfarenhet.

Framträdande bild: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Brons, polerad patina. 83,8 × 101,6 × 58,4 cm; 33 × 40 × 23 tum. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio