Varför Stanley Whitneys rutmålningar är viktiga

De senaste målningarna av den amerikanske abstrakta målaren Stanley Whitney har en tydlig rutnätsliknande karaktär. De är arkitektoniska staplar av färger, som påminner om neo-plastiska tv-färgränder. Och hans senaste teckningar blottlägger ännu tydligare hans dragning till rutnätet, bestående av enkla kompositioner med tjocka svarta linjer som liknar ett primitivt schackbräde eller fisknät. Men Whitney var inte alltid en rutnätsmålare. Rutnätet var något han tog årtionden att närma sig. Faktum är att när man ser tillbaka på de senaste femtio årens målningar kan man inte låta bli att fästa en slags framåtskridande berättelse vid verken, en berättelse som sträcker sig långt bortom dess ursprung och blivit både enklare och djupare på vägen. Detta är ironiskt eftersom Whitney en gång sade i Modern Art News Podcast att anledningen till att han antog ett abstrakt bildspråk var för att, “Jag ville egentligen inte vara en berättare.” Men hans estetiska utveckling berättar en historia. Det är inte en typisk, hjältemodig, början-mitten-slut-berättelse. Det är snarare som en kronologi, eller en serie nyhetsrapporter från frontlinjerna i en pågående kamp. Den kampen, som Stanley Whitney har fört sedan innan han övergick till abstraktion i slutet av 1960-talet, är med måleriets och teckningens medier och deras roll i uttrycket av färg och rum.

En färgstark ungdom

Det är inte förvånande att Stanley Whitney blivit känd för sin undersökning av färg. Nu i 70-årsåldern berättar han en fin historia om när han som tioåring gick på sin första målarkurs i en närskola i sin hemstad Bryn Mawr, Pennsylvania. Läraren gav barnen i klassen i uppgift att måla självporträtt. Medan de andra eleverna försökte fånga sina realistiska ansikten, drogs Whitney mer till färg än till avbildande motiv.

Istället för att försöka blanda en färgpalett som motsvarade hans verkliga utseende, gjorde han ett självporträtt som innehöll alla färger han kunde komma på. Whitney säger att läraren gillade målningen, men hans föräldrar förstod den inte. De skickade honom aldrig tillbaka till kursen. Men det hindrade inte Whitney från att dras till möjligheterna med måleri och färg. Faktum är att det inte är en överdrift att säga att sedan den dagen som tioåring i sin första målarkurs har Stanley Whitney varit fast besluten att söka efter det perfekta sättet att göra färg till sitt ämne.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, fotokrediter Galerie Nordenhake

Att finna rum

Förutom sin dragning till färg drogs Stanley Whitney som ung också till teckningsprocessen. Hans svartvita teckningar verkade först orelaterade till hans kärlek till färg, men det fanns en subtil koppling mellan de två som det tog honom många år att inse. Kopplingen har att göra med rum. När han gjorde sina svartvita teckningar upptäckte han att rumsfördelningen kunde ske på otaliga sätt när linjerna förhandlade sin relation till det vita utrymmet i kompositionen. När han blev skickligare på att måla blev han dock förbryllad över hur han skulle uppnå samma rumsliga förhandling med färg.

I sina tidiga figurativa verk känns färgerna klaustrofobiska och trånga. I sina första försök till abstraktion, som var variationer på Color Field Painting med tillagda gestiska markeringar, kändes färgerna för lösa. Han sade, “Jag vill ha mycket luft i verket. Jag vill ha mycket rum i verket.” Men han verkade fastna i exakt hur han skulle skapa luftighet ovanpå duken. Hans insikt kom på 1970-talet under en resa till Medelhavet. Under besök i Egypten och Rom såg han svaret i arkitektur och ljus. Den antika arkitekturen uttryckte struktur, kontroll och den demokratiska potentialen i staplade element. Medelhavets skuggor och ljus visade honom att färg och ljus är samma sak, och att kalla och varma färger, likt kallt och varmt ljus, uttrycker rum. Det låste upp en gåta i måleriet som, som han säger, “Luft och rum kunde finnas i färgen, inte att färgen var på rummet.”

Stanley Whitney - Untitled, 2013, grafit på papper, fotokrediter Galerie Nordenhake

En metodisk process

“Det var början på att saker föll på plats,” säger Whitney. Från den punkten har han långsamt utvecklats mot de rutnätsmålningar han gör idag. Han har utforskat att använda graffitiliknande gester för att bestämma hur färg kan uttryckas genom linje, likt Mondrians verk. Han har undersökt olika sätt att närma sig rutnätet, från staplade former till rader av prickar och färgband. Han visste att han ville ha ett skelettliknande ramverk för att rättvist rymma sina färger, men han ville inte att rutnätets regler skulle tvinga hans verk i en viss riktning. Han ville hitta den perfekta blandningen av struktur och frihet, som jazz.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, olja på linne, fotokrediter Galerie Nordenhake

De mogna rutnätsverken som Stanley Whitney nu skapar är rena och stabila. De verkar till och med först sakna en del av den råhet och ångest som gjorde hans tidigare försök så levande. Men vid närmare granskning är de måleriska spåren av den mänskliga handen tydliga, och kompositionernas komplexitet visar på den djuphet med vilken Whitney fortfarande brottas med sin gåta. Han har funnit ett sätt att göra färg till sitt ämne. Han har upptäckt hemligheten att färg och ljus är samma sak, och båda är uttryck för rum. Och genom dessa upptäckter har han skapat en samling verk som är rik och obestridligen full av mening. Men trots sina upptäckter har han hållit sig på knivseggen, utan att avslöja, eller kanske utan att veta eller bry sig om att veta, exakt vad den meningen är.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, olja på duk, fotokrediter Galerie Nordenhake

Framträdande bild: Stanley Whitney - Untitled, 2016, olja på linne, fotokrediter Galerie Nordenhake
Alla bilder © konstnären och Galerie Nordenhake;
Alla bilder används endast i illustrativt syfte
Av Phillip Barcio