Ruth Asawas Hängande Oden till Naturliga Former

Om du någonsin har stått mitt i en Ruth Asawa-installation, förstår du att det finns en konst utanför konsten; en konst som inte är skapad av teori, utan av direkt uttryck, instinkt och uppfinningsrikedom. Asawa skapade verk som fångade den eteriska skönheten i naturen. Hon sa att hon blev inspirerad av "att se ljus genom insektvingar, att se spindlar reparera sina nät tidigt på morgonen, och att se solen genom vattendroppar som hängde från spetsarna av tallnålar medan jag vattnade min trädgård." Sådana naturliga fenomen har en poetisk existens: de är här, men ändå flyktiga. Asawa fångade denna paradox i sin mest kända verk—hängande, biomorfa, metallformer vävda med en teknik som Asawa lärde sig av inhemska korgmakare i Mexiko. Formerna innesluter och definierar rummet, samtidigt som de tillåter luft och ljus att flöda fritt genom sina gränser. De kan ses och beröras, men är på vissa sätt lika immateriella som de ömtåliga skuggor de kastar. De är inte naturliga, men de antar naturens visuella och metafysiska språk. De respekterar naturen och lär sig av den—vilket gör dem till hoppfulla ambassadörer för vår generation. Under sin egen livstid blev Asawa ofta nedvärderad av misogynistiska konstkritiker som försökte förminska hennes vävda former, eftersom hon var kvinna som skapade vad som i deras ytligt tänkande liknade hantverksobjekt. Asawa existerade utanför räckhåll för deras småaktiga kritik. Hennes verk behövde ingen officiell validering; det behövde bara hitta sin publik. Det händer äntligen nu, sex år efter hennes död. David Zwirner-galleriet har nyligen skrivit avtal för att representera hennes egendom, en ökning som kommer att ge hennes verk välförtjänt global uppmärksamhet. Kanske lika betydelsefullt, Asawa blev nyligen hedrad i en Google-doodle för att inleda Asian American and Pacific Islander Heritage Month i USA. Doodlen visade fem av hennes biomorfa metalskulpturer som stavade ordet Google, med Asawa på marken som vävde det lilla g. För en konstnär som sa 2002 att hon inte var modern längre eftersom hon visste ingenting om teknik, är Google-doodlen en kuslig hyllning, men en som förhoppningsvis kommer att hjälpa till att upplysa nya fans om verken av en konstnär vars förståelse av naturen erbjuder inspiration när vi behöver det som mest.

Överleva okunnighet

Född 1926 i en liten jordbrukstad i Kalifornien, var Asawa bara tonåring när hon blev en av 120 000 japansk-amerikaner som arresterades och tvångsvis skickades till interneringsläger när USA gick in i andra världskriget. Hon var fängslad tillsammans med fem av sina sex syskon och sin mor. Hennes yngre syster, som råkade vara på besök i Japan när resten av familjen togs i förvar, tvingades stanna i Japan ensam. Hennes far, under tiden - en 60-årig bonde - arresterades av FBI och fängslades i ett annat läger, där han förblev åtskild från sin familj i två år. Mirakulöst nog hyste Asawa dock ingen bitterhet senare i livet för de svårigheter som denna upplevelse ådrog henne. Hon tillskriver till och med upplevelsen att ha förändrat hennes liv, eftersom det var i interneringslägret som hon ägnade sig åt att bli konstnär.

Ruth Asawa - Utan titel (S.069/90), 1990. Skulptur, koppartråd. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 tum). Michael Rosenfeld Gallery

Hennes konstruktiva syn på denna svåra upplevelse sträcker sig till hennes syn på hela kriget. Efter att ha lämnat lägret gick hon på Milwaukee State Teachers College, men fick inte undervisa i de offentliga skolorna på grund av sitt japanska arv. Den rasismen drev henne att anmäla sig till det experimentella Black Mountain College i North Carolina. Black Mountain College var där många av Bauhaus-lärarna flydde efter att ha blivit jagade från Tyskland av nazisterna. Asawa utbildade sig där i tre år och arbetade med de skarpaste sinnena inom konst, arkitektur, dans och musik, i vad som har beskrivits som en konstnärlig utopi. Asawa var snabb att påpeka att utan nazisternas plåga skulle en sådan skola aldrig ha existerat i USA. Det var bara för att dessa lärare blev utvisade från sitt hemland som de var villiga att arbeta för nästan ingen lön, odla jorden och laga sina egna måltider. Precis som med hennes egen erfarenhet i interneringslägren såg hon Black Mountain College som ett exempel på de fantastiska saker som kan komma från att göra det bästa av varje möjlighet i livet, även de smärtsamma.

Ruth Asawa - Utan titel (S.454/50), 1957. Skulptur, koppartråd. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 tum). Michael Rosenfeld Gallery

The Fountain Lady

Hennes konstruktiva syn på livet gjorde Asawa till en exceptionell konstnär, eftersom hon förstod nödvändigheten av att konsten har ett värde för mänskligheten. "Aktivism är slöseri," sa hon. "Det är bättre att arbeta med en idé och bygga på den än att bryta ner och protestera mot något som redan finns." Ett av de mest påverkningsfulla sätten hon fann att vara konstruktiv med sitt arbete var att skapa offentlig konst. I sin adopterade hemstad San Francisco var hon känd som "Fontänkvinnan," på grund av de många fontäner hon skapade runt om i staden. Kanske är hennes mest kända fontän den som föreställer en sjöjungfru och som ligger i Ghirardelli Square, framför det ikoniska Ghirardelli Chocolate Company. Fontänen som lokalbefolkningen älskar Asawa mest, kallas dock helt enkelt San Francisco Fountain, och den personifierar hennes engagemang för konstruktiv estetik.

Ruth Asawa- Detalj av fontänen i San Francisco på Union Square.

Fontänen är inbyggd i en anspråkslös trappa som leder till en liten fickpark nära Union Square. För att skapa den arbetade Asawa med barn från hela staden och bjöd in dem att skapa lermodeller som skildrar deras favoritdelar av San Francisco. Efter att barnen hade gjort modellerna lät Asawa lergjuten i brons för att bilda den låga reliefytan på fontänen. Asawa sade: "När jag arbetar med stora projekt, som en fontän, gillar jag att inkludera människor som ännu inte har utvecklat sin kreativa sida — människor som längtar efter att få utlopp för sin kreativitet." San Francisco-fontänen är något som vem som helst kan snubbla över. Den är lätt att förstå och talar om att vi alla är i detta tillsammans. Även om den inte liknar det arbete som Asawa är mest känd för, är den kanske det mest perfekta uttrycket för hennes konst: det är ett direkt, hoppfullt estetiskt uttryck, ett som inte styrs av akademisk teori, utan av en förståelse för vår natur — att vi alla är i detta tillsammans.

Utvald bild: Ruth Asawa - Utan titel (S.383, Väggmonterad bundet tråd, Öppen centrum, Sexuddig stjärna, med sex grenar), 1967. Hängande skulptur—brons tråd. 46 x 46 x 6 tum (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Visad på David Zwirner Gallery, 2017.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Phillip Barcio