Hur analytisk kubism förutsåg ren abstraktion

Vad som verkar vara motsatta krafter i världen kompletterar faktiskt varandra. Så var det i början av 1900-talet mellan två stora, samtidiga trender inom konstvärlden: analytisk kubism och ren abstraktion. Å ena sidan fanns konstnärerna kopplade till analytisk kubism, kända namn som Pablo Picasso och Georges Braque, genier som var dedikerade till att upptäcka ett konceptuellt hyper-realistiskt sätt att skapa konst. Å andra sidan fanns konstnärerna kopplade till ren abstraktion; personer som Wassily Kandinsky, som var dedikerade till att upptäcka en helt icke-representativ konst. Även om dessa två olika tillvägagångssätt för konstskapande till synes var diametralt motsatta, var de oåterkalleligt kopplade. Genom att bryta ner objektiv verklighet för att presentera den mer fullständigt, hjälpte de analytiska kubisterna den rena abstraktionen att hitta sin röst.

Vad var analytisk kubism?

När konstkritiker och konsthistoriker pratar om analytisk kubism, hänvisar de till en tendens inom måleri som uppstod mellan 1908 och 1912. Före den tiden hade målningar setts som antingen tvådimensionella (om de saknade djup) eller tredimensionella (om de gavs en känsla av djup genom tekniker som skuggning). Under den tiden deltog en liten grupp konstnärer ledd av Pablo Picasso och Georges Braque i revolutionerande estetiska experiment avsedda att ta måleriet in i den fjärde dimensionen.

De gamla måleriteknikerna byggde på att en konstnär arbetade utifrån ett enda perspektiv. Även om det var lämpligt för att visa en ögonblicksbild av ett motiv, uppnådde det inte vad Picasso ansåg vara verklighet, vilket uppfattades från flera perspektiv samtidigt. För att uppnå en känsla av rörelse och tidens gång (den fjärde dimensionen) övergav Picasso och hans kollega Braque användningen av det enda perspektivet. Deras argument var att vi i verkliga livet uppfattar objekt från en mängd olika perspektiv. Vi ser något från olika synvinklar vid olika tider på dygnet i olika belysning, ibland rörande och ibland stillastående. Deras experiment syftade till att visa sitt motiv på detta mer realistiska sätt, från en mängd olika synvinklar samtidigt.

Pablo Picasso - Porträtt av Ambroise Vollard, 1910, Olja på duk. 93 x 66 cm, Pushkinstatens konstmuseum, Moskva, © 2017 Pablo Picassos egendom / Artists Rights Society (ARS), New York

Samtidighet

Deras ord för denna typ av måleri med flera perspektiv var simultaneitet. De målade delar av sitt motiv från olika synvinklar och i olika belysning och vid olika tider på dygnet och kombinerade sedan dessa delar på en enda yta, vilket visade alla de olika synpunkterna på en gång utan att ge någon av dem särskild fördel. För att förstärka denna effekt höll de sin färgpalett enkel och undvek skuggning eller någon annan teknik som skulle lägga till djup i bilden. Resultatet blev en platt, flervinklad bild som till synes bestod av förenklade geometriska former.

För en tillfällig observatör kan en analytisk kubistisk målning verka abstrakt. Men verkligt analytisk kubism var inte abstraktion; det var snarare en form av förhöjd realism. Resultatet av Picassos och Braques experiment var, i deras sinne, en mer realistisk representation av deras motiv, åtminstone från ett konceptuellt perspektiv om inte ett bokstavligt. Ett av de tidigaste exemplen på vad vi nu kallar analytisk kubism är Picassos Porträtt av Ambroise Vollard, målat 1909. I det kan vi tydligt se att motivet är avsett att vara representativt, medan de olika synvinklarna, det olika ljuset och de olika planen ger oss en känsla av rörelse och simultanitet som fördjupar vår förståelse av subjektets närvaro.

Wassily Kandinsky - Kon, 1910, Olja på duk, 95,5 cm x 105 cm

Samtidigt i München

Det år som Picasso målade sin Porträtt av Ambroise Vollard i Paris, var Wassily Kandinsky, konstnären som snart skulle krediteras med uppfinningen av ren abstraktion, i Tyskland och genomförde sina egna estetiska experiment. Kandinsky arbetade också med idén om platthet och förenkling av det estetiska vokabuläret, men av andra skäl än Picasso och Braque. Kandinsky var på en mission att skapa helt abstrakta målningar. Han trodde att, precis som med instrumentalmusik, kunde visuell konst ha förmågan att kommunicera djupare känslor och kanske en känsla av spiritualitet genom att kommunicera på en helt abstrakt nivå.

Kandinskys experiment var en förlängning och kulmination av många olika trender som hade förekommit inom konsten sedan mitten av 1800-talet. Han bröt ner måleriet i sina grundläggande element, såsom färg, linje och form, och lärde sig vad var och en av dessa element kunde kommunicera på egen hand. Han trodde att dessa element kunde jämföras med olika musikaliska noter, tonarter eller tempoväxlingar i den mening att de kunde påverka den mänskliga psyken. Ett exempel på Kandinskys verk från denna tid är hans målning The Cow, som, även om den tydligt är representativ, uppnår en utjämning av rummet och en radikal dekonstruktion av de estetiska elementen i bilden.

Wassily Kandinsky - Untitled (Första Abstrakta Akvarell), 1910, Akvarell och indiskt bläck och blyertspenna på papper, 49,6 × 64,8 cm, Centre Georges Pompidou, Paris, Frankrike

Världar kombinera

Så i Frankrike höll Picasso och Braque på att platta ut sina bilder och reducera sitt estetiska vokabulär, så att de effektivt kunde skildra sitt ämne på ett förenklat sätt från flera olika synvinklar. Och i Tyskland strävade Kandinsky också efter platthet och tvådimensionell form, och förenklade också sina bilder, men av en annan anledning. Istället för att använda geometriska former för att förbättra en betraktares förståelse av en målningens ämne, utforskade Kandinsky och andra med hans inställning vilka betydelser som kan utläsas från geometriska former om de används oberoende av representativt ämnesinnehåll.

Någon som var omedveten om syftet med konstnärernas olika experiment skulle kunna se en eller annan av deras målningar och komma bort med ett mycket annat koncept än det som faktiskt var avsett. Men dessa två olika tankeskolor var likväl ganska motsatta i sin avsikt. Samma år som han målade The Cow hade Kandinsky ett genombrott. Han kombinerade sina egna teorier om instinkt, spiritualitet och färg med de analytiska kubisternas teorier om platthet och geometrisk förenkling och skapade vad de flesta historiker nu anser vara den första helt abstrakta målningen: Untitled (First Abstract Watercolor).

Jean Metzinger - Teatime, 1911, Olja på kartong, 75,9 x 70,2 cm, Philadelphia Museum of Art, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphia

Flera samtidiga simultaniteteter

Det är roligt idag att föreställa sig den uppståndelse som orsakades av Kandinskys Untitled (First Abstract Watercolor) och Picassos och Braques analytiska kubistiska målningar, och känslan som så många målare måste ha haft att de behövde ta ställning. Under de kommande åren tog en mängd andra målare upp analytisk kubism, och tillsammans med Picasso och Braque fortsatte de att utforska den fjärde dimensionen i sina verk. I vissa fall blev deras målningar mer och mer förenklade, vilket visade en tydlig vision av vad analytisk kubism egentligen handlade om. Till exempel, målaren Jean Metzingers Tea Time, som anses vara ett särskilt direkt, kanske ganska uppenbart exempel på analytisk kubisms avsikt. Den demonstrerar simultanitet effektivt medan den förlitar sig på ett begränsat antal olika perspektiv.

Andra analytiska kubister skapade verk som gick i motsatt riktning, blev mer täta och mer komplexa, vilket gjorde det allt svårare att urskilja motivet. Ett exempel är Pablo Picassos Accordionist, målad 1911. Även om Picasso inte avsåg att detta skulle vara en abstrakt målning, missförstår många betraktare fortfarande detta verk och anser att det är abstrakt helt enkelt för att det är svårt att urskilja vad som representeras; särskilt med tanke på så många andra målare som medvetet försökte skapa abstrakta verk vid samma tid.

Pablo Picasso Ackordeonist, 1911, Olja på duk, 130,2 x 89,5 cm, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, © 2017 Estate of Pablo Picasso / Artists Rights Society (ARS), New York

Spelar avsikten verkligen roll?

Det har ofta noterats att när man läser en dikt, förändras effekten om man råkar känna poeten personligen. Detsamma skulle lätt kunna sägas om en målning, eller ett musikstycke, eller kanske vilket konstverk som helst. Även om de analytiska kubisterna inte avsåg att bidra till uppkomsten av rent abstrakt konst, hade den tillfällige betraktaren som inte kände dem personligen, och som inte visste något om teorin bakom deras arbete, utan tvekan reaktioner på verket som inte hade någon korrelation med konstnärernas avsikter.

Oavsett om det var deras avsikt eller inte, hjälpte de analytiska kubisterna de rena abstraktionisterna genom att förbereda allmänheten, inklusive kritiker och historiker, att acceptera experimenterande med struktur och perspektiv. Deras arbete verkade icke-representativt, även om det ändå innehöll ämnesinnehåll, så förutom vad de analytiska kubisterna avsåg att få tittarna att känna, kände de också andra saker, på en undermedveten nivå. Denna bidragande faktor av att hjälpa tittarna att kontextualisera undermedvetna känslomässiga reaktioner på till synes icke-representativ bildspråk var det mest avgörande bidraget som analytisk kubism gav till utvecklingen av ren abstraktion.

Ja, analytisk kubism och ren abstraktion var motsatta krafter när det gäller avsikt. Men genom att utmana den bildliga ytan och förvränga allmänhetens känsla för representativ verklighet kompletterade analytisk kubism ren abstraktion och hjälpte den att vinna acceptans i den offentliga sfären. Även om de verkar motsatta, bidrog dessa två radikalt olika sätt att närma sig konsten mycket till varandras framgång.

Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio