ความมีชีวิตชีวาและพลังในภาพวาดของโจแอน มิทเชล

เมื่อเรามองภาพวาดของ โจน มิทเชล เรากำลังมองภาพของเสรีภาพ เรากำลังมองการปล่อยวางที่ทำให้สัมผัสได้ มิทเชลเข้าหาการวาดภาพจากจุดที่มีเสรีภาพอย่างเต็มที่ โดยไม่มีแผนผังหรือแผนการที่ชัดเจน สิ่งที่ปรากฏบนผืนผ้าใบมาจากสัญชาตญาณของเธอ และเป็นการสะท้อนความจริงของเธอในทันที อาจเป็นความสุขที่เธอรู้สึก หรือความโกรธ หรือความกลัว; อาจเป็นภาพที่เกิดจากชิ้นส่วนของความทรงจำที่เธอเก็บไว้ในหัว หรือภูมิทัศน์ที่เธอรักซึ่งเธอเก็บไว้ในใจ เมื่อเราพบกับภาพวาดของเธอ ในระหว่างการมองอย่างรวดเร็วหรือไม่เป็นทางการ เราอาจรู้สึกหรือไม่รู้สึกในสิ่งที่มิทเชลรู้สึก เราอาจจำไม่ได้หรือไม่จำได้ถึงความหมายที่เธอหวังจะสื่อ แต่พลังงานที่ไหลผ่านเธอในทุกการกวาดพู่กันตะโกนใส่เรา มันหยุดเราในพื้นที่และพูดกับสิ่งที่เป็นสัญชาตญาณภายในเราที่รับรู้มันในสิ่งที่มันเป็น: การสะท้อนของความรัก การสูญเสีย ความสุข ความกลัว ความภาคภูมิใจ และความเจ็บปวดที่มีชีวิตชีวา ไม่มีวันสิ้นสุด และเป็นสากล.

การดำเนินการ

ทุกการปัดแปรงที่ทำโดยจิตรกรเป็นผลมาจากการเคลื่อนไหวทางกายภาพ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่ทุกการปัดแปรงที่จะสามารถประกาศการเคลื่อนไหวนั้นให้ผู้ชมได้เห็น บางการปัดแปรงตั้งใจที่จะซ่อนการเคลื่อนไหวที่สร้างมันขึ้นมา และเพิกเฉยต่อการมีส่วนร่วมของมือมนุษย์เลย มันเป็นหนึ่งในลักษณะเฉพาะของ จิตรกรแนวแอคชั่น ที่พวกเขาสามารถถ่ายทอดพลังและพลังงานของการเคลื่อนไหวของร่างกายของพวกเขาผ่านอวกาศบนพื้นผิวของผ้าใบ โจน มิทเชลล์ เป็นจิตรกรแนวแอคชั่น สมาชิกของสิ่งที่ถือว่าเป็นรุ่นที่สองของศิลปินแนวแอบสแตรกต์เอ็กซ์เพรสชันนิสต์ แต่เธอไม่ได้เริ่มอาชีพของเธอโดยมุ่งเน้นที่ท่าทางและการเคลื่อนไหว หรือการนามธรรม หรือแม้แต่การวาดภาพ ในขณะที่เรียนที่สถาบันศิลปะชิคาโก เธอเป็นศิลปินที่มีพรสวรรค์ในแนวรูปทรง ซึ่งได้รับรางวัลสำหรับการพิมพ์หินของเธอ.

แต่มิทเชลล์เป็นคนที่มีความเป็นกายภาพอย่างมากเสมอ ในโรงเรียนมัธยมในชิคาโก เธอเป็นนักกีฬาที่แข่งขันในระดับชาติ โดยได้อันดับสูงสุดถึงที่สี่ในชิงแชมป์การเล่นสเก็ตน้ำแข็งของสหรัฐอเมริกา อาการบาดเจ็บที่เข่าทำให้เธอจบอาชีพนักกีฬา แต่หลังจากที่เธอจบการศึกษาจากสถาบันศิลปะชิคาโกในปี 1947 เธอได้ย้ายไปนิวยอร์กและได้สัมผัสกับผลงานของจิตรกรนามธรรมที่มีการเคลื่อนไหว เช่น อาร์ชิล กอร์กี และแจ็คสัน พอลล็อค เธอได้รวมเอาความเป็นกายภาพเข้าไปในเทคนิคการวาดภาพของเธอทันที ภายในปี 1951 เธอได้พัฒนาสไตล์การวาดภาพนามธรรมที่มีการเคลื่อนไหวอย่างมีความเป็นผู้ใหญ่ และได้ทำความรู้จักกับกลุ่มศิลปินนามธรรมรุ่นแรกหลายคน เช่น วิลล์ เดอ คูนิง และ ฟรานซ์ ไคลน์ และด้วยคำเชิญ เธอได้เข้าร่วมคลับเอighth Street ที่มีชื่อเสียงซึ่งจัดการพบปะและพูดคุยของศิลปิน.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Oil on canvas. 6' 5 7/8" x 9' (197.9 x 274 cm). The Museum of Modern Art (MoMA) Collection, New York. © Estate of Joan Mitchell

ภูมิทัศน์ของโจแอน มิทเชล

โจน มิทเชลล์เติบโตขึ้นมาเพียงไม่กี่ช่วงตึกจากชายฝั่งทะเลสาบมิชิแกนในตัวเมืองชิคาโก ตั้งแต่ยังเด็ก เธอได้พัฒนาความผูกพันทางอารมณ์อย่างลึกซึ้งกับเส้นขอบฟ้าที่น้ำพบกับท้องฟ้า และเมื่อเป็นผู้ใหญ่ที่ใช้ชีวิตอยู่ในชนบทของฝรั่งเศสเป็นครั้งคราว รวมถึงในแฮมป์ตัน เธอก็ได้พัฒนาความรักอย่างมากต่อภูมิทัศน์ชนบท แม้ว่าผลงานที่เป็นผู้ใหญ่ของเธอทั้งหมดจะถือว่าเป็นนามธรรม แต่เธอมักจะเรียกตัวเองว่าเป็นจิตรกรของภูมิทัศน์ ผลงานจิตรกรรมหลายชิ้นของเธอมีคำว่า "ภูมิทัศน์" อยู่ในชื่อ หรือถูกตั้งชื่อตามสถานที่ท่องเที่ยวที่เธอรักใกล้ชิด.

ในหลาย ๆ งานจิตรกรรมของเธอ สามารถพบเบาะแสทางสายตาขององค์ประกอบ รูปทรง หรือพาเลตสีที่บ่งบอกถึงภูมิทัศน์ธรรมชาติ หรือแม้แต่พบเสียงสะท้อนเบา ๆ ของเส้นขอบฟ้า แต่ประเภทของภูมิทัศน์ที่มิทเชลวาดนั้นไม่ใช่ความพยายามเชิงรูปธรรมในการจับภาพโลกธรรมชาติ แต่เป็นการที่มิทเชลได้ซึมซับความรู้สึกของอารมณ์ที่เธอรู้สึกขณะอยู่ในสถานที่บางแห่งที่เธอรัก เธอมีความรู้สึกทางสุนทรียศาสตร์ที่เฉียบแหลมและเชื่อมโยงกับความคิดถึง และพยายามที่จะจับภาพ สี ความสมดุล และความกลมกลืนของภูมิทัศน์ที่เธอรัก ในขณะเดียวกันก็สื่อสารพลังงานและอารมณ์ส่วนตัวที่เธอผูกพันกับมันในความทรงจำของเธอด้วย.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, oil on canvas (diptych), Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

คู่ตรงข้ามเสริม

พลังส่วนใหญ่ที่เราสามารถรู้สึกได้ในภาพวาดของ Joan Mitchell ดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับแนวคิดของแรงที่ตรงกันข้าม ตัวอย่างที่เด่นชัดคือวิธีที่เธอเปลี่ยนจากสไตล์การวาดภาพแบบทั่วถึง ซึ่งทั้งผืนผ้าใบถูกปกคลุมด้วยภาพนามธรรม ไปสู่แนวทางการจัดองค์ประกอบแบบดั้งเดิมที่มีรูปทรงและพื้นหลัง โดยมีพื้นที่ขนาดใหญ่ของสีขาวหรือผืนผ้าใบที่ยังไม่ได้เคลือบ แต่แทนที่จะมองเห็นแรงที่ตรงกันข้ามในองค์ประกอบรูปทรงและพื้นหลังของเธอ มันถูกต้องกว่าที่จะกล่าวว่าแรงเหล่านั้นเป็นเสริมกัน พวกเขาไม่ขัดแย้งหรือต่อต้านกัน รูปทรงและพื้นหลังสลับบทบาทกัน ชี้แจงซึ่งกันและกันและแลกเปลี่ยนอิทธิพลต่อสายตาของผู้ชม.

เช่นเดียวกัน ความตรงข้ามที่เห็นได้ชัดอื่น ๆ ในผลงานของเธอก็ทำงานในลักษณะเดียวกัน รอยแปรงที่เบาเสริมด้วยรอยแปรงที่ดุดัน โดยกำหนดซึ่งกันและกันด้วยความแตกต่างที่สัมพันธ์กัน; พื้นผิวที่หนา แน่น และมีการทับซ้อนกันทำให้มีตัวตนต่อพื้นผิวเรียบของพวกมัน; รูปทรงเรขาคณิตหรือ ชีวภาพ ได้รับการยกย่องจากการทำเครื่องหมายที่เป็นนามธรรมที่มีความไพเราะ สาระสำคัญที่รวมกันซึ่งวิ่งอยู่ทั่วผลงานของ Joan Mitchell ไม่ใช่เรื่องของความตรงข้าม แต่เป็นเรื่องของการมีส่วนร่วมกับโลกแห่งความสัมพันธ์ที่เสริมสร้างซึ่งกันและกันเพื่อสร้างความกลมกลืนที่สมบูรณ์.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Oil on canvas. Joan Mitchell Foundation, New York. © Estate of Joan Mitchell

นามธรรมที่ยังไม่สมบูรณ์

ตลอดช่วงอาชีพของเธอ โจน มิทเชลล์ได้เปลี่ยนแปลงความงามของเธอหลายครั้ง การเปลี่ยนแปลงแต่ละครั้งเชื่อมโยงกับการเปลี่ยนแปลงทางภูมิศาสตร์หรือการเปลี่ยนแปลงในสถานการณ์ส่วนตัว หนึ่งในช่วงเวลาที่มีการเปลี่ยนแปลงมากที่สุดที่เธอประสบคือในทศวรรษ 1960 เมื่อเธอสูญเสียทั้งพ่อแม่และเพื่อนที่รักไปในเวลาเพียงไม่กี่ปี อีกช่วงหนึ่งเกิดขึ้นในทศวรรษ 1980 เมื่อเธอได้รับการวินิจฉัยว่าเป็นมะเร็ง ขณะที่การเปลี่ยนแปลงทางความงามแต่ละครั้งดูเหมือนจะสะท้อนถึงอารมณ์ที่แตกต่างกันอย่างชัดเจน แต่ไม่มีอันใดที่รู้สึกเหมือนเป็นจุดสิ้นสุดของสิ่งใด การพัฒนาแต่ละครั้งในงานของเธอมีความรู้สึกถึงสิ่งที่ยังไม่สมบูรณ์; สัญญาในระยะเริ่มต้นของสิ่งใหม่ที่ยังไม่ถูกสร้างขึ้น

หลังจากทศวรรษแห่งการขาดทุนที่เธอประสบในปี 1960 มิทเชลล์ได้เปลี่ยนไปสู่การสร้างรูปทรงเรขาคณิต และจากนั้นก็เปลี่ยนกลับไปสู่การทาสีแบบทั่วถึงอีกครั้ง พาเลตของเธอเปลี่ยนเป็นสีเขียวเข้มและสีเหลืองสดใส สะท้อนถึงสีสันของธรรมชาติ จากนั้นในปี 1980 พาเลตของเธอเปลี่ยนไปเพื่อรวมสีที่บริสุทธิ์และสีหลักมากขึ้น: สีน้ำเงิน สีส้ม สีเขียว และสีแดง แปรงของเธอกลายเป็นสั้นและอ้วน มีพลัง และเกือบจะสั่นสะเทือน ทุกช่วงใหม่สื่อสารถึงแนวคิดของการเริ่มต้นใหม่ที่ไม่แน่นอน และจึงมีความหมายในเชิงสื่อสารของสิ่งที่มีความหวังและใหม่.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Oil on canvas. Private collection. © Estate of Joan Mitchell

การปล่อยวาง

ตลอดทุกช่วงของผลงานของเธอ มีความรู้สึกที่ยั่งยืนของพลังงานและความมีชีวิตชีวาอยู่ในภาพวาดของ Joan Mitchell ไม่ว่าจะผ่านการลากพู่กัน การจัดองค์ประกอบ ความกลมกลืน หรือการใช้สีที่ตรงข้ามกัน ความพลังงานนั้นยังคงสร้างแรงบันดาลใจให้กับศิลปิน Abstract Expressionist รุ่นที่สามที่ทำงานอยู่ในปัจจุบัน เช่น Francine Tint นอกจากนี้ยังมีอิทธิพลต่อผลงานของศิลปินการแสดงออกแบบร่วมสมัย เช่น Ellen Priest.

จักรวาลของอารมณ์เปิดออกในผลงานของจิตรกรเหล่านี้ ซึ่งมีการเปลี่ยนแปลงอยู่เสมอระหว่างพลังที่มืดมิดที่สุดและที่สว่างที่สุด ที่ก้าวกระโดดออกมาจากพื้นผิวของภาพวาดของพวกเขาด้วยความรู้สึกเร่งด่วนอย่างบ้าคลั่ง มิทเชลล์เคยอธิบายแหล่งที่มาของความเร่งด่วนอย่างบ้าคลั่งนั้นโดยเปรียบเทียบความรู้สึกของเธอเมื่อวาดภาพกับการถึงจุดสุดยอด เธอยังเคยอธิบายมันว่า “ขี่จักรยานโดยไม่ใช้มือ” ทั้งสองคำบรรยายพูดถึงความสุขอย่างแท้จริงของการปลดปล่อยอารมณ์ที่เป็นไปได้จากการกระทำที่ปล่อยวางอย่างเต็มที่ และทั้งสองยังพูดถึงการแสดงออกถึงความซื่อสัตย์ของมนุษย์ที่เป็นไปได้เมื่อใครสักคนมีอิสระ.

ภาพเด่น: โจน มิทเชล - ไม่มีชื่อ, 1977, สีน้ำมันบนผ้าใบ, มูลนิธิโจน มิทเชล, นิวยอร์ก. © มรดกของโจน มิทเชล
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อวัตถุประสงค์ในการอธิบายเท่านั้น
โดย ฟิลลิป บาร์ซิโอ