Wadsworth Atheneum Museum of Art hedrar den abstrakta expressionistiska skulptören Herbert Ferber

Herbert Ferber var en gåta. Han var en av de mest inflytelserika konstnärerna under 1900-talet, och ändå har de flesta idag aldrig hört talas om honom. Ferber umgicks med de mest berömda av de berömda—Pollock, Krasner, de Kooning, Motherwell, Rothko. Han ställde till och med ut tillsammans med dem på Betty Parsons Gallery. Faktum är att Ferber var en av de 18 ”Irascibles” som skrev ett öppet brev till The Metropolitan Museum of Art i protest mot dess American Painting Today-utställning 1950. Han ingår i den berömda gruppen som följde med Life Magazines artikel som tillskrivs att ha introducerat abstrakt expressionism för världen. Trots alla dessa berömmelser är Ferber dock inte direkt ett välkänt namn. En anledning kan vara att det var så han ville ha det. Ferber är mycket svår att skriva om eftersom han var starkt hängiven idén att konsten borde vara mycket viktigare än konstnärerna. Han ansåg att det var idén bakom verket som borde diskuteras, och att frågan om hur väl idén förverkligades borde vara fokus för all konstkritik. Ändå, hur giltig denna något existentiella synpunkt än må vara, verkar det för mig vara viktigt att tala om konstnären i viss mån. Utan konstnärer och de egenheter som får dem att göra det de gör, skulle det inte finnas någon konst att titta på eller skriva om alls. Särskilt i fallet med Ferber är detaljerna i hans personliga liv avgörande för de idéer han utvecklade. Om du inte är bekant med hans idéer är detta den perfekta tiden att lära känna dem. En retrospektiv utställning på Wadsworth Atheneum Museum of Art i Hartford, Connecticut, med titeln Herbert Ferber: Space in Tension, visar 40 verk av konstnären, som spänner över hela hans karriär och lägger grunden för att förstå hans betydelse för utvecklingen av abstrakt konst.

Bygg upp det, bryt ner det

Född i New York City 1906 kom Ferber till skulpturen via tandläkarutbildningen. Han var tvungen att göra anatomiska studier i klassen. En av hans lärare insåg att han var särskilt begåvad på att teckna kroppsdelar och rekommenderade Ferber att ägna sig åt konst som en slags extra-tandläkarhobby. Ferber anmälde sig genast till kvällskurser vid Beaux-Arts Institute of Design i New York. Även om han tog examen från tandläkarutbildningen och till och med praktiserade tandvård på deltid, tog hans passion för de idéer han mötte i konstskolan snabbt all hans fritid. Han började med teckning och målning, men kände snart en större dragning till skulpturens konceptuella värld.

Herbert Ferber - Rutgers #6, 1959, © Estate of Herbert Ferber

Hans första skulpturala experiment innebar att bygga upp lager av gips för att skapa figurativa modeller av människokroppen. Ferber kallade denna process att bygga en skulptural form med lager för en ”tidsprövad” tradition. Men hans nyfikenhet krävde att han skulle pröva andra metoder. Han var imponerad av hur romansk arkitektur skapade en falsk känsla av skala och perspektiv. Han gillade hur det tomma utrymmet inuti, säg en kyrka, fick lika stor betydelse som den fysiska byggnaden själv. Han inspirerades av idén om en stomme som samarbetar med det öppna rummet. Att bygga upp en skulptur, eller till och med karva ut en skulptur, kunde inte uppnå samma känsla av rymd, så han bestämde sig för att arbeta med metall. Svetsningsprocessen gjorde det möjligt för honom att skapa det han kallade ”öppna skulpturer”, eller former som sattes ihop för att omfatta både solida material och tomt utrymme.

Herbert Ferber - Apocalyptic Rider II, 1947, © Estate of Herbert Ferber

Gestaltande abstrakt skulptur

Den första stora utställning Ferber fick var på Betty Parsons Gallery. Den inkluderade det han kallade ”gestaltande” skulpturer—”naturalistiska” former med ”en slags gestaltningsordning.” Verken ansågs vara surrealistiska av vissa kritiker och abstrakta av andra. Ferber sade att ingen av beskrivningarna var helt korrekta. Han experimenterade bara med sätt att nå enkla idéer. Han ville skapa former som genomborrade rymden. Han ville förstå skillnaden mellan form och rum. Han ville utforska hur en fysisk gest kunde ta gestalt som ett solitt föremål. Han ville låta sina material och processer uttrycka sin sanning. Dessa, påpekade Ferber, var de frågor som alla konstnärer i New York-skolan talade om vid den tiden. De var dock inte viktiga frågor för köparna, som till stor del ignorerade Ferber och de flesta av hans samtida, åtminstone i början.

Herbert Ferber - Hylla till Piranesi IV B, 1963-64, © Estate of Herbert Ferber

Trots att han var fattig och till stor del ignorerad förblev Ferber och de andra filosofiska och idealistiska. Han minns att han pratade oändligt med andra konstnärer om ett enda konstverk, och grävde djupare och djupare i dess konceptuella följder. Som han sade i en intervju 1968 för Smithsonian Archives of American Art, ”vi pratade inte om den typen av saker som jag hör nuförtiden, som var du ställer ut eller vad du säljer, eller vilka uppdrag du fått. Men det handlade alltid om idéerna bakom att bryta sig loss från eller utvecklas mot en ny form eller en ny idé.” Så småningom mognade dessa idéer till de väletablerade samtalspunkter som nu definierar otaliga museiutställningar och essäer om amerikansk konst från mitten av 1900-talet. Ferber gick dock bortom dem. Han fortsatte att utvecklas och utmana sig själv i sin ateljé. Varje val han gjorde som konstnär gjorde det möjligt för honom att förverkliga en idé, och det förblev hans främsta fokus till slutet. Hans motvilja mot självförhärligande kan ha hållit honom utanför massmedias radar eftersom han alltid gav äran till idéerna och inte sitt namn, men det gav också hans verk äkthet, livskraft och kraft. Herbert Ferber: Space in Tension pågår till 29 juli 2018 på Wadsworth Atheneum Museum of Art.

Bild från utställningen: Herbert Ferber: Space in Tension, installationsvy på Wadsworth Atheneum Museum of Art, © Wadsworth Atheneum Museum of Art

Alla bilder används endast i illustrativt syfte

Av Phillip Barcio