Psykologin bakom form och gestalt

Varför tilltalar abstrakt konst? Ofta betraktad som ett visuellt språk av form, färg och gestaltning finns det något mycket särskilt i dragningen till ett abstrakt konstverk. Flera teorier finns som syftar till att förklara psykologin bakom åskådarens njutning och konstnärens skapande av abstrakt konst. Effekterna av trauma hos konstnärer kan ofta observeras i en märkbar förskjutning mot abstraktion: berömt är att Willem de Kooning fortsatte att måla efter att ha utvecklat Alzheimers sjukdom, varefter hans stil blev alltmer abstrakt. Exemplet med de Kooning, och många andra liknande honom, visar att konsten kan ge insikt i förändringar i den mänskliga hjärnan som påverkar uttryck och uppfattning. I följande rapport kommer vi att ta upp några av de psykologiska teorier som är kopplade till abstrakt konst.

Neuroestetik: Att införa vetenskaplig objektivitet i studiet av konst

Under 1990-talet grundade synneuroforskaren Semir Zeki vid University College London den disciplin som kallas neuroestetik, vilken undersöker, utifrån neurologisk grund, den relativa framgången för olika konstnärliga tekniker. Flera vetenskapliga studier som undersökt orsaken till attraktionen till abstrakta verk har kommit fram till att studiet av denna konstgenre stimulerar mycket aktiv nervaktivitet när åskådaren kämpar för att identifiera bekanta former, vilket gör verket ’kraftfullt’. Genom att se verket som ett pussel blir hjärnan nöjd när den lyckas ’lösa’ detta problematiska (Pepperell, Ishai).

En särskild studie, ledd av Angelina Hawley-Dolan vid Boston College, Massachusetts (Psychological Science, volym 22, sida 435), undersökte om abstrakt konst, skapad av professionella konstnärer, skulle vara lika tilltalande för ögat som en grupp slumpmässiga linjer och färger gjorda av barn eller djur. Hawley-Dolan bad frivilliga att titta på en målning av en känd abstrakt konstnär och en av en amatör, ett barn, en schimpans eller en elefant, utan förhandskunskap om vilken som var vilken. De frivilliga föredrog generellt verket av de professionella konstnärerna, även när etiketten sade att det var skapat av en schimpans. Studien drog slutsatsen att när vi betraktar ett verk kan vi – även om vi inte kan säga varför – känna konstnärens vision. Hawley-Dolans studie följde fynden att de suddiga bilderna i impressionistisk konst stimulerar hjärnans amygdala, som spelar en central roll i känslor och emotioner. Dock faller abstrakt konst, som ofta söker ta bort alla tolkbara element, inte inom denna kategori.

Med inspiration från denna studie undersöker Kat Austen i New Scientist (14 juli 2012) varför abstrakt konst tilltalar, inspirerad av effekten av att se ett verk av Jackson Pollock, Summertime: Number 9A, vilket, skriver hon, var första gången ett abstrakt konstverk väckte hennes känslor. Austen för fram hypotesen att abstrakta verk som till synes inte innehåller något igenkännbart föremål för hjärnan – nämligen Rothko, Pollock och Mondrian – kan ha en effekt genom välbalanserade kompositioner eftersom de tilltalar, eller ’kapar’, hjärnans synsystem.

I en studie av Oshin Vartanian vid University of Canada, där forskaren bad frivilliga jämföra en serie originalmålningar med en där kompositionen hade ändrats, upptäckte Vartanian att vi har en förhöjd respons på mönster och komposition. Nästan alla frivilliga föredrog originalverket, även när det gällde så olika stilar som ett stilleben av van Gogh och Bleu I av Miró. Resultaten antydde att betraktaren är medveten om den rumsliga avsikten bakom målningarnas särskilda kompositioner.

Tillbaka till Austen, hon tar också upp fynden av Alex Forsythe, psykolog vid University of Liverpool, som har kopplat formerna i abstrakt konst till hjärnans förmåga att bearbeta komplexa scener, med hänvisning till arbeten av Manet och Pollock. Med hjälp av en komprimeringsalgoritm för att mäta den visuella komplexiteten i konstverk och lagra komplexa bilder, drog Forsythe slutsatsen att vissa konstnärer kan använda denna komplexitet för att tilltala hjärnans behov av detaljer. Forsythe undersökte också hjärnans dragning till fraktalmönster och abstrakt konsts tilltal. Dessa upprepade mönster, hämtade från naturen, kan tilltala det mänskliga synsystem som utvecklades utomhus, och Forsythe menar att abstrakta konstnärer kan använda färg för att ”lugna en negativ upplevelse som vi normalt skulle ha när vi möter för hög fraktalinnehåll”. Austen påpekar att neuroestetik fortfarande är i sin linda och att det kan vara för tidigt att göra vida uttalanden. Dock ger de många teorier som behandlats inom detta studieområde oss större insikt i den visuella attraktionen hos abstrakt konst. Inte minst har vissa forskare resonerat att hjärnan kan dras till verk av konstnärer som Pollock, eftersom vi bearbetar visuell rörelse – som ett handskrivet brev – som om vi spelade upp skapandet. Detta kan vara en förklaring till den upplevda dynamiken i Pollocks verk, vars energiska skapande återupplevs av betraktaren.

Margaret Neill - Manifest, 2015. Kol och vatten på papper. 63,5 x 101,6 cm.

Wassily Kandinsky: Om det andliga i konsten

Låt oss nu gå tillbaka till för ungefär ett sekel sedan, till en av ledarna för tysk expressionism, känd för sin roll som synestetisk konstnär: Kandinsky spelade en central roll i tidiga 1900-talets teorier om psykologin bakom abstrakt konst. Hans bok ’Om det andliga i konsten’, publicerad 1911, blev känd som grundtexten för abstrakt måleri och utforskade i detalj de känslomässiga egenskaperna hos form, linje och färg. Kandinskys synestesi visade sig i hans ovanliga känslighet för färg och hans förmåga att inte bara se utan också höra den. På grund av detta menade han att en målning skulle undvika intellektuell analys och istället tillåtas nå de delar av hjärnan som är kopplade till bearbetning av musik. Kandinsky trodde att färg och form var de två grundläggande medlen genom vilka en konstnär kunde uppnå andlig harmoni i kompositionen och han delade därför in skapandet och uppfattningen av konst i två kategorier: inre och yttre nödvändighet. Med hänvisning till Cézanne föreslog Kandinsky att konstnären skapade en sammansättning av linjära och färgmässiga former för att skapa harmoni, en princip om kontrast som Kandinsky hävdade var ”den viktigaste principen i konsten vid alla tider”. Vi kan tillämpa en av Kandinskys principer, som diskuteras i detta akademiska arbete, på Jackson Pollocks konstnärliga praktik, där han lade dukar på golvet och droppade färg på dem från höjd. För Kandinsky måste konstnären inte följa konstens regler utan vara fri att uttrycka sig med vilka medel som helst: en avgörande faktor för inre nödvändighet. Enligt Edward Lavine blir målning för Pollock ”en upplevelse där verket har egna krav som existerar oberoende av målarens personlighet. Dessa krav verkar ofta kräva att man ger upp personlig valfrihet till förmån för verkets inre nödvändighet.” (Mytiska övertoner i Jackson Pollocks verk) Till viss del motsäger denna teori Forsythes och andras, eftersom den antyder att konstnären har begränsat val i skapandet av verket. Ändå visar den kraften i processen att skapa abstrakt konst.

Anya Spielman - Bury, 2010. Olja på papper. 28 x 25,4 cm.

Peak-Shift

Den grundläggande idén bakom principen peak-shift är att djur kan reagera starkare på en mer överdriven stimulans än på en normal. Begreppet, ursprungligen formulerat av etologen Nikolaas Tinbergen, tillämpades av V.S. Ramachandran och William Hirstein i artikeln The Science of Art från 1999, som använde mås-experimentet – där kycklingar pickar lika gärna på en röd prick på en modersnäbb som på en pinne med tre röda ränder i änden – för att visa att kycklingar reagerar på en ’superstimulans’, här representerad av mängden röd kontur. För de två männen skulle denna pinne med röd ände vara lik en mästerverk av Picasso i förhållande till den respons som åskådaren ger.

Ramachandran hävdade att abstrakta konstnärer utnyttjar denna teori för att uppnå bästa möjliga resultat, genom att identifiera kärnan i det de vill skildra, överdriva det och ta bort allt annat. Enligt Ramachandran är vår reaktion på abstrakt konst en peak-shift från en grundläggande reaktion på någon ursprunglig stimulans, även om åskådaren kanske inte minns vad den ursprungliga stimulansen var.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. Olja på duk. 60 x 54 tum.

Hjärnskada och abstraktion

Tillbaka till de Kooning, har studier visat att hjärnan inte har ett enda konstcentrum, utan använder båda hjärnhalvorna för att skapa konst, något som kan påverka konstnärlig förmåga eller karaktären på konstnärlig produktion efter hjärnskada eller neurodegenerativ sjukdom. Enligt Anjan Chatterjee för The Scientist kan skada på höger sida av hjärnan leda till nedsatt rumslig bearbetning, vilket ofta leder till att man antar en uttrycksfull stil som inte kräver samma grad av realism. På liknande sätt kan hjärnskada på vänster sida inspirera konstnärer att använda mer livfulla färger i sina verk och att ändra innehållet i sina bilder. Den kaliforniska konstnären Katherine Sherwoods stil bedömdes som mer ’rå’ och ’intuitiv’ av kritiker efter en blödning i vänster hjärnhalva. Hjärnskada påverkar inte bara produktionen av konst, utan kan också förändra uppskattningen av konst, säger Chatterjee. Mer specifikt kan skada på höger pannlob försämra bedömningen av abstraktion, realism och symbolik, och skada på höger hjässlob kan påverka bedömningen av livfullhet och symbolik.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59,1 x 45,7 tum

Status framför produktion

Det finns betydande bevis för att vi reagerar mer positivt på konst baserat på hur vi upplever den. När vi presenteras för ett abstrakt konstverk bedömer människor det som mer tilltalande när de får veta att det kommer från ett museum än när de tror att det är datorgenererat, även om bilderna är identiska. Detta fungerar på olika psykologiska nivåer, genom att stimulera den del av hjärnan som bearbetar episodiskt minne – tanken på att gå på museum – och orbitofrontala cortex, som reagerar mer positivt på status- eller äkthetsaspekten av ett verk än på dess verkliga sinnesinnehåll, vilket tyder på att kunskap, och inte den visuella bilden, spelar en nyckelroll i vår dragning till abstrakt konst. På liknande sätt kan det vara så att vi får större glädje av att minnas information om konst och kultur.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. Akryl på duk. 70 x 100 cm. 

Abstrakt konst tilltalar konstnärer

Ytterligare studier har visat varför abstrakt konst kan tilltala särskilt vissa grupper, nämligen konstnärer. Genom att registrera de elektriska rytmerna i hjärnorna hos icke-konstnärer och konstnärer visade en studie att ämnets konstnärliga bakgrund starkt påverkade bearbetningen av abstrakt konst, och avslöjade att konstnärer visade fokuserad uppmärksamhet och aktivt engagemang med informationen. En teori föreslår att detta kan bero på att hjärnan använder minnet för att återkalla andra verk som ett sätt att förstå den visuella stimulansen. Det är denna känsla av återkallande och en flerskiktad process av sökande efter igenkänning som verkar ge abstrakt konst mycket av dess bestående dragningskraft. Från Kandinskys utforskande verk från 1911, till konceptet peak-shift, och till den samtida studien av neuroestetik, är psykologin bakom abstrakt konst ett stort och ständigt föränderligt studieområde som bekräftar det bestående intresset för att försöka avkoda, förklara och njuta av abstrakt konst. 

Utvald bild: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47,2 x 35,4 tum