Ruth Asawas Hängande Oden till Naturliga Former

Om du någonsin stått mitt i en Ruth Asawa-installation förstår du att det finns en konst utanför konsten; en konst skapad inte ur teori, utan ur direkt uttryck, instinkt och uppfinningsrikedom. Asawa skapade verk som fångade naturens eteriska skönhet. Hon sade att hon inspirerades av ”att se ljus genom insektsvingar, se spindlar reparera sina nät tidigt på morgonen och se solen genom vattendroppar som hänger från tallnålar medan jag vattnar min trädgård.” Sådana naturfenomen har en poetisk existens: de är här, men flyktiga. Asawa fångade detta paradox i sin mest berömda verkserie—hängande, biomorfa metallformer vävda med en teknik som Asawa lärde sig av ursprungsbefolkningens korgmakare i Mexiko. Former som omsluter och definierar rum, samtidigt som de tillåter luft och ljus att flöda fritt genom sina gränser. De kan ses och röras vid, men är på vissa sätt lika obeständiga som de sköra skuggor de kastar. De är inte naturliga, men de antar naturens visuella och metafysiska språk. De respekterar naturen och lär av den—vilket gör dem till hoppfulla budbärare för vår generation. Under sin livstid blev Asawa ofta förminskad av misogyna konstkritiker som försökte nedvärdera hennes vävda former, eftersom hon var kvinna och skapade vad deras ytliga sinnen uppfattade som hantverksföremål. Asawa befann sig utanför räckhåll för deras småaktiga kritik. Hennes verk behövde inte officiell bekräftelse; det behövde bara hitta sin publik. Det händer äntligen nu, sex år efter hennes död. David Zwirner-galleriet har nyligen tagit på sig att representera hennes arv, en skjuts som kommer att ge hennes verk välförtjänt global uppmärksamhet. Kanske lika betydelsefullt, Asawa hedrades nyligen i en Google-doodle för att inleda Asian American and Pacific Islander Heritage Month i USA. Doodlen visade fem av hennes biomorfa metallsulpturer som stavade ordet Google, med Asawa på marken som vävde det lilla g:et. För en konstnär som sade 2002 att hon inte längre var modern eftersom hon inte kunde något om teknik, är Google-doodlen en kuslig hyllning, men en som förhoppningsvis hjälper nya beundrare att förstå verken av en konstnär vars grepp om naturen ger inspiration när vi behöver det som mest.

Att överleva okunnighet

Född 1926 i en liten jordbruksstad i Kalifornien var Asawa bara tonåring när hon blev en av 120 000 japansk-amerikaner som arresterades och tvångsförflyttades till interneringsläger när USA gick in i andra världskriget. Hon fängslades tillsammans med fem av sina sex syskon och sin mor. Hennes yngre syster, som råkade befinna sig i Japan när resten av familjen togs i förvar, tvingades stanna kvar i Japan på egen hand. Hennes far, en 60-årig bonde, arresterades av FBI och sattes i ett annat läger, där han var åtskild från sin familj i två år. Mirakulöst nog hyllade Asawa senare i livet inte bitterhet över de svårigheter som denna erfarenhet medförde. Hon tillskriver till och med erfarenheten att ha förändrat hennes liv, eftersom det var i interneringslägret som hon bestämde sig för att bli konstnär.

Ruth Asawa - Untitled (S.069/90), 1990. Skulptur, koppartråd. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 tum). Michael Rosenfeld Gallery

Hennes konstruktiva syn på denna svåra erfarenhet sträcker sig till hennes syn på hela kriget. Efter att ha lämnat lägret studerade hon vid Milwaukee State Teachers College, men fick inte undervisa i offentliga skolor på grund av sitt japanska ursprung. Den rasismen drev henne att börja på det experimentella Black Mountain College i North Carolina. Black Mountain College var där många av Bauhauss lärarna flydde efter att ha jagats ut ur Tyskland av nazisterna. Asawa utbildade sig där i tre år och arbetade med de skarpaste hjärnorna inom konst, arkitektur, dans och musik, i vad som beskrivits som en konstnärlig utopi. Asawa påpekade dock snabbt att utan nazisternas plåga skulle en sådan skola aldrig ha funnits i USA. Det var bara för att dessa lärare blev utvisade från sitt hemland som de var villiga att arbeta nästan utan lön, odla marken och laga sin egen mat. Precis som med sin egen erfarenhet i interneringslägren såg hon Black Mountain College som ett exempel på de fantastiska saker som kan komma av att göra det bästa av varje möjlighet i livet, även de smärtsamma.

Ruth Asawa - Untitled (S.454/50), 1957. Skulptur, koppartråd. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 tum). Michael Rosenfeld Gallery

Fontänkvinnan

Hennes konstruktiva livssyn gjorde Asawa till en enastående konstnär, eftersom hon förstod nödvändigheten av att konsten har värde för mänskligheten. ”Aktivism är slöseri,” sade hon. ”Det är bättre att arbeta med en idé och bygga vidare på den än att riva ner och protestera mot något som redan finns.” Ett av de mest betydelsefulla sätten hon fann för att vara konstruktiv med sitt arbete var att skapa offentlig konst. I sitt nya hem i San Francisco var hon känd som ”Fontänkvinnan” på grund av de många fontäner hon skapade runt om i staden. Kanske är hennes mest berömda fontän sjöjungfrufontänen som står på Ghirardelli Square, framför det ikoniska Ghirardelli Chocolate Company. Den fontän som lokalbefolkningen älskar Asawa mest för, är dock helt enkelt kallad San Francisco Fountain, och den är ett uttryck för hennes engagemang för konstruktiv estetik.

Ruth Asawa - Detalj av San Francisco-fontän i Union Square.

Fontänen är inbyggd i en anspråkslös trappa som leder till en liten park nära Union Square. För att skapa den arbetade Asawa med barn från hela staden och bjöd in dem att skapa lerfigurer som föreställde deras favoritdelar av San Francisco. Efter att barnen gjort modellerna lät Asawa gjuta lerformerna i brons för att bilda fontänens lågreliefyta. Asawa sade: ”När jag arbetar med stora projekt, som en fontän, tycker jag om att inkludera människor som ännu inte utvecklat sin kreativa sida—människor som längtar efter att få släppa ut sin skaparkraft.” San Francisco Fountain är något vem som helst kan råka på. Den är lätt att förstå och talar om att vi alla är tillsammans i detta. Även om den inte liknar de verk Asawa är mest känd för, är den kanske det mest fulländade uttrycket för hennes konst: ett direkt, hoppfullt estetiskt uttryck, styrt inte av akademisk teori, utan av en förståelse för vår natur—att vi alla är tillsammans i detta.

Framträdande bild: Ruth Asawa - Untitled (S.383, Väggmonterad bunden tråd, öppen mitt, sexuddig stjärna med sex grenar), 1967. Hängande skulptur—bronstråd. 46 x 46 x 6 tum (116,8 x 116,8 x 15,2 cm). Visad på David Zwirner Gallery, 2017.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio