Psykologin bakom form och gestalt

Varför tilltalar abstrakt konst? Ofta betraktad som ett visuellt språk av form, färg och struktur, finns det något mycket särskilt i attraktionen till ett abstrakt konstverk. Flera teorier finns som syftar till att förklara psykologin bakom åskådarens njutning och konstnärens skapelse av abstrakt konst. Effekterna av trauma hos konstnärer kan ofta observeras i en märkbar förskjutning mot abstraktion: berömt fortsatte Willem de Kooning att måla efter att ha utvecklat Alzheimers sjukdom, efter vilket hans stil blev alltmer abstrakt. Exemplet med de Kooning, och många andra som honom, visar att konst kan ge insikt i förändringarna i den mänskliga hjärnan som förändrar uttryck och perception. I den följande rapporten kommer vi att ta upp några av de psykologiska teorierna kopplade till abstrakt konst.

Neuroestetik: Att införa vetenskaplig objektivitet i studiet av konst

Under 1990-talet grundade visionneurovetaren Semir Zeki vid University College London disciplinen känd som neuroestetik, som undersöker, utifrån en neurologisk grund, den relativa framgången av olika konstnärliga tekniker. Flera vetenskapliga studier som undersöker orsaken till en dragning till abstrakt konst har kommit fram till att studier av denna konstgenre stimulerar mycket aktiv neural aktivitet när åskådaren kämpar för att identifiera bekanta former, vilket gör verket "kraftfullt". Genom att se verket som ett pussel blir hjärnan nöjd när den lyckas "lösa" detta problem (Pepperell, Ishai).

En särskild studie, ledd av Angelina Hawley-Dolan vid Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volym 22, sida 435), ifrågasatte huruvida abstrakt konst, skapad av professionella konstnärer, skulle vara lika tilltalande för ögat som en grupp slumpmässiga linjer och färger gjorda av barn eller djur. Hawley-Dolan bad volontärer att titta på ett verk av en berömd abstrakt konstnär och ett av en amatör, barn, schimpans eller elefant, utan förhandskunskap om vilket som var vilket. Volontärerna föredrog generellt verket av de professionella konstnärerna, även när etiketten berättade för dem att det var skapat av en schimpans. Studien drog därför slutsatsen att när vi ser på ett verk, är vi kapabla – även om vi inte kan säga varför – att känna av konstnärens vision. Hawley-Dolans studie följde de fynd som visade att de suddiga bilderna av impressionistisk konst stimulerar hjärnans amygdala, som spelar en central roll i känslor och emotioner. Men abstrakt konst, som ofta strävar efter att ta bort alla tolkningsbara element, faller inte inom denna kategori.

Med inspiration från denna studie, ifrågasätter Kat Austen i New Scientist (14 juli 2012) dragningen av abstrakt konst, inspirerad av effekten av att se ett verk av Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, vilket, skriver hon, var första gången ett verk av abstrakt konst hade väckt hennes känslor. Austen väcker hypotesen att verk av abstrakt konst som till synes inte innehåller något igenkännbart objekt för hjärnan – nämligen Rothko, Pollock och Mondrian – kan ha en effekt genom välbalanserade kompositioner eftersom de tilltalar, eller 'kapar', hjärnans visuella system.

I en studie av Oshin Vartanian vid University of Canada, där forskaren bad volontärer att jämföra en serie originalmålningar med en där kompositionen hade ändrats, upptäckte Vartanian att vi har en ökad respons på mönster och komposition. Nästan alla volontärer föredrog det ursprungliga verket, även när de arbetade med så olika stilar som ett stilleben av van Gogh och Bleu I av Miró. Resultaten antydde att betraktaren är medveten om den spatiala avsikten bakom målningarnas specifika kompositioner.

För att återvända till Austen, överväger hon också resultaten från Alex Forsythe, en psykolog vid University of Liverpool, som har kopplat samman formerna som används i abstrakt konst med hjärnans förmåga att bearbeta komplexa scener, med hänvisning till verken av Manet och Pollock. Genom att använda en komprimeringsalgoritm för att mäta den visuella komplexiteten hos konstverk och lagra komplexa bilder, drog Forsythe slutsatsen att vissa konstnärer kan utnyttja denna komplexitet för att tillfredsställa hjärnans behov av detaljer. Forsythe utforskade också hjärnans dragning till fraktalmönster och den attraktion som abstrakt konst har. Dessa upprepande mönster, hämtade från naturen, kan tilltala det mänskliga visuella systemet som har utvecklats utomhus, och Forsythe resonerar att abstrakta konstnärer kan använda färg för att "lindra en negativ upplevelse vi normalt skulle ha när vi stöter på för hög en fraktalinnehåll". Austen påpekar att neuroestetik fortfarande är i ett tidigt skede, och att det kan vara för tidigt att göra svepande uttalanden. Men de flera teorier som har behandlats genom detta studieområde ger oss större insikt i den visuella attraktionen av abstrakt konst. Inte minst har vissa forskare resonerat att hjärnan kan dras till verk av konstnärer inklusive Pollock, eftersom vi bearbetar visuell rörelse – som en handskriven bokstav – som om vi återupplever skapelsen. Detta kan vara en förståelse av den upplevda dynamiken i verk av Pollock, vars energiska produktion återupplevs av betraktaren.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Kol och vatten på papper. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Om det andliga i konsten

Låt oss nu gå tillbaka till för ungefär ett sekel sedan, till en av ledarna för den tyska expressionismen, känd för sin roll som en synestetisk konstnär: Kandinsky spelade en central roll i teorierna om psykologin bakom abstrakt konst under tidigt 1900-tal. Hans bok 'Om det andliga i konsten', publicerad 1911, kom att bli känd som grundtexten för abstrakt måleri och utforskade i stor detalj de känslomässiga egenskaperna hos form, linje och färg. Kandinskys synestesi manifesterade sig i hans onormala känslighet för färg och hans förmåga att inte bara se, utan också höra den. På grund av detta resonerade han att en målning skulle undvika intellektuell analys och istället tillåtas nå de delar av hjärnan som är kopplade till bearbetningen av musik. Kandinsky trodde att färg och form var de två grundläggande medlen genom vilka en konstnär kunde uppnå andlig harmoni i kompositionen och han separerade därmed skapandet och uppfattningen av konst i två kategorier: intern och extern nödvändighet. Med hänvisning till Cézanne föreslog Kandinsky att konstnären skapade juxtapositionen av linjära och färgformiga former för att skapa harmoni, en kontrastprincip som Kandinsky vågade påstod var den "viktigaste principen i konsten genom alla tider". Vi kan tillämpa en av Kandinskys principer, som diskuterats i detta akademiska arbete, på Jackson Pollocks konstnärliga praktik, där han placerade dukar på golvet och droppade färg på dem från högt. För Kandinsky måste konstnären inte följa konstens regler och måste vara fri att uttrycka sig med vilka medel som helst: en väsentlig faktor för intern nödvändighet. Enligt Edward Lavine blir måleri, för Pollock, "en upplevelse [in] vilken verket har krav på sig själv som existerar oberoende av målarens personlighet. Dessa krav verkar ofta kräva att man ger upp personlig valfrihet till förmån för verkets inre nödvändighet." (Mythical overtones in the work of Jackson Pollock) I viss mån motsäger denna teori den hos Forsythe och andra som nämnts, eftersom den antyder att konstnären har begränsad valfrihet i skapandet av verket. Ändå visar den kraften i processen att skapa abstrakt konst.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olja på papper. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Den grundläggande idén bakom principen för peak-shift är att djur kan reagera i större utsträckning på en mer överdriven stimulans än på en normal. Konceptet, som ursprungligen formulerades av etologen Nikolaas Tinbergen, tillämpades av V.S. Ramachandran och William Hirstein i den 1999 publicerade artikeln The Science of Art, där de använde mås-experimentet – där kycklingar lika gärna pickar på en röd prick på en moders näbb som på en pinne med tre röda ränder i änden – för att demonstrera att kycklingar reagerar på en 'superstimulus', här representerad av mängden röd kontur. För de två männen skulle denna pinne med den röda änden vara likvärdig med, säg, ett mästerverk av Picasso i förhållande till den nivå av respons som uppnås av åskådaren.

Ramachandran hävdade att abstrakta konstnärer manipulerar denna teori för att uppnå de mest positiva resultaten, genom att identifiera essensen av vad de vill avbilda, överdriva den och bli av med allt annat. Enligt Ramachandran är vår respons på abstrakt konst en toppförskjutning från ett grundläggande svar på något ursprungligt stimuli, även om åskådaren kanske inte minns vad det ursprungliga stimulit var.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olja på duk. 60 x 54 tum.

Hjärnskada och Abstraktion

För att återvända till de Kooning har studier visat att hjärnan inte har ett enda konstcenter, utan istället använder båda hjärnhalvorna för att skapa konst, något som kan påverka den konstnärliga förmågan eller naturen av konstnärlig produktion efter hjärnskada eller neurodegenerativ sjukdom. Enligt Anjan Chatterjee för The Scientist, kan skador på den högra sidan av hjärnan resultera i nedsatt rumslig bearbetning, vilket ofta leder till antagandet av en uttrycksfull stil som inte kräver samma grad av realism. På liknande sätt kan hjärnskador på den vänstra sidan av hjärnan inspirera konstnärer att använda mer livfulla färger i sitt arbete och att förändra innehållet i sina bilder. Den kaliforniska konstnären Katherine Sherwoods stil ansågs vara mer 'rå' och 'intuitiv' av kritiker efter en hemorragisk stroke i vänster hjärnhalva. Inte begränsat till produktionen av konst, kan hjärnskador också förändra uppskattningen av konst, säger Chatterjee. Mer specifikt kan skador på den högra frontalloben påverka bedömningen av abstrakthet, realism och symbolik, och skador på den högra parietalloben kan påverka bedömningen av livlighet och symbolik.

Gary Paller - 20 (2015) Blå, 2015. 59.1 x 45.7 tum

Prestige över Produktion

Det finns betydande bevis som tyder på att vi reagerar mer positivt på konst baserat på hur vi upplever den. När vi presenteras för ett verk av abstrakt konst bedömer människor det som mer attraktivt när de får veta att det kommer från ett museum än när de tror att det har skapats av en dator, även om bilderna är identiska. Detta fungerar på olika psykologiska nivåer, stimulerar den del av hjärnan som bearbetar episodiskt minne – idén om att gå till ett museum – och orbitofrontalcortex, som reagerar mer positivt på elementet av status eller äkthet hos ett verk, än på dess verkliga sensoriska innehåll, vilket tyder på att kunskap, och inte visuell bild, spelar en nyckelroll i vår attraktion till abstrakt konst. På liknande sätt kan det vara så att vi får större nöje av att minnas information om konst och kultur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på duk. 70 x 100 cm. 

Abstrakt konst tilltalar konstnärer

Ytterligare studier har visat varför abstrakt konst kan tilltala specifika grupper av människor mer akut, nämligen konstnärer. Genom att registrera de elektriska rytmerna som förekommer i hjärnorna hos icke-konstnärer och konstnärer, visade en studie att ämnets konstnärliga bakgrund hade stor inverkan på bearbetningen av abstrakt konst, vilket avslöjade att konstnärer visade fokuserad uppmärksamhet och aktivt engagemang med informationen. En teori föreslår att detta kan bero på att hjärnan använder minnet för att återkalla andra verk som ett sätt att förstå den visuella stimulansen. Det är denna känsla av återkallelse och en flerskiktad process av att söka efter erkännande som verkar ge abstrakt konst mycket av sin bestående dragningskraft. Från Kandinskys utforskande verk från 1911, till konceptet peak-shift, och till den samtida studien av neuroestetik, är psykologin bakom abstrakt konst ett stort och ständigt förändrat forskningsområde som bekräftar det bestående intresset för att försöka avkoda, förklara och njuta av abstrakt konst. 

Utvald bild: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 tum