Varför Stanley Whitneys rutmålningar är viktiga

De senaste målningarna av den amerikanska abstrakta målaren Stanley Whitney har en distinkt rutnätsliknande kvalitet. De är arkitektoniska staplar av färger, som väcker minnen av neo-plastiska TV-färgband. Och hans senaste teckningar visar ännu tydligare hans dragning till rutnätet, bestående av enkla kompositioner av tjocka svarta linjer som liknar ett rudimentärt schackbräde eller fiskenät. Men Whitney var inte alltid en rutnätsmålare. Rutnätet var något som det tog honom årtionden att dras mot. Faktum är att när man ser över de senaste fem decenniernas målningar kan man inte låta bli att knyta en sorts progressiv berättelse till verket, en som har sträckt sig långt bortom sina ursprung och blivit både enklare och mer djupgående längs vägen. Detta är ironiskt eftersom Whitney en gång sa i Modern Art News Podcast att anledningen till att han antog ett abstrakt visuellt språk var för att, “jag ville egentligen inte vara en berättare.” Men hans estetiska utveckling berättar faktiskt en historia. Det är inte en typisk, hjältemodig, början-mitt-slut-berättelse. Det är snarare mer som en kronologi, eller en serie nyhetsrapporter från frontlinjerna i en pågående strid. Den striden, som Stanley Whitney har fört sedan han till och med innan han vände sig till abstraktion på slutet av 1960-talet, handlar om måleriets och tecknandets medier, och deras roll i uttrycket av färg och rum.

En färgstark ungdom

Det är ingen överraskning att Stanley Whitney har blivit känd för sin undersökning av färg. Nu i 70-årsåldern berättar han en vacker historia om att vara ett tioårigt barn som deltog i sin första målningsklass på en grannskola i sin hemstad Bryn Mawr, Pennsylvania. Läraren instruerade barnen i klassen att måla självporträtt. Medan de andra studenterna gjorde försök att fånga sina olika realistiska ansikten, kände Whitney sig mer dragen till färg än till representativt ämnesinnehåll.

Istället för att försöka blanda en färgpalett som relaterade till hans faktiska utseende, gjorde han ett självporträtt som inkluderade varje färg han kunde komma på. Whitney säger att läraren gillade målningen, men hans föräldrar förstod den inte. De skickade aldrig tillbaka honom till klassen. Men det stoppade inte Whitney från att dras till målandets och färgens möjligheter. Faktum är att det inte är en överdrift att säga att sedan den dagen som tioåring i sin första målningsklass, har Stanley Whitney förblivit engagerad i att söka efter det ideala sättet att göra färg till sitt ämne.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

Hitta utrymme

Förutom sin dragning till färg, drogs Stanley Whitney också som ung till ritprocessen. Hans svartvita teckningar verkade först vara orelaterade till hans kärlek till färg, men det fanns en subtil koppling mellan de två som tog honom många år att inse. Kopplingen har något att göra med rum. När han gjorde sina svartvita teckningar, upptäckte han att fördelningen av rum kunde ske på otaliga sätt när linjerna förhandlar om sin relation till det vita rummet i kompositionen. När han dock blev mer skicklig på att måla, blev han förvirrad över hur man skulle uppnå samma förhandling av rum med färg.

I hans tidiga figurativa verk känns färgerna klaustrofobiska och trånga. I hans första försök med abstraktion, som var variationer på Color Field Painting med tillagda gestural markeringar, känns färgerna för lösa. Han sa, “Jag vill ha mycket luft i verket. Jag vill ha mycket utrymme i verket.” Men han verkade fastna i hur man skulle skapa luftighet ovanpå utrymmet på duken. Hans uppenbarelse kom på 1970-talet under en resa till Medelhavet. När han besökte Egypten och Rom såg han svaret i arkitektur och ljus. Den antika arkitekturen uttryckte struktur, kontroll och den demokratiska potentialen av staplade element. De medelhavslika skuggorna och ljuset visade honom att färg och ljus är samma sak, och att kalla och varma färger, som kallt och varmt ljus, uttrycker rum. Det låste upp en målningens mysterium som, som han säger, “Luft och utrymme kan finnas i färgen, inte att färgen var på utrymmet.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

En metodisk process

“Det var början på att saker kom samman,” säger Whitney. Från den punkten har han långsamt utvecklats mot de rutmålningar han gör idag. Han har utforskat att använda graffiti-liknande gester för att avgöra hur färg kan uttryckas genom linje, liknande arbetet av Mondrian. Han har undersökt sätt att närma sig rutan, från staplade former till rader av prickar och färgband. Han visste att han ville ha en skelettstruktur för att innehålla sina färger på ett rättvist sätt, men att han också inte ville att rutans regler skulle tvinga hans verk i en viss riktning. Han ville hitta den perfekta blandningen av struktur och frihet, som Jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

De mogna rutnätsverk som Stanley Whitney nu skapar är rena och stabila. De verkar till och med först sakna en del av den grit och ångest som gjorde hans tidigare insatser så levande. Men vid närmare granskning är de måleriska spåren av den mänskliga handen uppenbara, och komplexiteten i kompositionerna avslöjar den djup som Whitney fortfarande brottas med i sin gåta. Han har funnit ett sätt att göra färg till sitt ämne. Han har upptäckt hemligheten att färg och ljus är samma sak, och båda är manifestationer av rum. Och genom dessa upptäckter har han skapat en kropp av verk som är rik och obestridligt full av mening. Men trots sina upptäckter har han förblivit på rakbladets kant, utan att avslöja, eller kanske aldrig veta eller bry sig om att veta, exakt vad den meningen är.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

Utvald bild: Stanley Whitney - Utan titel, 2016, olja på linne, foto kredit av Galerie Nordenhake
Alla bilder © konstnären och Galerie Nordenhake;
Alla bilder används endast för illustrativa ändamål
Av Philip Barcio