สัมภาษณ์กับ Claude Viallat
ประวัติศาสตร์ศิลปะฝรั่งเศสในครึ่งหลังของศตวรรษที่ 20 จะไม่สมบูรณ์หากไม่กล่าวถึงบุคคลสำคัญในวงการศิลปะฝรั่งเศสและนานาชาติ – Claude Viallat ผู้สร้างสรรค์ที่โดดเด่นนี้เป็นหนึ่งในศิลปินนามธรรมฝรั่งเศสที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในช่วงไม่กี่ทศวรรษที่ผ่านมา แม้จะมีช่วงเวลาที่เขาทดลองกับสไตล์และแนวทางที่แตกต่าง Claude Viallat ยังคงซื่อสัตย์ต่อภาษาภาพของตัวเอง โดยมักจะทำลายกฎเกณฑ์และเทคนิคการวาดภาพแบบดั้งเดิม Viallat ได้รับคำชมโดยเฉพาะสำหรับวิธีการที่มีชื่อเสียงของเขาที่ใช้รูปทรงเดียวติดบนผืนผ้าใบโดยไม่มีโครงผ้า ก่อนนิทรรศการเดี่ยวที่กำลังจะมาถึงของ Claude Viallat ที่ Galerie Daniel Templon ในปารีส IdeelArt ร่วมกับ Art Media Agency ได้มีโอกาสใช้เวลาช่วงบ่ายในสตูดิโอของศิลปินที่เมือง Nîmes ประเทศฝรั่งเศส ซึ่งเขาอาศัยและทำงาน และได้รับสัมภาษณ์พิเศษ
Claude Viallat - แก่นแท้และการปฏิเสธ
สิ่งที่โดดเด่นในอาชีพของ Viallat คือเขายังคงซื่อสัตย์ต่อกฎและบรรทัดฐานของตัวเองเสมอ ไม่ว่าใครจะมองอย่างไร ในช่วงต้นอาชีพ Viallat เป็นสมาชิกของขบวนการ Supports/Surfaces ซึ่งเขาและศิลปินคนอื่น ๆ มุ่งเน้นไปที่วัสดุและท่าทางสร้างสรรค์ โดยวางตัวเรื่องไว้ข้างหลัง การทดลองกับสีและพื้นผิวของเขานำไปสู่การสร้างผลงานจำนวนมากที่เขาเป็นที่รู้จัก นอกจากนี้ Viallat ยังวาดภาพบนพื้นผิวที่หลากหลาย รวมถึงวัสดุรีไซเคิล ร่ม ผ้าต่าง ๆ เชือกทอหรือผูก Claude Viallat บุคคลสำคัญของศิลปะนามธรรมร่วมสมัย ยังคงมีผลงานอย่างต่อเนื่องด้วยอาชีพที่ยาวนานถึง 50 ปี Galerie Templon ในปารีสกำลังจัดนิทรรศการที่นำเสนอมุมมองทางประวัติศาสตร์ใหม่ของผลงานโดยศิลปินชาวฝรั่งเศสคนสำคัญนี้ นิทรรศการจะเปิดในวันที่ 4 มิถุนายน และจะจัดแสดงจนถึงวันที่ 23 กรกฎาคม 2016
งานของคุณเล่นกับคู่ของการทำซ้ำและความแตกต่างอย่างมาก การทำซ้ำของท่าทาง ขั้นตอน; ความแตกต่างในวัสดุ สี...
ฉันจะบอกว่างานของฉันเกี่ยวกับธรรมชาติในชีวิตประจำวันก่อนเป็นอันดับแรก เราทุกคนเป็นคนที่ทำท่าทางเดิมซ้ำ ๆ อยู่เสมอ และเรามักจะได้สถานการณ์ที่แตกต่างจากท่าทางเหล่านั้น ทุกวันคือการทำซ้ำสิ่งเดิมที่ส่งผลให้เกิดสิ่งที่แตกต่าง
นี่คือหลักการเบื้องหลังงานของฉัน: หากคุณทำท่าทางเดียวกันบนวัสดุที่คล้ายกันและยิ่งกว่านั้นบนวัสดุที่แตกต่างกัน—ทุกวันคุณจะได้ผลลัพธ์ที่แตกต่างกันอย่างมาก ฉันไม่ได้มุ่งหวังที่จะประดิษฐ์สิ่งใหม่: ฉันปล่อยให้สิ่งต่าง ๆ เกิดขึ้นในลักษณะที่ความใหม่ถูกประดิษฐ์ขึ้นเอง
ทุกวัน ฉันมีชีวิต ฉันยอมรับ ฉันรวบรวม ฉันสะท้อน ฉันกอบกู้สิ่งต่างๆ ความประทับใจ ความรู้สึก วิสัยทัศน์ ฉันปล่อยให้ทั้งหมดนี้หล่อเลี้ยงฉัน ขณะที่ฉันทำงานบนผ้าใบที่ไม่เคลือบหรือไม่ติดกาว วัสดุมีความสำคัญ ขึ้นอยู่กับความมันของสี วัสดุจะตอบสนองแตกต่างกัน: อาจดูดซับ ทนทาน อนุญาตให้ยืนโดยไม่ซึมซับ หรือในทางกลับกัน ซึมซับและแพร่กระจาย ฉันสำรวจวิธีที่วัสดุ ผ้าซึ่งอาจเป็นกำมะหยี่ ผ้าใบกันน้ำ ผ้าปูที่นอน สร้างผลลัพธ์ที่แตกต่างอย่างสิ้นเชิงเมื่อทำงานกับสี
คุณ’มักถูกอธิบายว่าเป็นนักสีที่ยิ่งใหญ่
ฉันยอมรับวิธีที่สีแสดงตัวเอง แค่นั้นเอง จิตรกรค้นหาสีในลักษณะที่ทำให้เข้ากันได้ ฉันวางสีบนผ้า วัสดุ และฉันยอมรับ
ผ่านแนวคิดของการยอมรับ การยอมจำนน การทำซ้ำท่าทาง เราสามารถเปรียบเทียบกับปรัชญาเอเชียได้บ้าง นี่เป็นอิทธิพลต่อผลงานของคุณหรือไม่?
สิ่งที่ฉันสนใจในปรัชญาคือความพยายามในการยอมรับที่จะไม่เข้าแทรกแซงเมื่อบางสิ่งกำลังเกิดขึ้น ยอมรับสิ่งที่เกิดขึ้น จดจำมัน วิเคราะห์มันภายหลัง — และยังเห็นความเป็นไปได้หากทำงานแตกต่างกัน ความแตกต่างที่แสดงออกโดยวัสดุเดียวกัน ฉันตั้งใจจะจดจำทั้งหมดนี้ ลืมมัน แล้วเริ่มต้นใหม่
Claude Viallat ในสตูดิโอของเขา
Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985 , อะคริลิกบนปก , 220 x 320 ซม. , 86 5/8 x 126 นิ้ว
เกี่ยวกับสไตล์การวาดภาพ
นี่จะเป็นคำนิยามของคุณเกี่ยวกับการวาดภาพหรือไม่?
มีบางอย่างของสิ่งนี้อยู่ในนั้น ฉันเป็นส่วนหนึ่งของเจเนอเรชันที่คิดเกี่ยวกับจุดจบของการวาดภาพ ในทศวรรษ 1950 เรามักได้ยินเกี่ยวกับแนวคิดของ “ภาพวาดชิ้นสุดท้าย” โดยสรุป จำเป็นต้องประดิษฐ์วิธีที่แตกต่างในการ
ในความเห็นของฉัน การวาดภาพอย่างแตกต่างเป็นเรื่องของการตั้งคำถามกับอาชีพของฉัน มันประกอบด้วยอะไรบ้าง? การนำผ้าใบมาวางบนกรอบ ติดกาว แต่งแต้ม แล้วเติมสีหลากหลายเพื่อหาสีที่เหมาะสม ฉันได้ลองยืดผ้าใบดิบบนกรอบและทำงานกับสีที่ทำจากเจลาตินร้อนผสมสีสากล ฉันยังใช้สีไม้ ลองเจือจางเม็ดสีด้วยน้ำ แอลกอฮอล์; ฉันใช้สีชั่วคราวที่ไม่ให้ความมั่นคง หรืออะคริลิก
ภาพโมโนโครมแรกๆ ยังคงแสดงความต้องการที่จะยืดผ้าใบบนกรอบ แต่ถ้าการยืดผ้าใบบนกรอบทำให้เกิดภาพวาด ก็จำเป็นต้องรื้อกลไกนี้โดยวางกรอบไว้ข้างหนึ่ง ผ้าใบไว้อีกข้างหนึ่ง โดยความตึงเครียดระหว่างสององค์ประกอบนี้สร้างภาพวาดประเภทใหม่
เราพบสิ่งนี้กับ Supports/Surfaces. Dezeuze ทำงานบนกรอบโดยไม่มีผ้าใบ; Saytour แสดงกริดบนผ้าใบดิบ นั่นคือ เขาวางภาพของกรอบบนผ้าใบ; และฉันทำงานบนผ้าใบโดยไม่มีกรอบ ดังนั้นจึงเป็นการแยกชิ้นส่วนของภาพวาด
ย้อนกลับไป คุณมองการรื้อโครงสร้างของจิตรกรรมในฐานะสื่ออย่างไร?
มันเป็นสิ่งจำเป็น คนหนุ่มสาวอเมริกันยังคงสงสัยเกี่ยวกับการรื้อโครงสร้างของจิตรกรรมแต่ก็มักจะนำกรอบกลับมาเป็นจุดสนใจเสมอ ราวกับว่าการถอดผืนผ้าใบออกจากกรอบเป็นการขัดแย้งกับประวัติศาสตร์ศิลปะ สำหรับฉัน นี่คือประวัติศาสตร์คู่ขนานที่ทำให้จิตรกรรมเป็นอิสระ อย่างน้อยในทิศทางหนึ่ง หากเรามองในวงการศิลปะระดับนานาชาติ ศิลปินที่ทำงานบนผืนผ้าใบที่ไม่ตึงกรอบนั้นหายาก ชาวอเมริกันมีปัญหาในการปลดปล่อยตัวเองจากกรอบ
งานของคุณเชื่อมโยงกับแนวคิดที่ Matisse ยกขึ้นเกี่ยวกับการให้ความสนใจกับจิตรกรรม’วัตถุพื้นฐาน
เมื่อ Matisse วาดภาพ บางครั้งสีขาวของผืนผ้าใบปรากฏบนภาพซึ่งโดยปกติถือเป็นการละเมิด ในงานของฉัน ผ้าตัวเองกลายเป็น Supports/Surfaces กลาง และในเวลาเดียวกันก็เป็นสีเฉลี่ย กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ มาตรฐานที่ใช้จัดระเบียบการกระจายสี วัสดุ ทุกอย่างตอบสนองสัมพันธ์กับมาตรฐานนี้ ขึ้นอยู่กับคุณภาพของ Supports/Surfaces กลางนี้ เราจะได้สิ่งที่สร้างความสัมพันธ์กับมัน
คุณวางตัวเองอย่างไรเมื่อเทียบกับนามธรรม?
งานจิตรกรรมของฉันไม่ใช่เรื่องของนามธรรมหรือภาพเหมือนเท่านั้น แต่เป็นระบบที่ประกอบด้วยการทำซ้ำรูปแบบเดียวกัน หากฉันเปลี่ยนรูปแบบแต่ไม่เปลี่ยนระบบ ฉันก็ไม่เปลี่ยนอะไรเลย ฉันตระหนักถึงเสรีภาพที่ฉันมีโดยการยืนยันในรูปแบบเดียวกันและรับรู้ถึงความขัดแย้งของกิจวัตรประจำวันที่แสดงออกโดยการเกิดซ้ำของรูปแบบเดียวกัน ทุกวันฉันสร้างผืนผ้าใบที่แตกต่างกันอย่างไม่มีที่สิ้นสุด และนี่ทำให้ฉันมีเสรีภาพอย่างกว้างขวางมาก
โดยทั่วไป ฉันไม่เลือกผ้าของตัวเอง ผู้คนจะนำมาให้ฉัน ฉันพยายามทำงานกับวัสดุที่ไม่น่าจะเป็นไปได้ สิ่งสำคัญที่สุดคือวัสดุและคุณภาพของมันที่เป็นแกนหลักของงานของฉัน
คุณเดินทางไปสหรัฐอเมริกาในทศวรรษ 1970 และคุณได้รับผลกระทบจากศิลปะ Amerindian
อะไรที่เป็นแรงบันดาลใจให้กับงานของฉัน? แน่นอนว่าประวัติศาสตร์ของจิตรกรรมตะวันตก แต่ยังรวมถึงประวัติศาสตร์ของจิตรกรรมทั้งหมด: ตะวันออก, ตะวันออกไกล, ออสเตรเลีย, อเมริกัน — และเมื่อพูดถึงอเมริกัน ฉันหมายถึง “ชนพื้นเมือง” ทุกชาติพันธุ์อินเดียนที่เคยวาดภาพบนเต็นท์หรือโล่เป็นแรงบันดาลใจให้ฉัน การวาดภาพบนโล่มักทำบน Supports/Surfaces แบบกลม และเต็มไปด้วยสัตว์โทเท็มและผลของการผจญภัย— หางสุนัขจิ้งจอกหรือหมาป่า, หนังศีรษะ…. สั้นๆ คือ ทุกสิ่งที่เล่าเรื่องราวของนักรบ โล่อินเดียนไม่ใช่แค่เพื่อป้องกันเท่านั้น แต่ยังเป็นภาพสัญลักษณ์ของนักรบด้วย โล่มักเป็นรูปวงกลม ทำจากกิ่งไม้หลิวที่โค้งเป็นห่วงและมัดไว้ กล่าวอีกนัยหนึ่งคือ วงกลมพื้นฐาน นี่คือภาพหลักของกรอบวงกลม เช่นเดียวกับที่ซุ้มโค้งเป็นภาพสุดขั้วของผืนผ้าใบที่ถูกดึงตึงบนกรอบ — เส้นเชือกที่ดึงบนไม้ วัตถุสองอย่างนี้เป็นพื้นฐาน
เช่นเดียวกัน ยุคก่อนประวัติศาสตร์คือยุคของการแสดงภาพครั้งแรก และภาพวาดครั้งแรกคืออะไร? รอยพิมพ์มือมนุษย์ กล่าวคือ มีคนลื่นล้มในโคลน แล้วเอามือไปแตะผนังถ้ำ การลื่นล้มและจุ่มมือในโคลนทำให้มือเต็มไปด้วยโคลนที่จากนั้นก็ถ่ายโคลนลงบนผนัง... เมื่อโคลนแห้ง มันสร้างภาพมือ: นี่คือภาพเหมือนแรก ฝ่ายตรงข้ามถูกแทนด้วยส่วนหนึ่งของตัวเอง ร่องรอย รอยพิมพ์ หลังจากภาพแรกนี้ การแทนภาพก็ซับซ้อนขึ้นโดยที่มนุษย์สร้างภาพตรงข้ามของมือโดยการพ่นสีจากปากผ่านมือ มือขวาคือมือซ้ายที่กลับด้าน การพ่นสีผ่านมือทั้งขยายและจำกัดมุมมองไว้แล้ว ความเป็นไปได้ไม่สิ้นสุดซ่อนอยู่เบื้องหลังการแทนภาพนี้แล้ว
งานของคุณดูเหมือนจะเกี่ยวข้องกับการสะท้อนถึงแก่นแท้และต้นกำเนิด
นั่นคือสิ่งที่ฉันพยายามทำ วงกลม ห่วง โล่ และซุ้มเป็นองค์ประกอบพื้นฐาน ในประวัติศาสตร์ มีความรู้เกี่ยวกับท่าทางหรือระบบบางอย่างที่เป็นทั้งขั้นพื้นฐานและสำคัญ เช่น เหล็กแหลมที่ยกสิ่งของขึ้นหรือล็อกไว้ เพื่อหยุดไม่ให้สิ่งของกลิ้งไปมา เส้นดิ่งคือเชือกและก้อนหิน ในเวลาเดียวกันมันคือ bullroarer — เครื่องดนตรี — วิธีการถ่วงน้ำหนักบางสิ่ง เพื่อกำหนดแนวดิ่ง องค์ประกอบทั้งหมดนี้อยู่ในเชือกและก้อนหินนี้ นอกจากนี้ยังมี garrotte หรือเครื่องชั่ง steelyard... เหล่านี้คือระบบสากลและพื้นฐาน สิ่งที่ฉันสนใจ โดยเฉพาะในประติมากรรม คือการนำกลับมาใช้ใหม่หรือการตั้งคำถามกับระบบง่ายๆ เหล่านี้ทั้งหมด
ประติมากรรมของคุณสร้างไวยากรณ์สากลหรือไม่?
พวกมันเป็นวัตถุที่ไม่มั่นคง ไม่ถูกตรึงไว้ ถูกปล่อยให้อยู่ในสภาพไม่มั่นคงและไม่ให้ความปลอดภัย แต่ประวัติศาสตร์ของศิลปะก็เป็นประวัติศาสตร์ของตลาดศิลปะด้วย และนี่ไม่ใช่ลักษณะที่ตลาดโดยทั่วไปให้คุณค่า พวกมันไม่ให้ความปลอดภัย
สตูดิโอของ Claude Viallat
สตูดิโอของ Claude Viallat
เกี่ยวกับตลาดศิลปะและ Supports/Surfaces
ด้วยความที่งานของคุณมีจำนวนมาก งานของคุณจึงสวนทางกับตลาด ความสัมพันธ์ของคุณกับตลาดเป็นอย่างไร?
งานทั้งหมดของฉันมุ่งหวังที่จะทำลายตำนานเกี่ยวกับศิลปะ องค์ประกอบบางอย่างที่โดยปกติจะเป็นลักษณะของตลาด เช่น ลายเซ็นของศิลปินหรือความหายาก ฉันกลับไม่ยอมรับสิ่งเหล่านั้น งานของฉันมีจำนวนมากและฉันให้ความสำคัญเท่ากันกับเส้นด้ายที่ถูกทาสีและผืนผ้าใบที่ถูกทาสี องค์ประกอบทั้งหมดของภาพวาดถือเป็นภาพวาด เส้นด้ายจากภาพวาดก็เป็นภาพวาดด้วยเหตุผลเดียวกับภาพวาด ฉันสามารถเซ็นผืนผ้าใบได้แต่ไม่สามารถเซ็นเส้นด้ายได้ แล้วทำไมฉันต้องเซ็นผืนผ้าใบถ้าฉันเซ็นเส้นด้ายไม่ได้?
จากนั้นก็มีสถานะของวัสดุที่สวยงาม อาชีพที่สวยงาม รวมถึงความมั่นคงของวัสดุและการทำให้ผืนผ้าใบเป็นสิ่งศักดิ์สิทธิ์ งานของฉันทั้งหมดต่อต้านสิ่งนี้เช่นกัน ฉันมีความสุขกับการทำงานและไม่เห็นเหตุผลว่าทำไมฉันต้องพรากความสุขนี้จากตัวเอง — และเหนือสิ่งอื่นใดเพื่ออะไร บางทีผืนผ้าใบของฉันอาจได้รับผลกระทบจากเรื่องนี้ แต่ฉันไม่เป็นไร ส่วนที่เหลือเป็นเรื่องของตัวแทนจำหน่าย ไม่เกี่ยวข้องกับฉัน
บางทีฉันอาจจะหยิ่ง ฉันไม่เคยทำผิดพลาดเพราะฉันไม่แสวงหาอะไร ฉันสร้างสรรค์ และฉันยอมรับสิ่งที่ฉันสร้าง สำหรับฉัน ผืนผ้าใบทุกผืนมีความสำคัญเท่าเทียมกัน
คุณละทิ้งความตั้งใจที่จะควบคุมทั้งหมดหรือไม่?
สิ่งที่ยากที่สุดคือการยอมรับว่าเราไม่สามารถควบคุมสิ่งที่เราทำในแต่ละวันได้ มันเป็นรูปแบบหนึ่งของการควบคุมตนเองที่จะยอมรับว่าเราไม่สามารถควบคุมสิ่งที่เราทำได้ วิธีที่ดีที่สุดในการเปลี่ยนงานของฉันคือไม่รู้ว่าฉันจะทำอะไร บังคับตัวเองให้ค้นพบ วิเคราะห์สิ่งที่เพิ่งทำ และทำนายสิ่งที่อาจทำ สำหรับฉัน นี่หมายถึงการตระหนักถึงความเป็นไปได้ทั้งหมดที่ฉันได้วางแผนไว้ แล้วไม่จำเป็นต้องใช้มันเพราะงานจะให้ผลลัพธ์ด้วยตัวเอง
Supports/Surfaces ได้ถูกขุดขึ้นมาใหม่ในสหรัฐอเมริกา คุณรู้สึกอย่างไรกับเรื่องนี้?
ที่งานของ Supports/Surfaces มาถึงสหรัฐอเมริกา และศิลปินอเมริกันถามคำถามเดียวกับที่เราเคยถามในตอนนั้น — แต่ในแบบของพวกเขาเอง — ดูเหมือนเรื่องปกติมากสำหรับฉัน
นี่คือวิธีการทำงาน ในช่วงต้นทศวรรษ 1970 ฉันได้นำเสนอผ้าตาข่ายที่ Paris Biennale บังเอิญว่าศิลปินชาวอเมริกันและศิลปินชาวญี่ปุ่นทำสิ่งเดียวกันในเวลาเดียวกัน แม้ว่าเราจะไม่รู้จักกัน ผ่านวัฒนธรรมของพวกเขาเอง พวกเขามาถึงภาพนี้โดยอิงจากตรรกะที่แตกต่างกัน ฉันพบว่านี่น่าหลงใหล
แต่ถ้าการวาดภาพเปลี่ยนไป สิ่งนี้ไม่ได้ส่งผลโดยตรงต่อภาพ — ศิลปินเห็นเพียงภาพ นี่คือจุดบอดของยุคเรา การปรับเปลี่ยนภาพไม่ได้เกี่ยวข้องกับการวาดภาพเพราะสิ่งที่น่าสนใจคือการวาดภาพเอง คำถามพื้นฐานคือ: “การวาดภาพคืออะไร?”
ภาพเด่น: Claude Viallat ในสตูดิโอของเขา
Art Media Agency (AMA) มีส่วนร่วมในการสัมภาษณ์นี้ AMA เป็นสำนักข่าวระหว่างประเทศที่เน้นตลาดศิลปะ AMA ผลิตบทความมากกว่า 300 ชิ้นต่อสัปดาห์ ครอบคลุมทุกแง่มุมของโลกศิลปะ รวมถึงแกลเลอรี บ้านประมูล งานแฟร์ มูลนิธิ พิพิธภัณฑ์ ศิลปิน ประกันภัย การจัดส่ง และนโยบายทางวัฒนธรรม
ภาพจากสตูดิโอ Claude Viallat ©IdeelArt
