Avklädning av duken - Farväl till Ron Gorchov

Under en intervju 2017 med den schweiziska kuratorn Hans Ulrich Obrist gav den amerikanska målaren Ron Gorchov (1930 - 2020) följande råd till unga konstnärer: “Var desperat och tålmodig.” Det som till synes är en oxymoronisk uttalande fångar perfekt den attityd med vilken Gorchov, som dog tidigare denna månad, närmade sig sin praktik. Född i Chicago 1930, flyttade hans familj från stad till stad mer än ett dussin gånger under den stora depressionen när hans entreprenörsinriktade far sökte arbete. Omständigheterna kan ha gjort dem desperata efter pengar, men hans far lärde Gorchov att se pengar som separata från syfte. Hans familj var utfattig, säger Gorchov, men aldrig fattig. Gorchov arbetade som livräddare när han först flyttade till New York på 1950-talet, och senare undervisade han i konst: jobb som gav honom den tid han behövde för att närma sig sin konst med den tålamod den förtjänade. Hans vägledande princip var att konstnärer alltid borde skapa verk för nästa århundrade, inte det århundrade de lever i. Hans idé för att föra måleriet framåt in i 2000-talet var att kombinera det, i precis rätt mängd, med skulptur och arkitektur. “För mig,” sa Gorchov, “är essensen av skulptur massa. I arkitektur känner man volym. Och måleri betonar yta.” De “sadelformade” målningarna som han blev känd för var hans lösning på problemet. Redan 1949 hade Gorchov tanken att målerivärlden hade blivit för fäst vid idén om rektangeln, en fästning som påskyndades av Piet Mondrian, som Gorchov resonerade hade uttömt formen. Gorchov övervägde olika alternativ för att förändra plattheten hos en typisk rektangulär duk, såsom att placera en tennisboll bakom den för att skapa en utbuktning. Det tog honom 19 år att utveckla de “sadelstänger” han använde för att skapa sina nu ikoniska konvexa, böjda målytor. Hans första sadelformade målning, som han gjorde 1968, heter “Mine”—ett dubbeltydigt uttryck som hänvisar till att han såg verket som unikt hans, och också såg det som en potentiell guldgruva full av oupptäckta kreativa möjligheter.

Abstrakt eller Konkret

De flesta åskådare anser att Gorchovs arbete är abstrakt. Men hans gallerist John Cheim, huvudansvarig och utställningsdirektör på Cheim & Read-galleriet – som har ett ansett rykte för att arbeta med jättar inom abstraktionen som Joan Mitchell, Milton Resnick och Louis Fishman – hävdar att Gorchov inte bör ses som helt abstrakt. "Formerna har en stark relation till Giorgio Morandis arbete. Gorchov är inte en helt abstrakt målare, precis som Morandi inte är helt figurativ," säger Cheim. Galleridirektör Stephen Truax tillägger: "Ron använde saker han såg och stötte på i verkliga livet som inspiration för de former han använde i sina abstraktioner."

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, Olja på linne, 85 x 75 x 13 tum, 215.9 x 190.5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alla konstverk bilder med tillstånd av konstnären och Cheim & Read, New York.

En ledtråd till det känslomässiga innehållet i hans målningar kan hittas i titlarna Gorchov gav dem, som ofta refererar till klassiska myter eller berättelser från teologiska texter som Bibeln. Men Gorchov började inte med att försöka måla en särskild figur eller scen från en myt. Istället målade han på ett intuitivt, undermedvetet sätt, ofta målade han den högra sidan av duken med sin högra hand och den vänstra sidan med sin vänstra hand. Han tänkte på innehållet efteråt. "När jag gör en målning och jag tittar på den," förklarade Gorchov en gång, "måste jag fråga mig själv, hur kände jag när jag gjorde det? Eftersom jag var involverad i att skapa det, vet jag inte hur jag kände. Så då studerar jag målningen för att lista ut det... och jag försöker hitta en historia som känns som hur jag kände." Denna växelverkan mellan saker som ses i livet, den undermedvetna handlingen av att måla, och de senare analyserna av känslor verkar för mig vara både abstrakt och konkret. Det påminner mig om hur Jean Arp talade om den sanna betydelsen av Dada: som oförutsägbarheten, meningslösheten och den perfekta logiken i naturen uttryckt genom konst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olja på linne. 49 x 65 x 10 1/2 tum / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alla konstverk bilder med vänlig hälsning av konstnären och Cheim & Read, New York.

Den revolutionära reformatorn

För mig finns det något djupt amerikanskt i det verk Gorchov skapade. Amerika är både en konkret sak och ett abstrakt begrepp, som ständigt slits mellan revolution och reform. När han först utvecklade sina sadelsträckare var Gorchov en revolutionerande konstnär, en som var fast besluten att undergräva den århundraden gamla centrala föreställningen om måleri: att det skulle göras på rektangulära, platta ytor. Faktum är att även när han utvecklade sin första böjda duk, hyllades återigen tanken på platthet av ledande konstkritiker som Clement Greenberg som målet för Post Painterly Abstraction, den senaste trenden inom måleri enligt Greenberg. Ändå, efter att ha djärvt underminerat de strukturella systemen av rektanglar och platthet, engagerade sig Gorchov helt och hållet i sitt nya system och upprepade det under resten av sin karriär, och ersatte den gamla normen med den nya normen. Vad kan vara mer amerikanskt än att överlämna revolutionära impulser till tvånget för oändlig reform, och arbeta inom nyetablerade system för att skapa oändligt fascinerande variationer?

PORTRÄTT MED ÖSTLIG JAMB Ron Gorchov i hans studio i Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov ÖSTLIG JAMB 1971 Olja på linne 77 x 77 x 12 1/2 tum 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Sannerligen, när du väl har sett en Gorchov-målning, är alla framtida Gorchov-målningar du stöter på omedelbart igenkännliga som hans. Men detta är inte en förolämpning. Det är samma kritik man skulle kunna ge till naturen, som också arbetar inom sina egna speciella system för att skapa oändliga och vackra variationer. Faktum är att i kontexten av hans förhållande till naturens sätt, känner jag att Gorchov bäst hör hemma i släktskapet med Hans Arp—en annan biomorfisk konstnär, som var delvis Dadaist, delvis Surrealist och delvis abstraktionist, men som alltid refererade till sin konst som konkret. Gorchov skapade en kropp av verk som är både cerebral och lekfull—helt idiosynkratisk och ändå omedelbart igenkännbar—och så, liksom Arp, tror jag att det placerar Gorchov i sin egen speciella kategori.
Jag är imponerad av hur Gorchov lyckades med att uppnå sin ursprungliga vägledande princip, och påminner oss genom sitt exempel om hur viktiga både tankar och känslor är för konstnärer som vill vara relevanta inte bara i sin egen tid, utan även nästa.

Utvald bild: PORTRÄTT AV AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Återgivet med tillstånd.
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio