Hur analytisk kubism förutsåg ren abstraktion

Vad som verkar vara motsatta krafter i världen kompletterar faktiskt varandra. Så var det vid sekelskiftet 1900 mellan två stora, samtidiga strömningar inom konstvärlden: analytisk kubism och ren abstraktion. På ena sidan fanns konstnärerna förknippade med analytisk kubism, kända namn som Pablo Picasso och Georges Braque, genier som ägnade sig åt att upptäcka ett konceptuellt hyperrealistiskt sätt att skapa konst. På andra sidan fanns konstnärerna förknippade med ren abstraktion; personer som Wassily Kandinsky, som ägnade sig åt att upptäcka en helt icke-föreställande konst. Trots att de till synes var diametralt motsatta var dessa två olika tillvägagångssätt för konstskapande oupplösligt förenade. Genom att bryta ner den objektiva verkligheten för att kunna presentera den mer fullständigt hjälpte de analytiska kubisterna den rena abstraktionen att hitta sin röst.

Vad var analytisk kubism?

När konstkritiker och konsthistoriker talar om analytisk kubism syftar de på en tendens inom måleriet som uppstod mellan 1908 och 1912. Före den tiden hade målningar ansetts vara antingen tvådimensionella (om de saknade djup) eller tredimensionella (om de gav en känsla av djup genom tekniker som skuggning). Under den perioden ägnade sig en liten grupp konstnärer ledda av Pablo Picasso och Georges Braque åt revolutionerande estetiska experiment med avsikt att föra måleriet in i den fjärde dimensionen.

De gamla målerisätten byggde på att konstnären arbetade från ett enda perspektiv. Även om det var lämpligt för att visa en ögonblicksbild av ett motiv uppnådde det inte vad Picasso ansåg vara verklighet, som uppfattas från flera perspektiv samtidigt. För att uppnå en känsla av rörelse och tidens gång (den fjärde dimensionen) övergav Picasso och hans kollega Braque användningen av det enda perspektivet. Deras argument var att vi i verkliga livet uppfattar föremål från en mängd olika perspektiv. Vi ser något från olika synvinklar vid olika tidpunkter på dagen i olika ljus, ibland i rörelse och ibland stilla. Deras experiment syftade till att visa sitt motiv på detta mer realistiska sätt, från en mängd olika synpunkter samtidigt.

Pablo Picasso - Porträtt av Ambroise Vollard, 1910, olja på duk. 93 x 66 cm, Pushkinstatens konstmuseum, Moskva, © 2017 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Samtidighet

Deras ord för denna typ av målning med flera perspektiv var samtidighet. De målade delar av sitt motiv från olika synvinklar och i olika ljus och vid olika tidpunkter på dagen och kombinerade sedan dessa delar på ett enda plan, vilket visade alla olika synpunkter samtidigt utan att ge någon särskild företräde. För att förstärka denna effekt höll de sin färgpalett enkel och undvek skuggning eller någon annan teknik som skulle ge bilden djup. Resultatet blev en tillplattad, mångsidig bild som verkade bestå av förenklade geometriska former.

För en oinvigd betraktare kan en analytisk kubistisk målning verka abstrakt. Men sann analytisk kubism var inte abstraktion; det var snarare en form av förhöjd realism. Resultatet av Picassos och Braques experiment var, enligt deras uppfattning, en mer realistisk återgivning av deras motiv, åtminstone från ett konceptuellt perspektiv om inte ett bokstavligt. Ett av de tidigaste exemplen på det vi nu kallar analytisk kubism är Picassos Porträtt av Ambroise Vollard, målat 1909. Där kan vi tydligt se att motivet är avsett att vara föreställande, medan de olika synvinklarna, olika ljuset och olika plan ger oss en känsla av rörelse och samtidighet som förhöjer vår förståelse av motivets närvaro.

Wassily Kandinsky - Kon, 1910, olja på duk, 95,5 cm x 105 cm

Under tiden i München

Samma år som Picasso målade sitt Porträtt av Ambroise Vollard i Paris, befann sig Wassily Kandinsky, konstnären som snart skulle få äran för uppfinningen av ren abstraktion, i Tyskland och genomförde sina egna estetiska experiment. Kandinsky arbetade också med idén om platthet och förenkling av det estetiska språket, men av andra skäl än Picasso och Braque. Kandinsky var på en mission att skapa helt abstrakta målningar. Han trodde att, liksom med instrumentalmusik, kunde bildkonst ha förmågan att förmedla djupare känslor och kanske en känsla av andlighet genom att kommunicera på en rent abstrakt nivå.

Kandinskys experiment var en förlängning och kulmination av många olika strömningar som pågått inom konsten sedan mitten av 1800-talet. Han bröt ner måleriet till dess grundläggande element, såsom färg, linje och form, och lärde sig vad varje element kunde förmedla på egen hand. Han trodde att dessa element kunde jämföras med olika musikaliska toner, tonarter eller tempoväxlingar i den mening vilken effekt de kunde ha på människans psyke. Ett exempel på Kandinskys verk från denna tid är hans målning Kon, som, även om den tydligt är föreställande, uppnår en tillplattning av rummet och en radikal nedbrytning av bildens estetiska element.

Wassily Kandinsky - Untitled (Första abstrakta akvarellen), 1910, akvarell och indiskt bläck och blyerts på papper, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankrike

Världar förenas

Så i Frankrike plattade Picasso och Braque till sina bilder och minskade sitt estetiska språk för att effektivt kunna skildra sitt motiv på ett förenklat sätt från flera olika synvinklar. Och i Tyskland strävade Kandinsky också efter platthet och tvådimensionellhet och förenklade också sina bilder, men av en annan anledning. Istället för att använda geometriska former för att fördjupa betraktarens förståelse av en målningens motiv, utforskade Kandinsky och andra med hans inställning vilka betydelser som kunde utvinnas ur geometriska former om de användes oberoende av föreställande motiv.

Någon som inte kände till syftet med konstnärernas olika experiment kunde se en av deras målningar och få en helt annan uppfattning än den som faktiskt var avsedd. Men dessa två olika tankeskolor var ändå ganska motsatta i sin avsikt. Samma år som han målade Kon fick Kandinsky ett genombrott. Han kombinerade sina egna teorier om instinkt, andlighet och färg med de analytiska kubisternas teorier om platthet och geometrisk förenkling och skapade det som de flesta historiker nu anser vara den första rent abstrakta målningen: Untitled (Första abstrakta akvarellen).

Jean Metzinger - Teatime, 1911, olja på kartong, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphia

Flera samtidiga samtidigheter

Det är roligt idag att föreställa sig den uppståndelse som Kandinskys Untitled (Första abstrakta akvarellen) och Picassos och Braques analytiska kubistiska målningar orsakade, och den känsla som så många målare måste ha haft att de behövde välja sida. Under de följande åren tog en mängd andra målare upp analytisk kubism och fortsatte tillsammans med Picasso och Braque att utforska den fjärde dimensionen i sina verk. I vissa fall blev deras målningar alltmer förenklade och visade en tydlig vision av vad analytisk kubism egentligen handlade om. Till exempel målningen Teatime av Jean Metzinger, som anses vara ett särskilt direkt, kanske ganska uppenbart exempel på analytisk kubisms avsikt. Den visar samtidighet effektivt samtidigt som den förlitar sig på ett begränsat antal olika perspektiv.

Andra analytiska kubister gjorde verk som gick åt andra hållet, blev mer täta och mer komplexa, vilket gjorde det allt svårare att urskilja motivet. Ett exempel är Pablo Picassos Dragspelare, målad 1911. Även om Picasso inte avsåg att detta skulle vara en abstrakt målning, missförstår många betraktare än idag detta verk och anser det vara abstrakt bara för att det är svårt att urskilja vad som avbildas; särskilt med tanke på så många andra målare som samtidigt medvetet försökte skapa abstrakta verk.

Pablo Picasso Dragspelare, 1911, olja på duk, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Spelar avsikten verkligen någon roll?

Det har ofta påpekats att när man läser en dikt förändras effekten om man råkar känna poeten personligen. Detsamma kan lätt sägas om en målning, eller ett musikstycke, eller kanske vilket konstverk som helst. Även om de analytiska kubisterna inte avsåg att bidra till framväxten av ren abstrakt konst, hade den oinvigde betraktaren som inte kände dem personligen och som inte kände till teorin bakom deras verk utan tvekan reaktioner på verken som inte hade någon koppling till konstnärernas avsikter.

Oavsett om det var deras avsikt eller inte hjälpte de analytiska kubisterna de rena abstraktionisterna genom att förbereda allmänheten, inklusive kritiker och historiker, att acceptera experiment med struktur och perspektiv. Deras verk verkade icke-föreställande, även om de ändå innehöll motiv, så förutom vad de analytiska kubisterna avsåg att betraktarna skulle känna, kände de också andra saker på ett undermedvetet plan. Den insatsen att hjälpa betraktare att sätta undermedvetna känslomässiga reaktioner på till synes icke-föreställande bilder i ett sammanhang var den viktigaste insatsen som analytisk kubism gjorde för utvecklingen av ren abstraktion.

Ja, analytisk kubism och ren abstraktion var motsatta krafter när det gäller avsikt. Men genom att utmana bildplanet och förvränga allmänhetens uppfattning av föreställande verklighet kompletterade analytisk kubism ren abstraktion och hjälpte den att vinna acceptans i det offentliga rummet. Trots att de verkade motsatta bidrog dessa två radikalt olika sätt att närma sig konsten mycket till varandras framgång.

Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio