Louise Bourgeois Konst och Formens Reduktion

För dem som ser abstrakt konst som en väg mot ett mer introspektivt och meningsfullt liv var Louise Bourgeois en förkroppsligad idealbild. Men inte på grund av sina hedersutmärkelser eller priser, eller den berömmelse hon uppnådde: snarare tvärtom. Det beror på att Louise Bourgeois konst talar till det som är relevant i våra vardagsliv. För att parafrasera Gichin Funakoshi, den moderna karatens fader: när vi inser hur något hänger samman med våra vardagsliv, är det då vi upptäcker dess kärna. Konstvärlden definieras alltför ofta av manifest och delas upp i rörelser, epoker och stilar. Konstnärer kategoriseras alltför ofta efter kön, ras, nationalitet och utbildningsbakgrund. Vi glömmer lätt att konstens verkliga värde existerar bortom sådana småaktiga hänsyn. Louise Bourgeois konstverk reser sig självsäkert över klassificeringar. Hennes estetiska bidrag bebor uppriktigt ett rum som är både figurativt och symboliskt. Det är groteskt och ändå sublimt. Hon utforskade varje tänkbar disciplin, knöt sig aldrig till någon särskild trend och uppfann ändå några trender på vägen. Under en sju decennier lång karriär uppnådde hon något som få andra abstrakta konstnärer har gjort: hon skapade personliga konstverk som var universella.

Motsägelsefulla krafter

Louise Bourgeois föddes in i en familj av motsägelser. Hennes far var en framgångsrik försörjare, men han var också det största hotet mot Louises trygghet. Hennes föräldrar var affärs- och livspartners, men hennes far hade utan ursäkt sexuella förbindelser som hotade stabiliteten för dem båda. Louises inneboende barnskötare och lärare, som förväntades vara hennes beskyddare och vägledare, var i själva verket hennes fars älskarinna. Louises mor, som vävde för familjens textilverksamhet, var en kärleksfull och beskyddande kraft och hennes främsta försvarare, men var också fysiskt svag och dog så småningom ung.

Under hela sin uppväxt bevittnade Louise den dagliga brutaliteten i ett hem som samtidigt präglades av och hotades av tillgivenhet. Hon upplevde den råa sanningen om människokaraktärens skörhet. Hon kände svartsjuka, raseri, rädsla, ensamhet och förvirring. Ändå saknade hon aldrig tak över huvudet, mat, kläder eller skolgång. Hon var älskad och omhuldad, åtminstone av den ena föräldern. När hennes mor dog var Louise 21 år och studerade matematik på universitetet. I stället för att fortsätta på den vägen, vilket var hennes fars önskan för henne, inspirerades Louise av moderns bortgång att förändra sitt liv drastiskt. Hon slog in på en väg som gjorde det möjligt för henne att konfrontera och uttrycka sina känslor. Hon övergav matematiken och ägnade sig i stället åt att leva som konstnär.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, patina av silvernitrat. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tum; 33 × 41.9 × 19.7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik och psykoterapi

Under de sex år som följde efter moderns död studerade Louise konst och skaffade sig en praktisk utbildning genom att besöka framgångsrika konstnärers ateljéer och hjälpa till med deras utställningar. Vid 27 års ålder öppnade hon kortvarigt en butik i ett hörn av sin fars textilaffär, där hon sålde konsttryck. Han lät henne använda utrymmet eftersom det var ett affärsprojekt. En dag i butiken började hon prata med en samlare. Sedan, som hon själv uttryckte det, ”mellan samtal om surrealism och de senaste trenderna” gifte de sig.

Samlaren var Robert Goldwater, en respekterad amerikansk konsthistoriker. Robert och Louise flyttade till New York, där Louise fortsatte att studera konst och utvidgade sin estetiska produktion. Påverkad av surrealismen och psykoterapins idéer vände sig Louise till sin traumatiska barndom för att hitta motiv till sin konst. Hon utvecklade ett symboliskt formspråk baserat på en kombination av sina minnen och drömmar.

