Artikel: Syntetisk kubism förklarad - Plan, former och synvinklar
Syntetisk kubism förklarad - Plan, former och synvinklar
Pablo Picasso, kubismens fader, var känd för sin iver att utvecklas. Efter att ha uppfunnit den analytiska kubismen 1907 hade han enkelt kunnat fortsätta måla i den stilen i årtionden och ändå bli rik och berömd. Men i stället fortsatte han att experimentera och bidrog till att uppfinna det som kom att kallas syntetisk kubism 1911 genom att tillföra den analytiska kubismen en utökad färgpalett, nya texturer, enklare former, nya material och en förenklad användning av synvinkel och plan. Från det att den uppfanns fram till omkring 1920 betraktades den syntetiska kubismen som avantgardets höjdpunkt. Den utvidgade spektrumet av sätt som målare kunde utforska verkligheten på och bidrog till dadaismens, surrealismens och till och med popkonstens framväxt.
Syntetisk kubism på 200 ord
Den syntetiska kubismen växte fram genom ett avsteg från just dessa tekniker, i ett försök att skapa något ännu verkligare. Picasso, Braque och målaren Juan Gris återförde en livfull färgskala till sina verk, introducerade djup på nytt och minskade antalet samtidiga perspektiv och plan i sina bilder. Viktigast av allt var att de, för att ge sina målningar den yttersta känslan av verklighet, började lägga till papper, tyg, tidningspapper, text och till och med sand och smuts i sina verk, i ett försök att låta motivets hela väsen komma till uttryck.
Pablo Picasso - Stilleben med stolsits, 1912, olja på oljeduk över duk, kantad med rep
Musée National Picasso, Paris, © Artists Rights Society (ARS), New York
Nya material och tekniker
År 1912 skapade Picasso det konstverk som anses vara det första exemplet på collage och ett banbrytande exempel på den syntetiska kubismen: Stilleben med stolsits. Verket är en kubistisk avbildning av ett kafébord med ett urval matvaror, en tidning och en dryck. Utöver traditionella material lade Picasso till en bit flätad stolsits på målningens yta, av den typ som traditionellt fanns på kaféstolar. Detta till synes triviala tillägg fick enorma konsekvenser för den moderna konsten. I stället för att måla en stol placerades faktiskt en del av en stol på målningen. I stället för att visa något ur flera perspektiv för att få det att verka verkligt, placerade Picasso helt enkelt själva föremålet, eller åtminstone en del av det, direkt på verket.
Picasso lade också till text i detta verk och skrev bokstäverna ”JOU” över en del av ytan. Ordet ”Jou” kan bokstavligen översättas med ”spel” på franska, något som har bidragit till uppfattningen hos många att Picasso avsåg att den syntetiska kubismen skulle återföra en känsla av lättsinnighet till konsten efter den akademiska allvarligheten i den analytiska kubismen. ”JOU” kan dock lika gärna ha varit tänkt som den första delen av det franska ordet för dagstidning, journal, en hänvisning till tidningsfragmentet som syns i bilden.
Även om han blev först med att lägga till den delen av stolsflätningen i sitt verk var Picasso inte den första kubisten att lägga till text i en målning. År 1911 hade Georges Braque skapat ett verk kallat Portugisen, som var det första kubistiska verket med bokstäver. I både Picassos första collage och Braques första textbaserade verk syns ett avsteg från den allvarliga och överdrivet komplexa karaktären hos några av deras senare analytiskt kubistiska verk. Det finns en lekfull enkelhet i bildspråket i dessa konstverk. Perspektiven förenklas och bilderna blir nästan lekfulla, på ett sätt som liknar de antropomorfa bilderna i reklam.
Georges Braques - Portugisen, 1911, olja på duk, Musée National Picasso, Paris
© Artists Rights Society (ARS), New York
År 1912 skulle Braque bryta ny mark minst två gånger till. Det året blev han den första kubistiska målaren att tillsätta sand i en målning för att ge verket större textur och djup, och han blev också den första att använda tekniken papier collé, som innebär att utskurna pappersbitar klistras fast på en yta. Båda dessa tekniker användes i hans verk med titeln Fruktfat och glas. I denna målning applicerade han utskurna tapetbitar direkt på ytan och skuggade sedan verket med sandblandad färg, vilket gav bilden djup och textur.
Braque inkluderade också text i detta verk och använde de tydligt definierade och lättlästa orden ”Ale” och ”Bar”. Dessa ord utmanar gränserna mellan reklambilder och så kallad hög konst. Kombinationen av alla tre dessa tekniker skulle så småningom visa sig få ett stort inflytande på dadaisterna, som i hög grad förlitade sig på collage och text för att förvirra och fördunkla verkens uppenbara betydelser samt utmana borgerliga föreställningar om konst.
Georges Braque - Fruktfat och glas, 1912, 62.9 × 45.7 cm
© Artists Rights Society (ARS), New York
Plan, former, perspektiv och färger
Den konstnär som främst ansvarade för att föra in livfulla färger i den syntetiska kubismen var den spanske kubistmålaren Juan Gris. Gris använde också ett avsevärt förenklat visuellt språk som på ett utmärkt sätt visar det minskade antalet perspektiv och den förenklade användningen av former och plan som kännetecknar syntetisk kubism. I Gris verk Tidning och fruktskål ser vi alla dessa element i spel. Vi kan också se många av anledningarna till att syntetisk kubism ofta betraktas som en föregångare till popkonsten i samma målning.
Det handlar inte bara om att de syntetiska kubisterna lekte med föreställningar om den suddiga gränsen mellan låg och hög konst samt mellan konst och reklam. Den här målningen väcker dessutom på ett häpnadsväckande sätt associationer till Roy Lichtensteins Ben-Day-prickar och tycks nästan identiskt förebåda upprepningen, bildplaceringen och färgpaletten i Robert Rauschenbergs Buffalo II.
Robert Rauschenberg - Buffalo II, 1964, olja och screentrycksfärg på duk.
© Robert Rauschenberg Foundation / Artists Right Society (ARS), New York
De tidigare analytiskt kubistiska målningarna hade införlivat så många olika perspektiv att bildernas komplexitet blev nästan omöjlig att reda ut. Motiven verkade vara abstraherade till den grad att de inte gick att känna igen: varje perspektiv representerades av separata geometriska former på ett separat plan, och varje plan verkade staplas ovanpå de andra för att sedan åter plattas ut. De geometriska former som användes i analytiskt kubistiska målningar verkade ibland nästan genomskinliga. De målades på ett sätt som visade hastighet, vibration och rörelse. De representerade olika tider på dygnet, olika ljusförhållanden och olika perspektiv.
Juan Gris - Tidning och fruktskål, 1916, olja på duk
Solomon R. Guggenheim Museum, New York
Genom att återinföra en livfull färgpalett i kubistiska bilder gav Juan Gris stilen en lekfullhet och spänning som saknades i de tidigare kubistiska verken. Gris förenklade visuella vokabulär förmedlade dessutom uppfattningen att kubismen kunde uppnå sina mål på ett rakt, förenklat och estetiskt tilltalande sätt. I Gris målning Violin, använder han det absolut minsta antalet perspektiv, former och plan som fortfarande krävs för att verket ska betraktas som kubistiskt. Den resulterande bilden framstår mer som ett exempel på kubismens antydan än som en strikt definition av den.
Juan Gris - Fiolen, 1916, Olja på treskiktad pannå
Kunstmuseum, Basel
Syntetisk: ännu ett ord för falsk?
Genom att lägga till text och bitar av vardagliga föremål i sina målningar strävade Picasso, Braque och Gris efter att knyta an till en utvidgad känsla av motivens verklighet. Men genom att lägga till dessa konstgjorda element i sina verk skapade de också något som uppenbart var overkligt och olikt alla kubistiska konstverk som hade kommit före. Ibland målade de till och med former som såg ut som collage och blandade imiterade collageelement med verkliga collageelement i samma verk. Denna nya stil fick just därför namnet syntetisk kubism, på grund av den konstgjorda karaktären hos de tekniker som användes i förhållande till det kubistiska arbetets allvar som hade föregått den.
Den syntetiska kubismen var mer symbolisk än den analytiska kubismen. Den strävade inte efter att uppnå en förhöjd bild av en fyrdimensionell verklighet. I stället strävade den efter en antydan om verkligheten, men på ett förvridet sätt. Det var en omvandling som i hög grad bidrog till teorierna och undersökningarna kring surrealismen.
Den syntetiska kubismen utmanade också skillnaderna mellan måleri och skulptur. I stället för att bryta sönder bilden och sedan sätta ihop den igen utifrån flera olika perspektiv, sammanfogade den syntetiska kubismen bilden genom att bygga upp den från en plan yta till ett flerskiktat objekt, som ett tredimensionellt föremål placerat på en tvådimensionell yta. På alla dessa sätt närmade sig den syntetiska kubismen sina landvinningar genom en tydlig och avsiktlig paradox: Genom att skapa verk som blev alltmer falska uppnådde de något alltmer verkligt.
Färg, collage och konstruerat rum i samtidskonsten
Den syntetiska kubismen erbjuder också ett sätt att betrakta samtida abstraktion. En målning behöver inte föreställa en gitarr eller ett kafébord för att väcka frågor om sammansatta former, överlappande plan och relationen mellan en bild och dess yta. Följande konstnärer närmar sig dessa frågor på olika sätt. Deras verk är inte exempel på historisk syntetisk kubism, men inbjuder till jämförelser med dess experiment med konstruktion och färg.
