ผู้หญิงในนามธรรมอเมริกัน, 1930-1950
ศิลปินนามธรรมชาวอเมริกัน เผชิญกับอุปสรรคมากมายตลอดช่วงทศวรรษ 1930 และ 1940 การเข้าสู่วินัยที่ยังคงถูกครอบงำโดยความเป็นจริงและถูกควบคุมโดยนักวิจารณ์ศิลปะและสถาบันที่ทรงพลัง ศิลปินนามธรรมต้องหาวิธีสร้างสรรค์ในการโปรโมตผลงานของตนและได้รับการยอมรับในโลกที่มีความวุ่นวายมากขึ้น ในแนวหน้าเป็นศิลปินหญิงที่กล้าหาญและมีความสามารถซึ่งต้องนำทางผ่านพลศาสตร์ทางสังคมและวัฒนธรรมที่ซับซ้อนตลอดช่วงก่อนและหลังสงคราม จนถึงปัจจุบัน ผลงานของพวกเธอต่อการนามธรรมในอเมริกาในช่วงต้นมักถูกมองข้ามไปเพื่อสนับสนุนผู้บุกเบิกชาย อย่างไรก็ตาม เพื่อที่จะเข้าใจประวัติศาสตร์ของศิลปะอย่างเต็มที่ เราต้องยอมรับ ผู้หญิงที่ปูทางสำหรับนามธรรม ผ่านความคิดสร้างสรรค์ สุนทรียศาสตร์ และการสนับสนุนของพวกเธอ.
บทคัดย่อเบื้องต้น
การนามธรรมได้รับการยอมรับอย่างกว้างขวางว่าเริ่มต้นในยุโรปในปลายศตวรรษที่สิบเก้าเมื่อศิลปินบางคนหันเหจากความเป็นจริงและสำรวจรูปร่าง เนื้อสัมผัส และโทนสีในรายละเอียดมากขึ้น ความก้าวหน้าทางเทคโนโลยี รวมถึงการสื่อสารและการเดินทางที่เพิ่มขึ้น ทำให้ศิลปินชาวยุโรปและอเมริกันสามารถแลกเปลี่ยนความคิดกันได้มากกว่าที่เคย นอกจากนี้ ศิลปินชาวยุโรปจำนวนมากที่หลบหนีจากความน่าสะพรึงกลัวของสงครามโลกครั้งที่หนึ่งและสงครามโลกครั้งที่สองได้นำเทคนิคและทฤษฎีใหม่ ๆ มาสู่สหรัฐอเมริกา สิ่งนี้นำไปสู่วงการศิลปินอเมริกันที่สนใจในนามธรรมที่กำลังเติบโต โดยมีหลายคนที่เคยไปเยี่ยมชมศิลปินในยุโรปหรือเข้าร่วมหลักสูตรจากผู้ลี้ภัยชาวยุโรปที่อาศัยอยู่ในสหรัฐอเมริกา อย่างไรก็ตาม นามธรรมถูกดูถูกโดยสถาบันศิลปะอเมริกันเป็นพิเศษ ซึ่งห้ามศิลปินนามธรรมไม่ให้แสดงผลงานในแกลเลอรีและพิพิธภัณฑ์ แบล็คลิสต์พวกเขาในสื่อ และป้องกันไม่ให้พวกเขาไล่ตามอาชีพที่ประสบความสำเร็จ.
โอกาสสำหรับผู้หญิง
ความยุ่งเหยิงในทศวรรษ 1930 ที่น่าประหลาดใจ ได้เปิดประตูให้กับศิลปินนามธรรมในอเมริกา ในการตอบสนองต่อการว่างงานสูงในชุมชนศิลปะในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่ รัฐบาลสหรัฐอเมริกาได้สร้างโครงการศิลปะของโครงการพัฒนางาน (WPA) ศิลปินจากทุกพื้นฐาน (รวมถึงผู้หญิงและศิลปินนามธรรม) ได้รับข้อเสนอให้ทำงานที่ได้รับค่าจ้างในโครงการศิลปะที่สนับสนุนโดยรัฐบาลในช่วงภาวะเศรษฐกิจตกต่ำและปีสงคราม ศิลปินหลายพันคนถูกจ้างงาน รวมถึงผู้บุกเบิกในอนาคต เช่น Lee Krasner, Dorr Bothwell, และ Louise Nevelson เพื่อทำให้สถาบันต่างๆ ทั่วสหรัฐอเมริกาสวยงามด้วยภาพจิตรกรรมฝาผนัง ภาพวาด และการออกแบบอื่นๆ ศิลปินคนอื่นๆ เช่น Irene Rice Pereira ช่วยจัดตั้งโรงเรียนศิลปะที่ได้รับทุนจากรัฐบาลกลางเพื่อจัดหาชั้นเรียนศิลปะให้กับนักเรียนที่ด้อยโอกาส โดยใช้ประโยชน์จากโปรแกรมที่ไม่เหมือนใครเหล่านี้ ศิลปินหญิงสามารถสร้างรายได้จากศิลปะและได้รับประสบการณ์ที่สำคัญในการสอน การสร้างสรรค์ศิลปะ และการมีส่วนร่วมกับสาธารณะ ทักษะเหล่านี้จะมีความสำคัญเมื่อพวกเธอสร้าง จัดการ และส่งเสริมวินัยที่หลากหลายของนามธรรมและอาชีพของตนเอง.
