สัมภาษณ์กับเอลเลน พรีสต์

Ellen Priest ได้ฝากรอยเท้าในโลกศิลปะด้วยภาพวาดคอลลาจนามธรรมที่มีชีวิตชีวาของเธอมานานกว่าสามสิบปี ได้รับอิทธิพลจากเซซานน์ตั้งแต่เริ่มต้นอาชีพ และจากดนตรีแจ๊สตั้งแต่ทศวรรษ 1990 เธอพยายามจับภาพการเคลื่อนไหวและจังหวะซับซ้อนของบทเพลงแจ๊สหลากหลายในลายพู่กันที่มีสีสันสดใส IdeelArt ได้มีโอกาสพูดคุยเกี่ยวกับกระบวนการทำงานของเธอ พร้อมทั้งได้รับความเข้าใจในอิทธิพลและความหลงใหลในดนตรีของเธอตลอดเส้นทาง

คุณกล่าวว่าคุณได้รับอิทธิพลอย่างมากจากนิทรรศการชื่อ “Cezanne: The Late Works” ที่จัดแสดงภาพสีน้ำช่วงปลายของเขาที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ สไตล์ของเขายังคงมีอิทธิพลและแทรกซึมในผลงานของคุณอยู่หรือไม่?

โอ้ แน่นอน มันตลกดี นี่คือหนึ่งในความเข้าใจที่เรามีเมื่อยังเด็ก และสิ่งนี้ติดอยู่กับฉัน ฉันรู้สึกได้ในตอนนั้นว่านี่คือสิ่งสำคัญ ที่พิพิธภัณฑ์ศิลปะฟิลาเดลเฟียมีภาพทิวทัศน์ช่วงปลายของเซซานน์ที่เมื่อใดก็ตามที่ฉันต้องการเคลียร์หัวหรือหาแรงบันดาลใจ หรือต้องการแก้ปัญหา ฉันจะไปดูภาพนั้น ฉันจะยืนอยู่หน้าภาพทิวทัศน์นั้นจนกว่าจะเข้าใจ ผลงานช่วงปลายของเขาเป็นอิทธิพลที่ต่อเนื่องมากว่า 30 ปี ฉันคิดว่าเขาค้นพบวิธีจัดการกับสี และสิ่งที่หลายคนไม่รู้คือ การเลือกวางสีแต่ละสีเป็นเหมือนการวาดภาพ เซซานน์มีวิธีเข้าใจว่าวัตถุในพื้นที่ลอยตัวอย่างไร วิธีคิดของเขาดูเหมือนจะตรงกับของฉัน รูปร่างปรากฏขึ้นแล้วจางหายไป จากนั้นก็ปรากฏใหม่และเลือนหายอีกครั้ง ซึ่งสร้างภาพลวงตาว่าภาพวาดนั้นกำลังหายใจ เขายังคงมีมนต์ขลังสำหรับฉันเหมือนตอนที่ฉันเห็นผลงานครั้งแรก

ฉันรู้สึกโชคดีจริงๆ ฉันคิดว่านี่แสดงถึงความแข็งแกร่งและความยอดเยี่ยมของงานเขา สำหรับฉัน เขาเป็นเหมือนจุดเปลี่ยนสำคัญเช่นเดียวกับจิโอตโต้ในเรื่องมุมมองและวิธีจัดการกับรูปทรงในพื้นที่ ฉันเดาว่าถ้าฉันกระโดดไปข้างหน้า 500 ปี ผู้คนยังคงพูดถึงเซซานน์ในฐานะจุดเปลี่ยนสำคัญ นามธรรมแสดงออกที่ดึงดูดฉันตั้งแต่แรกนั้นยังคงแข็งแกร่งสำหรับฉันในตอนนี้ ฉันรู้สึกโชคดีที่เข้าใจมันตั้งแต่เนิ่นๆ ฉันเพียงแค่ตระหนักว่าสิ่งใดที่มีพลังสำหรับฉันในเชิงภาพ

ช่วยเล่ากระบวนการทำงานของคุณหน่อยได้ไหม? คุณใช้วัสดุและเทคนิคอะไรบ้าง?

ฉันใช้กระดาษ งานทั้งหมดของฉันอยู่บนกระดาษ สีที่ฉันใช้คือแฟลชและสีน้ำมัน แฟลชเป็นสีชนิดละลายน้ำที่มีฐานเป็นไวนิล รับเม็ดสีเหมือนสีน้ำและกัวช์ มันไม่ทำให้สีเปลี่ยนเป็นสีน้ำตาลเล็กน้อยเหมือนอะคริลิก มันเข้ากันได้ดีกับสีน้ำมัน สีอาจจะแตกต่างเล็กน้อยแต่ทำงานร่วมกันได้ดีในพื้นที่ ฉันใช้ดินสอเยอะมาก กระดาษที่ใช้มีตั้งแต่กระดาษสีน้ำฝรั่งเศสที่หนามาก และกระดาษแทรซซิ่งแวลลัมสองน้ำหนัก หนึ่งหนามากชื่อ Opalux อีกอันบางกว่า ทั้งสองชนิดเก็บรักษาได้ดี ฉันทำงานกับคู่สามีภรรยาในบอสตัน ชื่อจิมและโจน ไรท์ ซึ่งเป็นผู้ดูแลพิพิธภัณฑ์ พวกเขาช่วยสอนฉันในกระบวนการนี้ จิมสอนฉันใช้สีน้ำมันบนกระดาษแบบนี้โดยไม่เกิดปัญหา ฉันทำแบบนี้มานานแล้ว และงานดูเหมือนจะคงทนดี ฉันไม่เคยมีปัญหาเลย ฉันยังใช้เจล MSA เป็นกาว และไม่เคลือบชิ้นส่วนแต่ละชั้น ฉันใช้กาวจุดๆ และกดทับเพื่อให้เจลเซ็ตตัว ใช้เวลาประมาณหนึ่งสัปดาห์จึงแห้ง

คุณบอกว่าคุณใช้เวลาหนึ่งถึงห้าปีในแต่ละชุดงาน คุณรักษาแรงจูงใจและไม่หมดไฟอย่างไร?

กระบวนการของฉันค่อนข้างยาวแต่หลากหลาย เริ่มตั้งแต่การศึกษาด้วยพู่กัน ซึ่งเป็นการพบกันครั้งแรกกับเสียงและการเคลื่อนไหวของดนตรี การศึกษาด้วยพู่กันอาจใช้เวลาประมาณสามสิบวินาที แล้วค่อยๆ สร้างชิ้นงานที่หนาและซ้อนกัน ฉันไม่มีปัญหาเพราะกระบวนการนี้พัฒนามาหลายปีและเหมาะกับฉัน มันกลายเป็นภาษาที่ฉันคุ้นเคย แม้ว่าจะเป็นความท้าทายเสมอ ฉันคิดว่าเมื่อถึงจุดหนึ่ง เราก็กลายเป็นมืออาชีพ และไม่สำคัญว่ารู้สึกอย่างไรในวันนั้น ถึงเวลาทำงาน ฉันว่ายน้ำ ดื่มสมูทตี้ แล้วเริ่มทำงาน ฉันเรียนรู้ว่าถ้าหัวใจไม่อยู่กับงาน มีหลายวิธีที่จะทำให้ตัวเองเข้าไปอยู่ในนั้น ปกติฉันจะรู้ล่วงหน้าว่าวันรุ่งขึ้นต้องทำอะไร เมื่อพยายามหาความสัมพันธ์ของสี ฉันต้องนั่งดูและสลับแผ่นสีเพื่อดูว่าพวกมันทำงานอย่างไรในพื้นที่ ฉันมักเปิดเพลงด้วย กระบวนการนี้บางครั้งพาฉันไปข้างหน้าแม้จิตใจและหัวใจจะยังไม่พร้อม แต่ฉันต้องไปถึงจุดนั้น วินัยนี้มาพร้อมกับปีเวลา

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. กัวช์บนกระดาษ ขนาด 106.68 x 106.68 ซม.

คุณเลือกเนื้อหาและเรื่องราวอย่างไร?

เรื่องราวและเนื้อหาคือสิ่งที่แตกต่างกันมาก เนื้อหาคือผลลัพธ์สุดท้าย หรือความรู้สึกที่คุณได้รับเมื่อมองผลงาน ส่วนเรื่องราวคือแจ๊ส ศิลปินนามธรรมไม่กี่คนที่มีเรื่องราวที่ตั้งใจ ฉันพบตั้งแต่แรกว่าฉันไม่สามารถรักษาภาพให้สดใหม่ได้ถ้าไม่ใช้เรื่องราวภายนอก และฉันต่อสู้กับเรื่องนี้ประมาณสิบปี จนกระทั่งเกิดขึ้นเมื่อฉันฟังแจ๊ส ฉันกำลังเดินทางไปเวอร์มอนต์เพื่อเล่นสกีและฟังสถานี NPR ท้องถิ่น มีผลงานของมิเชล คามิโล นักเปียโนแจ๊สโดมินิกัน อยู่ดีๆ ฉันก็รู้ว่าพื้นที่ที่ฉันเห็นในหัวนั้นมีอยู่ในดนตรีของเขา

นั่นคือปี 1990 และฉันทำงานกับแจ๊สตั้งแต่นั้นมา มันคือเรื่องราวที่ตั้งใจ และฉันใช้เวลาหลายปีพัฒนาวิธีสร้างภาพจากมัน เดอ คูนิง ไม่เคยเห็นตัวเองเป็นจิตรกรนามธรรม เขามักมองรูปทรงและทิวทัศน์ บางครั้งก็ภาพนิ่ง โจน มิทเชลล์ ซึ่งเป็นหนึ่งในไอคอนของฉัน มีอาชีพยาวนานในฐานะจิตรกรนามธรรมแสดงออก และนั่นยากมาก เธอได้รับแรงบันดาลใจจากทิวทัศน์และบทกวี มีเพื่อนเป็นกวีหลายคน หนึ่งในนั้นคือจอห์น แอชเบอรี และเธอ “วาดภาพประกอบ” บทกวีของเขา เดอ คูนิงและมิทเชลล์เป็นหนึ่งในไม่กี่คนที่รักษาสไตล์การวาดภาพนามธรรมแสดงออกแบบมีท่าทางตลอดอาชีพของพวกเขา

คุณจัดการกับโลกศิลปะอย่างไร?

ไม่ค่อยดีนัก ฉันเป็นคนที่รู้วิธีเป็นนักธุรกิจและมืออาชีพมาก แต่ไม่รู้สึกว่าประสบความสำเร็จในด้านนั้น มันเป็นเรื่องที่ฉันยังพยายามอย่างหนัก อุปสรรคใหญ่สำหรับฉันคือ จากที่ฉันเห็น คนที่ดูงานศิลปะมากมักบอกว่าผลงานของฉันต้องดูด้วยตาตัวเอง ไม่เพียงเท่านั้น งานของฉันยังไม่เหมือนใคร ไม่มีใครใช้วัสดุแบบนี้ ความไม่เหมือนใครเป็นข้อดีแต่ก็เป็นข้อเสีย เพราะบางคนยากที่จะเชื่อมโยงกับสิ่งที่เห็นเพราะไม่เคยเห็นอะไรแบบนี้มาก่อน

คุณบอกว่างานของคุณได้รับอิทธิพลอย่างมากจากจังหวะและความเข้มงวดทางปัญญาของดนตรีแจ๊ส ตอนนี้คุณฟังอะไรที่ช่วยเติมพลังงานให้กับงานของคุณ?

จริงๆ ฉันฟังล่วงหน้าประมาณหนึ่งถึงสองปีก่อนเริ่มโปรเจกต์ใหม่ โปรเจกต์ของฉันอาจใช้เวลาตั้งแต่หนึ่งถึงห้าปี ดังนั้นถ้าฉันจะทำงานกับชิ้นใดชิ้นหนึ่งนานขนาดนั้น ฉันต้องชอบมัน! ไม่งั้นจะลำบากมากถ้ามันไม่ติดใจฉัน ฉันเพิ่งจะจบชุด Jazz Cubano และฉันเลือกชุดนี้เพราะชอบแจ๊สแอฟโฟ-คิวบัน จังหวะซับซ้อนมาก ฉันจึงตัดสินใจแยกมันออกเป็นชิ้นเล็กที่สุด—เสียงเครื่องเคาะทีละเสียง—แล้วค่อยๆ สร้างกลับขึ้นมา ชุดนี้สนุกมาก ฉันจะจบชุดนี้ภายในฤดูใบไม้ร่วงนี้แน่นอน แล้วจะเริ่มทำงานกับบทเพลงความยาวซีดีชื่อ The River โดยไรอัน โคแฮน นักเปียโนและนักแต่งเพลงจากชิคาโก

มันเป็นบทเพลงที่สวยงาม มีแปดส่วนที่เขียนอย่างละเอียด ระหว่างแต่ละส่วนมีช่วงเปียโนบรรเลงอิสระ—ซึ่งเป็นสัญลักษณ์ของแม่น้ำ เขาได้รับทุนไปแอฟริกา และ Chamber Music America ซึ่งเป็นผู้สนับสนุนชุด Venezuelan Suite ของเอ็ดเวิร์ด ไซมอน ที่ฉันทำงานด้วยเป็นเวลาห้าปี ก็สนับสนุนบทเพลงนี้ ไรอันนำจังหวะแอฟริกันพร้อมกับอิทธิพลอื่นๆ มารวมกันจนกลายเป็นสิ่งที่เป็นของเขาเอง นี่คือบทเพลงที่ย่อยและสร้างสรรค์อย่างงดงาม ฉลาดและมีช่วงอารมณ์กว้าง ฉันมักถูกดึงดูดทั้งทางอารมณ์และปัญญา ฉันตั้งตารอ The River มาก ซึ่งจะเริ่มในปลายฤดูใบไม้ร่วง หรือก่อนสิ้นปีแน่นอน

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. กระดาษ, สีน้ำมัน, แฟลช, ดินสอ, เจล MSA ขนาด 106.68 x 106.68 ซม.

ผลงานชิ้นไหนที่คุณภูมิใจที่สุดและเพราะเหตุใด?

ฉันคิดว่างานที่ฉันมีความสุขที่สุดอยู่ในสองกลุ่ม กลุ่มแรกคือชิ้นสุดท้ายในชุด Venezuelan Suite เพราะฉันสามารถสร้างความซับซ้อนและความเรียบง่ายในเวลาเดียวกันที่ฉันพอใจมาก ฉันจับความเร็วของดนตรีได้โดยไม่สูญเสียมันไป ฉันยังชอบภาพวาดในชุด Jazz Cubano มาก พวกมันเรียบง่ายแต่มีพลัง นั่นคือสองกลุ่มที่ฉันภูมิใจมาก สำหรับชิ้นงานเฉพาะ ฉันไม่สามารถบอกได้จริงๆ

คุณรู้ได้อย่างไรว่างานชิ้นใดเสร็จสมบูรณ์?

ฉันคิดว่าจะมีจุดหนึ่งที่ฉันมองงาน และในแต่ละขั้นตอนต้องตัดสินใจ เมื่อไม่มีอะไรที่อยากทำเพิ่ม หรือรู้สึกว่าถ้าทำเพิ่มจะเกินไป นั่นคือเวลาที่รู้ว่างานเสร็จแล้ว ฉันมักจะรอดูอีกสักพัก บางครั้งรู้ทันทีว่าจะทำอะไรต่อ แต่บางครั้งก็ต้องใช้เวลา ถ้ามีส่วนที่ไม่เคลื่อนไหว ฉันจะพยายามหาวิธีทำให้มันเคลื่อนไหว บ่อยครั้งหมายถึงต้องปรับส่วนอื่นของภาพ อาจไม่ใช่จุดนั้นโดยตรง อาจเป็นส่วนประกอบอื่นที่ต้องเปลี่ยน ฉันมักจะนอนคิดเรื่องนี้ บางทีคิดว่างานเสร็จแล้ว แต่ก็รอดูอีกครั้ง ต้องตัดสินใจก่อนติดกาว เมื่อฉันตัดขอบงาน บางครั้งก็มีเซอร์ไพรส์ และไม่ใช่ทุกครั้งที่ดี บางครั้งหลังตัดชิ้นงาน อาจเสียสมดุลและทำให้งานสูญเสียช่วงอารมณ์ที่เคยมี

การมีพื้นที่ทำงานจริงสำหรับศิลปะมีความหมายต่อกระบวนการของคุณอย่างไร และคุณทำให้พื้นที่นั้นเหมาะกับตัวเองอย่างไร?

ฉันมีบ้านเก่า สามชั้น สร้างในทศวรรษ 1890 หรือที่เราเรียกว่าบ้านแฝด มีแสงจากทิศเหนือสามชั้น และอยู่มุมถนน ดังนั้นจึงมีแสงธรรมชาติมากมาย ฉันใช้ชั้นล่างทั้งหมดเป็นสตูดิโอยกเว้นครัว ชั้นสองเป็นสำนักงานและห้องนั่งเล่น ชั้นสามเป็นที่ติดกาวและเก็บของ ดังนั้นฉันจึงมีพื้นที่ที่เพียงพอและดีมาก ซึ่งเปลี่ยนแปลงงานของฉันอย่างมาก การมีพื้นที่ถาวรและกว้างขวางเป็นพรสำหรับงานของฉัน การได้ตั้งตัวและทำงานได้อย่างเหมาะสมเป็นสิ่งที่วิเศษ บางครั้งฉันคิดว่าต้องการพื้นที่มากกว่านี้ แต่ก็มีพื้นที่เพียงพอแล้ว!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016. กระดาษ, สีน้ำมัน, แฟลช, ดินสอ, เจล MSA ขนาด 81.23 x 81.23 ซม.

อะไรที่ดึงดูดคุณเมื่อเห็นงานนามธรรม?

สำหรับฉัน นามธรรม (เมื่อดี) มีความชัดเจนในการคิดที่ดึงดูดใจ มันอาจเป็นสี อาจเป็นขาวดำ อาจเต็มไปด้วยภาพ หรืออาจเป็นรูปทรงเดียวลอยอยู่ในพื้นที่ แต่มีคุณภาพของความคิดที่ชัดเจน หนึ่งในศิลปินร่วมสมัยที่ฉันชื่นชอบตลอดกาลคือประติมากร Martin Puryear ฉันเคยเดินเข้าไปในนิทรรศการย้อนหลังของเขาที่ MoMA และรู้สึกตะลึง นิทรรศการเดียวกันจัดที่วอชิงตัน ดี.ซี. ฉันเปลี่ยนตารางเวลาทั้งหมดเพื่อไปดูอีกครั้ง เขาเก่งมาก งานของเขามีความบริสุทธิ์ของรูปทรงและความคิด งานของเขามีการอ้างอิงถึงยานพาหนะ สัตว์ เรือ นามธรรมสามารถอ้างอิงถึงโลกจริงและยังคงเป็นนามธรรม ดวงตาของเรามีเครื่องมือเดียวกันในการสำรวจโลกและดูงานนามธรรม ดวงตาเราเรียนรู้สิ่งนี้ตั้งแต่เด็ก เราใช้เครื่องมือเดียวกันในการดูงานนามธรรมแต่ไม่รู้ตัว มีบางอย่างในนามธรรมที่เสริมสร้างความเข้าใจโลกของเรา

คุณมีส่วนร่วมในงานแสดงหรือกิจกรรมใดที่กำลังจะมาถึงบ้าง? ที่ไหนและเมื่อไหร่?

ฉันกำลังพูดคุยกับโบสถ์ Saint Peter’s ในแมนฮัตตัน ซึ่งเป็นที่ที่ฉันจัดแสดงเมื่อฤดูใบไม้ผลิที่ผ่านมา—ฉันหวังจะแสดงโปรเจกต์ใหม่ที่นั่น ซึ่งเกี่ยวกับ The River นอกจากนั้น ฉันอาจมีงานแสดงท้องถิ่นที่วิลมิงตัน เดลาแวร์ในฤดูใบไม้ร่วงนี้เกี่ยวกับชุด Jazz Cubano


ภาพเด่น: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. กระดาษ, สีน้ำมัน, แฟลช, ดินสอ, เจล MSA ขนาด 81.3 x 119.4 ซม.