Avklädning av duken - Farväl till Ron Gorchov

Under en intervju 2017 med den schweiziske kuratorn Hans Ulrich Obrist gav den amerikanske målaren Ron Gorchov (1930 - 2020) följande råd till unga konstnärer: ”Var desperat och tålmodig.” Det till synes motsägelsefulla uttalandet fångar perfekt den inställning med vilken Gorchov, som gick bort tidigare denna månad, närmade sig sitt skapande. Född i Chicago 1930 flyttade hans familj från stad till stad mer än ett dussin gånger under den stora depressionen medan hans företagsamma far sökte arbete. Omständigheterna kan ha gjort dem desperata efter pengar, men hans far lärde Gorchov att se pengar som skilda från syfte. Hans familj var pank, säger Gorchov, men aldrig fattig. Gorchov arbetade som livräddare när han först flyttade till New York på 1950-talet, och undervisade senare i konst: jobb som gav honom den tid han behövde för att närma sig sin konst med den tålamod den förtjänade. Hans ledande princip var att konstnärer alltid skulle skapa verk för nästa sekel, inte det sekel de lever i. Hans idé för att föra måleriet framåt in i 2000-talet var att kombinera det, i precis rätt mängd, med skulptur och arkitektur. ”För mig,” sade Gorchov, ”är skulpturens väsen massa. I arkitektur känner man volym. Och måleri betonar yta.” De ”sadelformade” målningarna som han blev berömd för var hans lösning på problemet. Redan 1949 hade Gorchov idén att målerivärlden blivit alltför fäst vid rektangelns idé, en fäste som påskyndades av Piet Mondrian, som Gorchov ansåg hade uttömt formen. Gorchov övervägde olika sätt att förändra plattheten hos en typisk rektangulär duk, som att placera en tennisboll bakom den för att skapa en bula. Det tog honom 19 år att utveckla de ”sadelformade spännramar” han använde för att skapa sina nu ikoniska konvexa, böjda målarytor. Hans första sadelformade målning, som han gjorde 1968, heter ”Mine” — en dubbeltydig titel som syftar på att han såg verket som unikt sitt eget, och också som en potentiell guldgruva full av oupptäckta kreativa möjligheter.

Abstrakt eller konkret

De flesta betraktare anser att det arbete Gorchov gjorde är abstrakt. Dock hävdar hans gallerist John Cheim, huvudansvarig och utställningschef på Cheim & Read-galleriet — som har ett framstående rykte för att arbeta med abstraktionens jättar som Joan Mitchell, Milton Resnick och Louis Fishman — att Gorchov inte bör ses som helt abstrakt. ”Formerna har en stark koppling till Giorgio Morandis verk. Gorchov är inte en rent abstrakt målare mer än Morandi är rent figurativ,” säger Cheim. Gallerichefen Stephen Truax tillägger, ”Ron använde saker han såg och mötte i verkliga livet som inspiration för de former han använde i sina abstraktioner.”

Ron Gorchov - BROTHER II, 2017, olja på linne, 85 x 75 x 13 tum, 215,9 x 190,5 x 33 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Foto: Brian Buckley. Alla konstverksbilder med tillstånd från konstnären och Cheim & Read, New York.

Ett ledtråd till det känslomässiga innehållet i hans målningar finns i de titlar Gorchov gav dem, som ofta refererar till klassiska myter eller berättelser från teologiska texter som Bibeln. Men Gorchov började inte med att försöka måla en särskild gestalt eller scen från en myt. Snarare målade han på ett intuitivt, undermedvetet sätt, ofta med höger hand på dukens högra sida och vänster hand på den vänstra. Han funderade över innehållet i efterhand. ”När jag gör en målning och tittar på den,” förklarade Gorchov en gång, ”måste jag fråga mig själv, hur kände jag när jag gjorde den? Eftersom jag var involverad i att skapa den vet jag inte hur jag kände. Så då studerar jag målningen för att lista ut det… och försöker hitta en berättelse som känns som hur jag kände.” Denna växelverkan mellan saker man ser i livet, den undermedvetna målarakten och den senare analysen av känslor verkar för mig vara både abstrakt och konkret. Det påminner mig om hur Jean Arp talade om den sanna meningen med dada: som naturens oförutsägbarhet, meningslöshet och perfekta logik uttryckt genom konst.

Ron Gorchov - Prometheus, 2016. Olja på linne. 49 x 65 x 10 1/2 tum / 124,5 x 165,1 x 26,7 centimeter. © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York. Alla konstverksbilder med tillstånd från konstnären och Cheim & Read, New York.

Den revolutionära reformatorn

För mig finns det något djupt amerikanskt i det verk Gorchov skapade. Amerika är både en konkret sak och ett abstrakt begrepp, som ständigt slits mellan revolution och reform. När han först utvecklade sina sadelspännramar var Gorchov en revolutionär konstnär, en som var fast besluten att undergräva den århundraden gamla grundtanken i måleriet: att det ska göras på rektangulära, platta ytor. Även när han utvecklade sin första böjda duk hyllades plattheten återigen av ledande konstkritiker som Clement Greenberg som målet för Post Painterly Abstraction, den senaste trenden inom måleri enligt Greenberg. Ändå, efter att modigt ha undergrävt de strukturella systemen med rektanglar och platthet, helhjärtade Gorchov sig åt sitt nya system och upprepade det under resten av sin karriär, och ersatte det gamla normala med det nya normala. Vad kan vara mer amerikanskt än att ge efter för revolutionära impulser till tvånget att ständigt reformera, och arbeta inom nyinrättade system för att skapa oändligt spännande variationer?

PORTRÄTT MED EAST JAMB Ron Gorchov i hans ateljé i Brooklyn. Foto: Brian Buckley, 2012. Ron Gorchov EAST JAMB 1971 Olja på linne 77 x 77 x 12 1/2 tum 195,6 x 195,6 x 31,8 centimeter © 2020 Ron Gorchov / Artists Rights Society (ARS), New York.

Verkligen, när man sett en Gorchov-målning är alla framtida Gorchov-målningar man möter omedelbart igenkännbara som hans. Men detta är inte en förolämpning. Det är samma kritik man kan ge naturen, som också arbetar inom sina egna särskilda system för att skapa oändliga och vackra variationer. Faktum är att i förhållande till hans koppling till naturens sätt känner jag att Gorchov bäst hör hemma i Hans Arps släktlinje — en annan biomorf konstnär, som var delvis dadaist, delvis surrealist och delvis abstraktionist, men som alltid kallade sin konst konkret. Gorchov skapade en samling verk som är både intellektuella och lekfulla — helt egenartade och ändå omedelbart igenkännbara — och liksom Arp tror jag att det placerar Gorchov i en egen särskild kategori.
Jag är imponerad av hur Gorchov lyckades uppnå sin ursprungliga ledstjärna, och påminner oss genom sitt exempel om hur viktiga både tänkande och känsla är för konstnärer som vill vara relevanta inte bara i sitt eget sekel, utan också i nästa.

PORTRÄTT AV AVEDON Ron Gorchov, 2013. Foto: Michael Avedon. © Michael Avedon / AUGUST. Återgiven med tillstånd.
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio