Louise Bourgeois Konst och Formens Reduktion

För dem som ser abstrakt konst som en väg mot ett mer introspektivt och meningsfullt liv, var Louis Bourgeois personifieringen av en ideal. Men inte på grund av hennes utmärkelser eller priser, eller den berömmelse hon uppnådde: tvärtom. Det är för att Louis Bourgeois konst talar till det som är relevant för våra vardagsliv. För att parafrasera Gichin Funakoshi, fadern till modern karate, när vi inser hur något relaterar till våra vardagsliv, det är då vi upptäcker dess essens. Konstvärlden definieras alltför ofta av manifest och delas upp i rörelser, epoker och stilar. Konstnärer kategoriseras alltför ofta efter kön, ras, nationalitet och utbildningsbakgrund. Vi glömmer lätt att konstens sanna värde existerar bortom sådana småaktiga överväganden. Louise Bourgeois konstverk stiger självsäkert över klassificeringar. Hennes estetiska bidrag bebor uppriktigt ett utrymme som är både figurativt och symboliskt. Det är groteskt och ändå sublima. Hon utforskade varje tänkbar disciplin, utan att knyta sig till någon särskild trend, och uppfann ändå några trender längs vägen. Under en karriär som sträcker sig över sju decennier uppnådde hon vad få andra abstrakta konstnärer har: hon skapade personlig konst som var universell.

Motsägelsefulla krafter

Louise Bourgeois föddes in i en familj av motsägelser. Hennes far var en framgångsrik försörjare, men han var också det största hotet mot Louises säkerhet. Hennes föräldrar var partners i affärer och i livet, men hennes far engagerade sig utan ursäkt i sexuella affärer som hotade stabiliteten för båda. Louises nanny och lärare, som påstås vara en beskyddare och vägledare, var i själva verket hennes fars älskarinna. Louises mor, en väverska för familjens textilföretag, var en kärleksfull, beskyddande kraft och hennes mest hängivna förespråkare, men var också fysiskt svag och dog så småningom ung.

Under hela sin ungdom bevittnade Louise den dagliga brutaliteten i ett hem som samtidigt definierades av och hotades av kärlek. Hon upplevde den råa sanningen om den mänskliga karaktärens bräcklighet. Hon kände avund, raseri, rädsla, ensamhet och förvirring. Ändå saknade hon aldrig skydd, mat, kläder eller utbildning. Hon var älskad och uppskattad, åtminstone av en förälder. När hennes mamma dog var Louise 21 år och studerade matematik på universitetet. Istället för att fortsätta på den vägen, som var hennes pappas önskan för henne, blev Louise inspirerad av sin mammas bortgång att dramatiskt förändra sitt liv. Hon banade en väg som skulle tillåta henne att konfrontera och uttrycka sina känslor. Hon övergav matematiken och ägnade sig istället åt att leva livet som konstnär.

Louise Bourgeois - FEMME, 2005. Brons, silvernitratpatina. 13 × 16 1/2 × 7 3/4 tum; 33 × 41,9 × 19,7 cm. © 2018 The Easton Foundation

Symbolik och Psykoterapi

I sex år efter att hennes mamma dog studerade Louise konst och fick en praktisk utbildning genom att besöka ateljéer hos framgångsrika konstnärer och hjälpa till med deras utställningar. Vid 27 års ålder öppnade hon kortvarigt en butik i ett hörn av sin pappas textilaffär, där hon sålde konsttryck. Han tillät henne att använda utrymmet eftersom det var ett affärsprojekt. En dag i butiken inledde hon en konversation med en samlare. Sedan, som hon uttryckte det, "mellan samtal om surrealism och de senaste trenderna," gifte de sig.

Den samlaren råkade vara Robert Goldwater, en respekterad konsthistoriker från Amerika. Robert och Louise flyttade till New York där Louise fortsatte att studera konst och utvidgade sitt estetiska skapande. Påverkad av surrealism och konceptet psykoterapi vände sig Louise till sin traumatiska barndom för ämnesmaterial till sin konst. Hon utvecklade ett symboliskt språk av former baserat på en kombination av sina minnen och sina drömmar.

