Wadsworth Atheneum Museum of Art hedrar den abstrakta expressionistiska skulptören Herbert Ferber

Herbert Ferber var en gåta. Han var en av de mest inflytelserika konstnärerna under 20^th århundradet, och ändå har de flesta människor idag aldrig hört talas om honom. Ferber umgicks med de mest kända av de kända—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Han ställde till och med ut tillsammans med dem på Betty Parsons Gallery. Faktum är att Ferber var en av de 18 "Irascibles" som skrev ett öppet brev till The Metropolitan Museum of Art i protest mot dess American Painting Today utställning 1950. Han ingår i den berömda av den beryktade gruppen som följde med artikeln i Life Magazine som krediteras för att ha introducerat Abstract Expressionism för världen. Trots alla dessa påståenden om berömmelse är Ferber dock inte direkt ett hushållsnamn. En anledning till detta kan vara att det är så han ville ha det. Ferber är extremt svår att skriva om eftersom han var mycket dedikerad till idén att konsten borde vara mycket viktigare än konstnärerna. Han ansåg att idén bakom verket är vad som borde diskuteras, och att frågan om hur väl idén realiserades borde vara fokus för all konstskrift. Ändå, så giltig som denna något existentiella synpunkt kan vara, verkar det mig viktigt att prata om konstnären i viss utsträckning. Utan konstnärer och de egenheter som får dem att göra det de gör, skulle det inte finnas någon konst att titta på eller skriva om alls. Särskilt i fallet Ferber är detaljerna i hans privatliv avgörande för de idéer han utvecklade. Om du inte är bekant med hans idéer, är detta den perfekta tiden att bli bekant. En retrospektiv utställning på Wadsworth Atheneum Museum of Art i Hartford, Connecticut, med titeln Herbert Ferber: Space in Tension, visar 40 verk av konstnären, som spänner över hela hans karriär och lägger grunden för att förstå hans betydelse för utvecklingen av abstrakt konst.

Bygg upp det, bryt ner det

Född i New York City 1906, kom Ferber till skulptur via tandläkarskolan. Han var tvungen att göra anatomiska studier i klassen. En av hans lärare insåg att han var särskilt begåvad på att rita kroppsdelar och rekommenderade Ferber att ägna sig åt konst som en slags extra-tandläkarhobby. Ferber anmälde sig genast till kvällskurser vid Beaux-Arts Institute of Design i New York. Även om han tog examen från tandläkarskolan och till och med praktiserade tandvård deltid, blev hans passion för de idéer han stötte på i konstskolan snabbt överväldigande för all hans fritid. Han började med teckning och målning, men kände snart en större dragning till den konceptuella sfären av skulptur.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Estate of Herbert Ferber

Hans första skulpturala experiment involverade att bygga upp lager av gips för att skapa figurativa modeller av den mänskliga figuren. Ferber hänvisade till denna process av att bygga en skulptural form med lager som en "tids-honorerad" tradition. Ändå krävde hans nyfikenhet att han skulle utforska andra metoder. Han blev imponerad av hur romansk arkitektur skapade en falsk känsla av skala och perspektiv. Han gillade hur det tomma utrymmet inom, säg, en kyrka, fick lika stor betydelse som den fysiska strukturen själv. Han blev inspirerad av denna idé om en ram som samarbetar med öppet utrymme. Att bygga upp en skulptur, eller till och med att skära ut en skulptur, kunde inte uppnå samma känsla av utrymme, så han beslutade att arbeta med metall. Svetsprocessen gjorde det möjligt för honom att skapa vad han kallade "öppna skulpturer", eller former som var sammansatta för att inkludera både solida material och tomt utrymme.

Herbert Ferber - Apokalyptisk Ryttare II, 1947, © Herbert Ferbers egendom

Gestural Abstrakt Skulptur

Den första stora utställningen Ferber fick var på Betty Parsons Gallery. Den inkluderade vad han kallade "gestural" skulpturer—"naturalistiska" former med "en slags gestural arrangemang." Verket ansågs vara surrealistiskt av vissa kritiker, och abstrakt av andra. Ferber sa att ingen av beskrivningarna var helt korrekt. Han experimenterade bara med sätt att nå enkla idéer. Han ville skapa former som genomborrade rummet. Han ville förstå vad skillnaden är mellan form och rum. Han ville utforska hur en fysisk gest kunde manifestera sig som ett solitt objekt. Han ville låta sina material och processer uttrycka sin sanning. Dessa, påpekade Ferber, var de frågor som alla konstnärer i New York-skolan talade om vid den tiden. De var dock inte viktiga frågor för den köpande allmänheten, som i stor utsträckning ignorerade Ferber, och de flesta av hans samtida också, åtminstone i de tidiga dagarna.

Herbert Ferber - Hyllning till Piranesi IV B, 1963-64, © Herbert Ferbers egendom

Trots att han var fattig och i stort sett ignorerad, förblev Ferber och de andra filosofiska och idealistiska. Han minns att han pratade oändligt med andra konstnärer om ett enda konstverk, och grävde djupare och djupare i dess konceptuella konsekvenser. Som han sa i en intervju 1968 för Smithsonian Archives of American Art, "vi pratade inte om den typ av affärer som jag hör idag, vilket är var du ställer ut eller vad du säljer, eller vilka uppdrag du har fått. Men det handlade alltid om de idéer som var involverade i att bryta sig loss från eller utvecklas mot en ny form eller en ny idé." Så småningom mognade dessa idéer till de väletablerade samtalspunkterna som nu definierar otaliga museiutställningar och essäer om amerikansk konst från mitten av 1900-talet. Ferber gick dock bortom dem. Han fortsatte att utvecklas och pressa sig själv i sin ateljé. Varje val han gjorde som konstnär tillät honom att uppfylla en idé, och det förblev hans primära fokus fram till slutet. Hans aversion mot självförhärligande kan ha hållit honom under radarn hos massmedia eftersom han alltid gav erkännande till idéerna och inte sitt namn, men det gav också hans arbete autenticitet, livskraft och kraft. Herbert Ferber: Space in Tension pågår till 29 juli 2018 på Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Utvald bild: Herbert Ferber: Space in Tension, installationsvy på Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål

Av Philip Barcio