Jeremy Annear: Skiktade plan och bildrum
Jeremy Annear bygger sina målningar genom lager av former, färg och målarfärg, och hans verk har erkända beröringspunkter med Braque och Picasso samt konstnärerna i St Ives. I Metrographic II No.8 bryter ett vinklat vitt plan av ett jordfärgat fält, medan svarta ramverk, röda kurvor och texturfläckar skapar konkurrerande rumsliga relationer. Blicken rör sig mellan formernas skenbara soliditet och de tecknade linjernas öppenhet. För den som dras till Braques samspel mellan yta och struktur erbjuder detta en samtida jämförelse utan att återge kubistiska motiv.
Dana Gordon: Färgformer inom en större helhet
Dana Gordons kalejdoskopiska kompositioner har beskrivits i relation till orfisk kubism, en distinkt jämförelse snarare än en synonym för syntetisk kubism. Hans verk erbjuder en annan väg in i det nöje av färg och konstruerad form som diskuteras här. I New Space markerar enfärgade kvadrater ett tätt rutnät av målade spiralformer. Dessa lugnare block tycks sväva över den livliga ytan och skapar en spänning mellan enskilda former och kompositionen som helhet. Gordon betraktar sammanhängande former och kluster som små målningar inom en större målning, en idé som belönar både närstudier och betraktande på avstånd.
Anne Katrine Senstad: Collage från skannade färgnegativ
I Anne Katrine Senstads Cosmosis Collages tar konstruktionen fotografisk form. Som konstnären förklarar skannades hennes originalnegativ och sammanfogades sedan till collage; de fotograferades inte. De härrör från hennes tidiga abstrakta fotografiska färgfältsverk, The Pink Project (2004–2007). I Composition no 2C4 Blue korsar smala rosa, persikofärgade och gula band ett mörkblått fält, medan genomskinliga rektangulära plan antyder lager under ytan. Färg och placering, snarare än ett avbildat objekt, skapar kompositionens rumsliga relationer. Till skillnad från Braques inklistrade papper sammanfogas dessa element genom en skannad fotografisk process. Med sina dokumenterade suprematistiska och konstruktivistiska inspirationskällor erbjuder serien en samtida jämförelse med collagets förmåga att skapa en bild genom relationer mellan separata element.
Att samla samtida abstraktion: material, pris och sammanhang
För den som överväger ett förvärv kan dessa jämförelser hjälpa till att tydliggöra smaken. Är det en strukturerad yta, ett rytmiskt färgarrangemang eller illusionen av överlappande plan som lockar? Att identifiera den preferensen är en mer användbar utgångspunkt än att söka ett samtida verk enbart för att det liknar en berömd historisk målning.
Vad bör du leta efter innan du köper?
Börja med det enskilda verket: dess material, mått, skick och dokumentation. Fråga hur det passar in i konstnärens bredare konstnärskap och gå igenom den utställningshistorik och de samlingsregister som ligger till grund för presentationen. För skiktade målningar eller verk i blandteknik bör du be om närbilder och information om ytans konstruktion. För en fotografisk upplaga som Senstads utvalda verk Cosmosis, som erbjuds i en upplaga om sex exemplar plus två konstnärsexemplar, bör du fastställa upplagedetaljer, utskriftsspecifikationer och medföljande dokumentation. Ett fotografiskt collage och en unik målning kan ha liknande visuella frågeställningar men ändå vara mycket olika objekt att äga.
Hur bör du tänka kring pris och marknadsvärde?
Historisk betydelse, visuell samhörighet och marknadsvärde är separata frågor. En samtida konstnärs relation till kubistiska idéer placerar inte deras verk på samma marknad som ett original av Picasso, Braque eller Gris. När du jämför priser bör du leta efter verkligt jämförbara verk av samma konstnär och ta hänsyn till teknik, skala, datering och om verket är unikt eller ingår i en upplaga. Ett begärt pris är inte detsamma som ett realiserat försäljningspris, och en begränsad upplaga fastställer inte i sig framtida efterfrågan. Utställningshistorik och kritiskt erkännande ger sammanhang, inte ett löfte om värdestegring eller enkel vidareförsäljning.
Vad innebär det att leva med verket?
Ta hänsyn till inramning, leverans, försäkring och eventuell specialistinstallation utöver inköpspriset. Be om skötselråd som är anpassade till materialen, särskilt för fotografiska ytor och skiktade konstruktioner, och tänk på det ljus och det utrymme där verket ska visas. Den mest givande kopplingen till konsthistorien kan i slutändan vara personlig: att förstå varför ett verk fångar din uppmärksamhet och upptäcka hur dess färg, struktur och yta fortsätter att förändras när du betraktar det upprepade gånger.
Utvald bild: Pablo Picasso - Tre musiker, 1921 (detalj), ©Artists Rights Society (ARS), New York
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio (2016)
Redigerad av IdeelArt-redaktionen (2026)
Relaterade konstverk