Louise Bourgeois - Give or Take (How Do You Feel This Morning), 1990. Gjutet och polerat bronsskulpturverk. 4 1/2 × 9 × 6 tum; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Upplaga 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Louise Bourgeois symbolik

Louises symboliska bildspråk bestod av personliga bilder som hade en uppenbar betydelse för henne. Men för betraktarna verkade hennes konst vild, djärv, abstrakt och till och med chockerande. En av Louises vanligaste symboliska former var spindeln. Redan på 1940-talet började Louise införliva spindlar och nät i teckningar och tryck, och hon skapade även en serie abstrakta, nätinspirerade virkade verk. Hon förklarade att spindlarna var en symbolisk hänvisning till hennes mor. Hennes mor var väverska, och liksom hennes mor var spindlar beskyddare eftersom de äter myggor, som sprider sjukdomar.

Med tiden fick hennes spindelformer en monumental skala och nådde sin höjdpunkt med en nio meter hög skulptur med titeln Maman. Utöver spindlar omfattade Bourgeois symboliska bildspråk burar, hus, manliga och kvinnliga könsorgan, hushållsföremål som stolar och kläder, och hon avbildade också ofta biomorfa former som liknar kroppsdelar. Ett av hennes mest berömda verk heter The Destruction of the Father och föreställer ett urval av föremål som liknar organ och kött, utspridda på ett bord och omgivna av klot som för tankarna till en jättelik öppen mun full av tänder.

Louise Bourgeois - Spider, 1997. Stål, gobeläng, trä, glas, tyg, gummi, silver, guld och ben. 177 × 262 × 204 tum; 449.6 × 665.5 × 518.2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolerade tillsammans

Den gemensamma tråden genom hela Bourgeois verk är att alla hennes bilder hänger samman med hennes privata, personliga erfarenheter. En av de starkaste känslor hon ville förmedla till sina betraktare var samspelet mellan gemenskap och isolering. På 1940-talet skapade hon en serie skulpturala former som hänvisade till olika människor hon kände. Hon ställde ut formerna på sätt som verkade slumpmässiga. Men gradvis, när man betraktar arrangemangen, börjar de enskilda formerna uttrycka sina egenskaper och får var och en en egen personlighet, tills en känsla av samspel växer fram mellan dem.

Känslor av gemenskap och isolering är också centrala i en serie skulpturala objekt som Bourgeois skapade på 1950-talet, en tid då hon fokuserade på livets mjukare sida, inspirerad av sin make och sina barn. Objekt som Night Garden, Cumul I  och Clamart Other skildrar var och en en samling former. Samlingarna verkar organiska, men tycks också föreställa gestalter som har slutit sig samman för skydd eller tröst.

Louise Bourgeois - Knife Couple, 1949 (gjuten 1991). Brons och rostfritt stål. 67 1/2 × 12 × 12 tum; 171.5 × 30.5 × 30.5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Bortom etiketter

Även om många av Bourgeois verk verkar figurativa är kärnan i hennes konst att den är symbolisk och personlig. Hon avbildade ofta nakenhet och fokuserade på den kvinnliga formen, men hon var tydlig med att förneka alla sociala eller politiska budskap i sitt arbete. Hon var kvinna, och sexualitet var en stark kraft under hennes uppväxt; det fanns liten eller ingen social eller politisk agenda bakom sådana bilder. Trots detta har hon, på grund av de kraftfulla bilderna i så mycket av hennes verk, ofta förknippats med feministisk konst och hbtqi-konst. Även om hon kanske inte skulle motsätta sig en sådan representation om hon levde i dag, uttalade hon också tydligt att hennes syfte inte var att behandla någon av dessa frågor i sitt arbete. Hon sade en gång: ”Mitt arbete handlar om problem som föregår kön. Svartsjuka är till exempel varken manlig eller kvinnlig.”

Det är rimligt att betrakta Bourgeois verk på ett personligt plan. All hennes symbolik är trots allt relaterad till hennes egna erfarenheter. Ändå kan var och en av oss hitta något att relatera till i den. Om vi är öppna kan vi ta emot den ur ett perspektiv av större visdom. När vi kan se en kropp utan att tänka i termer av man eller kvinna blir vi mindre isolerade och mer universellt mänskliga. När vi tillåter oss att berikas av både lidandet och kärleken hos våra medmänniskor blir slutresultatet ett mervärde för både deras erfarenhet och vår egen.

Utvald bild: Louise Bourgeois - Arch of Hysteria, 1993. Brons, polerad patina. 33 × 40 × 23 tum; 83.8 × 101.6 × 58.4 cm. The Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio 2016
Redigerad av IdeelArt (2026)