Louise Bourgeois - Ge eller Ta (Hur Känner Du Dig I Morses), 1990. Gjuten och polerad brons skulptur. 4 1/2 × 9 × 6 tum; 11.4 × 22.9 × 15.2 cm. Upplaga 5/20. Caviar20, Toronto. © 2018 The Easton Foundation

Symboliken i Louise Bourgeois

Louises symboliska visuella språk bestod av personliga bilder som för henne hade uppenbar betydelse. Men för betraktarna verkade hennes konst vild, djärv, abstrakt och till och med chockerande. En av Louises vanligaste symboliska former var spindeln. Redan på 1940-talet började Louise inkorporera spindlar och nät i teckningar och tryck, och hon producerade till och med en serie abstrakta, nätinspirerade virkade verk. Hon förklarade att spindlar var en symbolisk referens till hennes mor. Hennes mor var väverska, och precis som hennes mor är spindlar beskyddare eftersom de äter myggor, som sprider sjukdomar. 

Så småningom tog hennes spindelformer en monumental skala, med ett klimax i en 9 meter hög skulptur med titeln Maman. Förutom spindlar inkluderade Bourgeois symboliska visuella språk burar, hus, manliga och kvinnliga genitalier, hushållsartiklar som stolar och kläder, och hon framställde också ofta biomorfa former som liknar kroppsdela. Ett av hennes mest kända verk heter The Destruction of the Father, och innehåller ett urval av föremål som liknar organ och kött utspridda på ett bord, omgivna av sfärer som väcker tankar på en gigantisk öppen mun full av tänder.

Louise Bourgeois - Spindel, 1997. Stål, gobeläng, trä, glas, tyg, gummi, silver, guld och ben. 177 × 262 × 204 tum; 449,6 × 665,5 × 518,2 cm. © 2018 The Easton Foundation

Isolerade tillsammans

Den gemensamma tråden som löper genom hela Bourgeois verk är att alla hennes bilder relaterar till hennes privata, personliga erfarenheter. En av de mest kraftfulla känslor hon strävade efter att dela med sina åskådare var den av samspelet mellan gemenskap och isolering. På 1940-talet skapade hon en serie skulpturala former som refererade till olika personer hon kände. Hon ställde ut formerna på sätt som verkar slumpmässiga. Men gradvis, när man ser på arrangemangen, börjar de individuella formerna uttrycka sina egenskaper och varje form får en individuell personlighet tills en känsla av interaktion utvecklas mellan dem.

Känslor av gemenskap och isolering är också integrerade i en serie skulpturala objekt som Bourgeois skapade på 1950-talet, en tid då hon fokuserade på livets mjukare sida inspirerad av sin man och sina barn. Objekt som Nattträdgård, Cumul I och Clamart Other skildrar var och en en samling av former. Samlingarna verkar organiska, men de verkar också skildra enheter som har samlats för skydd eller tröst.

Louise Bourgeois - Knivpar, 1949 (gjutning 1991). Brons och rostfritt stål. 67 1/2 × 12 × 12 tum; 171,5 × 30,5 × 30,5 cm. Hauser & Wirth. © 2018 The Easton Foundation

Bortom etiketter

Även om många av Bourgeois verk verkar figurativa, är essensen av hennes arbete att det är symboliskt och personligt. Hon skildrade ofta nakenhet och fokuserade på den kvinnliga formen, men hon var bestämd i att förneka några sociala eller politiska uttalanden i sitt arbete. Hon var kvinna, och sexualitet var en kraftfull kraft i hennes uppväxt; det fanns lite eller ingen social eller politisk agenda avsedd i sådan bildspråk. Ändå, på grund av de kraftfulla bilderna i så mycket av hennes arbete, har hon ofta identifierats med feministisk och LGBTQ-konst. Även om hon kanske inte skulle motsätta sig sådan representation om hon levde idag, har hon också tydligt uttalat att hennes mål inte var att ta upp några av dessa frågor i sitt arbete. Hon sa en gång, "Mitt arbete handlar om problem som är pre-gender. Till exempel, svartsjuka är inte manlig eller kvinnlig."

Det är rimligt att betrakta Bourgeois arbete på en personlig nivå. Trots allt är hennes symbolik relaterad till hennes egna erfarenheter. Ändå kan var och en av oss hitta något i det att relatera till. Om vi är öppna kan vi acceptera det från ett större visdomsperspektiv. När vi kan se en kropp och inte tänka i termer av man eller kvinna, blir vi mindre isolerade och mer universellt mänskliga. När vi tillåter oss att ta del av både lidandet och kärleken från våra medmänniskor, blir slutresultatet ett mervärde till både deras erfarenhet och vår egen.

Utvald bild: Louise Bourgeois - Hysteriark, 1993. Brons, polerad patina. 33 × 40 × 23 tum; 83,8 × 101,6 × 58,4 cm. Museum of Modern Art, New York. © 2018 The Easton Foundation
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio