Arvet efter banbrytaren inom abstrakt konst, Gillian Ayres

Den brittiska abstrakta målaren och grafiska konstnären Gillian Ayres har avlidit vid 88 års ålder. Hennes bortgång lämnar ett tomrum i konstvärlden, liksom inom utbildning och förebildskap. Ayres var utan tvekan en av de mest karismatiska och självsäkra konstlärarna i Storbritannien, mycket tack vare hennes fulla omfamning av okonventionalitet. Hon undervisade vid Bath Academy of Art från 1959 till 1965, föreläste vid Saint Martin’s School of Art i London från 1966 till 1978, och blev sedan 1978 chef för måleriavdelningen vid Winchester School of Art. Den sista tjänsten var mer en ledarroll än en undervisningsroll. Hon lämnade den efter ständiga konflikter med skolans administratörer om hur, och faktiskt om alls, avdelningen skulle skötas. Ayres trodde att konstutbildning skulle fungera bättre utan att någon kontorsfunktion hade ansvaret för den. Trots att det var hennes sista officiella akademiska position fortsatte Ayres att undervisa genom sitt exempel. Hon var en förebild för vikten av att ha principer och stå fast vid dem med kraft. Hennes principer inkluderade stor generositet mot sina elever och vänner (som hon ofta tog emot i sitt hem), en kärlek till champagne och cigaretter (vilket hon njöt av ända till slutet), och fullständig avsky för medlemmarna i den så kallade Euston Road-skolan, en samling traditionella realistiska konstnärer som motsatte sig avantgarde och abstrakt konst. Hennes hängivenhet till abstraktion hjälpte till att inspirera otaliga andra brittiska abstrakta konstnärer och bidrog till att vända den institutionella fördom som fanns mot abstraktion i skolor, gallerier och museer. Det arv hon hoppades lämna efter sig kan sammanfattas i ett uttalande hon gjorde i en intervju med Financial Times 2015. Hon sade: ”Folk vill gärna förstå, och jag önskar att de inte gjorde det. Jag önskar att de bara skulle titta.”

Former och rum

Ayres avslutade konstskolan 1950 och tog ett jobb som assistent på ett galleri. Hon hade tjänsten deltid i sex år samtidigt som hon målade. Hon har sagt att hon i dessa tidiga år av sin karriär påverkades mycket av Jackson Pollock och de abstrakta expressionisterna. Det som inspirerade henne mest hos dem var dock inte deras metafysiska tendenser, alltså deras försök att nå en uråldrig källa av djup, dold känsla. Istället inspirerades hon av deras arbetsmetoder, som för henne verkade fria och experimentella. Hon tog till sig tekniken att arbeta på golvet och använda lösa, lyriska rörelser när hon målade. Många av hennes verk från denna tid kan beskrivas som actionmålningar. De innehåller ofta stänk och droppar av färg, gestiska penseldrag och stora, energiskt applicerade färgfält.

Gillian Ayres - Achiote, 2015, Träsnitt på 75gsm Unryu-shi japanskt papper, 33 3/5 × 64 2/5 tum, 85,4 × 163,5 cm, foto med tillstånd från Alan Cristea Gallery, London

Parallellt med sin utforskning av ”all-over”-stilens actionmålning visade Ayres också intresse för en enkel utforskning av former och rum. Många av hennes målningar från 1950- och 60-talen innehåller lösa kompositioner av cirklar, kvadrater och andra geometriska eller kvasi-geometriska former. Former verkar ofta sväva runt varandra i ett tomrum. Dessa målningar är rent abstrakta, men inte i den mening att Ayres ”abstraherade” dem från den naturliga världen. Istället sökte hon helt enkelt skapa kompositioner utan någon berättande eller figurativ innehåll alls, eftersom hon trodde på potentialen i abstrakta bilder av former som samspelar i rummet att vara ”berusande”. Med andra ord kände hon att sådana bilder kunde vara hänförande. Hon ansåg att denna egenskap var avgörande för att människor skulle kunna njuta av att bara titta på hennes konst utan att känna press att tänka logiskt om den, eller ens använda sitt intellekt alls.

Gillian Ayres - Illyria, 2017, Träsnitt på 75gsm Unryushi japanskt papper, 36 1/5 × 40 9/10 tum, 92 × 104 cm, foto med tillstånd från Alan Cristea Gallery, London

Färgrik njutning

Utöver sin kärlek till former och rum var Ayres en entusiastisk färgälskare. Hon sade en gång: ”För mig är färg i konsten underbart njutbart.” Hon ville att människor skulle dricka in hennes målningar. Hon betraktade dem som festmåltider för ögonen. Hon sade: ”Jag förstår inte varför man inte skulle fylla sig själv, göra sig glad – njuta av sig själv, frossa i skönhet.” Så mycket som detta låter som en harmlös syn idag, fanns det en tid då det gjorde att Ayres blev djupt misstrodd av brittiska åskådare. Den misstron kulminerade 1957, när Ayres efter att ha varit med i utställningen Metavisual Tachiste Abstract - Painting in England Today fick i uppdrag att måla en väggmålning i matsalen på en skola i London. Nästan genast efter att hon avslutat målningen beordrade skolans administratörer att den skulle täckas med tapet. Först flera decennier senare, efter att Ayres blivit berömd, återupptäcktes målningen i nästan perfekt skick under tapeten.

Gillian Ayres - Thuban, 2017, Träsnitt på Unryushi 75gsm papper, 18 4/5 × 22 4/5 tum, 47,8 × 57,9 cm, foto med tillstånd från Alan Cristea Gallery, London

Ayres kärlek till färg som motiv är tydlig genom hela hennes karriär. När hennes kompositioner blev mindre lyriska, mindre gestiska och mer strukturerade och arkitektoniska med tiden, växte hennes kärlek till färg bara sig starkare. På 1980-talet hade hon utvecklat en något lekfull, festlig estetisk vision baserad på livfulla, ljusa färger och biomorfa former. Dessa senare verk verkar vara inspirerade av naturen. Vissa misstänker att det beror på att Ayres under denna tid i sitt liv flyttade med sin familj till en kustnära landsbygd i Wales. Hon har sagt att förhållandena där, särskilt landskapet, hade stor påverkan på henne. Men hon insisterade alltid på att hennes verk inte var abstraherade från naturen, eller nedtonade från landskapsbilder. På vissa sätt påminner de senaste målningarna Ayres gjorde om Matisse’s utskärningar. Båda konstnärerna antog en liknande färgpalett sent i sina karriärer, och båda utvecklade en liknande känsla för rumsliga relationer. Skillnaden är att medan Matisse stolt hoppades åkalla former och figurer från naturen i sina sena verk, förblev Ayres till slutet hängiven sin övertygelse att hennes verk inte baserades på något. De är bara bilder av färger och former i rummet utan någon annan mening än sig själva, och erbjuder ren njutning till betraktare modiga nog att ge sig hän åt deras skönhet.

Framträdande bild: Gillian Ayres - Heligan 1, 2011, Träsnitt på Unryu-shi japanskt papper, 30 7/10 × 45 7/10 tum, 78 × 116 cm, upplaga om 18, foto med tillstånd från Alan Cristea Gallery, London

Av Phillip Barcio