ผู้หญิงคนอื่น ๆ รวมถึง Alice Trumbull Mason, Esphyr Slobodkina และ Ray Kaiser (ต่อมาเป็น Eames) ได้ช่วยกันสร้างองค์กรใหม่ชื่อ American Abstract Artists (AAA) เพื่อส่งเสริมการทำงานศิลปะนามธรรมต่อสาธารณชนและจัดหาพื้นที่จัดแสดงสำหรับศิลปิน AAA ก่อตั้งขึ้นในปี 1936 ในเมืองนิวยอร์ก โดยเกิดขึ้นเพื่อตอบสนองต่อการจัดแสดงครั้งแรกเกี่ยวกับการทำงานศิลปะนามธรรมของพิพิธภัณฑ์ศิลปะสมัยใหม่ที่จัดขึ้นในปีเดียวกัน การจัดแสดงนี้มีชื่อว่า Cubism and Abstract Art ซึ่งมีศิลปินชาวยุโรปเป็นส่วนใหญ่ – เป็นการปฏิเสธจากสถาบันต่อศิลปินนามธรรมชาวอเมริกันอย่างต่อเนื่อง Slobodkina ได้เขียน Historical Outline ของ AAA ซึ่งยังคงเผยแพร่บนเว็บไซต์ของพวกเขาในปัจจุบัน โดยสรุปความต้องการอย่างเร่งด่วนสำหรับกลุ่มนี้ว่า "สถานการณ์ที่ทำให้องค์กรที่ไม่เหมือนใครนี้เกิดขึ้นและเติบโตอย่างรวดเร็วคืออะไร? . . . ปีนั้นคือปี 1936 สถานที่ – เมืองนิวยอร์ก ช่วงเวลา – ภาวะเศรษฐกิจตกต่ำ และการแยกตัวของประชาชนทั่วไปจากการติดต่อกับแนวโน้มทางสุนทรียศาสตร์ที่ก้าวหน้าในปัจจุบันเกือบทั้งหมด."
ภายในหนึ่งปี AAA ได้จัดนิทรรศการครั้งแรกที่ Squibb Galleries ในเมืองนิวยอร์ก แม้ว่านิทรรศการจะมีผู้เข้าชมจำนวนมากและได้รับการตอบรับที่ดีจากสาธารณชน แต่สื่อมวลชนกลับมีปฏิกิริยาต่อความไม่เป็นมิตร อย่างไรก็ตาม AAA ยังคงจัดแสดงในสถานที่ท้องถิ่นหลายแห่ง ค่อยๆ สร้างฐานแฟนคลับและนักสะสมที่เพิ่มขึ้น แม้ว่าเศรษฐกิจตกต่ำครั้งใหญ่และสงครามโลกครั้งที่สองจะทำให้จิตใจหดหู่และกระเป๋าเงินเบาบาง ผู้หญิงมีบทบาทสำคัญใน AAA โดยขึ้นเวทีในนิทรรศการ เขียนบทวิจารณ์ และดำรงตำแหน่งผู้นำ รวมถึงผู้ก่อตั้ง Mason และ Slobodkina ที่ต่างก็เคยดำรงตำแหน่งประธาน AAA
Charmion von Wiegand (1896-1983), Untitled, ประมาณปี 1942. กระดาษที่ตัดแปะ, สีน้ำทึบและปากกาหมึกบนกระดาษ, ขนาด 8 1/2 × 8 1/16 นิ้ว (21.6 × 20.5 ซม.). พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์, นิวยอร์ก; ของขวัญจากอาลิซและลีโอ ยามิน 91.84.5. © มรดกของ Charmion von Wiegand; ขอบคุณ Michael Rosenfeld Gallery LLC, นิวยอร์ก, NY
การรับที่สำคัญ
อย่างไรก็ตาม แม้ว่าการนามธรรมเริ่มมีอิทธิพลในวัฒนธรรมอเมริกัน แต่ผู้หญิงยังคงเผชิญกับความยากลำบากอย่างมาก แม้ว่าจะมีความก้าวหน้าบางประการในช่วงสงครามที่อนุญาตให้ผู้หญิงทำงานนอกบ้าน แต่ศิลปินหญิงกลับถูกตรวจสอบในเรื่องการทำงานที่ไม่ใช่เฉพาะงานในบ้านหรือเกี่ยวกับสงคราม นักปฏิวัติในช่วงเวลานี้หลายคนถูกจดจำมากกว่าสำหรับสามีที่มีชื่อเสียงของพวกเขา มากกว่าผลงานที่พวกเขามีต่อการนามธรรม รวมถึง เรย์ ไคเซอร์ (ต่อมาเป็น เอมส์ แต่งงานกับ ชาร์ลส์ เอมส์) ลี คราสเนอร์ (แต่งงานกับ แจ็คสัน พอลล็อก) และ อีเลน เดอ คูนิง (แต่งงานกับ วิลเลม เดอ คูนิง) อย่างไรก็ตาม อิทธิพลทางศิลปะของพวกเขาต่อสามีไม่สามารถปฏิเสธได้ เพียงแค่ดูที่ไคเซอร์ ศิลปินที่มีการฝึกฝนมาอย่างดีที่ร่วมงานกับสามีสถาปนิกของเธอในหลายโครงการ การใช้รูปทรงออร์แกนิกและความตึงเครียดระหว่างพื้นที่เป็นลักษณะสำคัญของการออกแบบของพวกเขา และเป็นสิ่งที่ทำให้ชื่อเสียงของเอมส์เป็นที่รู้จักอย่างมาก เช่นเดียวกับความพยายามของคราสเนอร์ในการส่งเสริมมรดกของพอลล็อกหลังจากการเสียชีวิตอย่างไม่คาดคิดในปี 1956 ก็เป็นเหตุผลหลักว่าทำไมผลงานของเขาถึงได้รับการเฉลิมฉลองในปัจจุบัน.
หลายแกลเลอรีและพิพิธภัณฑ์ยังปฏิเสธที่จะจัดแสดงงานของศิลปินหญิง: แกลเลอรีซิสเตอร์ ซามูเอล คูตซ์ ผู้สนับสนุนใหญ่ของ Abstract Expressionism กล่าวว่ามันเป็นเพราะพวกเธอสร้างปัญหามากเกินไป ในทางกลับกัน นักวิจารณ์หลายคนมักจะตอบสนองในเชิงบวกต่อผลงานของศิลปินหญิงที่ทำงานในแนว Abstract – จนกระทั่งพวกเขาค้นพบว่าผู้สร้างคือผู้หญิง คราสเนอร์เล่าให้ฟังว่านักวิจารณ์คนหนึ่งเคยกล่าวถึงผลงานของเธอว่า: “เรารู้ว่าศิลปินเป็นผู้หญิงในเวลาที่เราต้องตรวจสอบความกระตือรือร้นของเรา” ดังนั้น ศิลปินหลายคนจึงเปลี่ยนชื่อของตนเพื่อซ่อนความเป็นหญิงของตน ไอรีน ไรซ์ เปเรย์รา แสดงผลงานจิตรกรรมเรขาคณิตที่มีพลศาสตร์ของเธอภายใต้ชื่อ ไอ. ไรซ์ เปเรย์รา แทน เช่นเดียวกับศิลปิน ดอร์รีส บอธเวลล์ ที่เปลี่ยนชื่อของเธอจาก ดอริส เพื่อให้ได้รับการตอบรับที่ดีขึ้นจากนักวิจารณ์สำหรับผลงานเซอร์เรียลลิสต์ของเธอ อย่างไรก็ตาม ผู้นำชายหลายคนของขบวนการนี้ยังคงจัดกรอบผลงานของศิลปินเหล่านี้ในความสัมพันธ์กับความเป็นหญิงของพวกเธอ ฮันส์ ฮอฟฟ์แมน ผู้มีชื่อเสียงซึ่งฝึกฝนศิลปินหญิงในแนว Abstract หลายคน เคยกล่าวว่าผลงานของคราสเนอร์ “ดีมากจนคุณไม่รู้ว่ามันถูกทำโดยผู้หญิง” แม้จะมีคุณภาพที่ชัดเจนของผลงานของพวกเธอ แต่ศิลปินหญิงก็ถูกเตือนอยู่เสมอว่าความเป็นหญิงเป็นเครื่องมือที่ใช้ต่อต้านพวกเธอเพื่อพิสูจน์การปฏิเสธงานศิลปะของพวกเขาในโลกศิลปะ.
เสรีภาพในนามธรรม
ความขัดแย้งก็คือ อะบสแตรกชัน – ด้วยความหลากหลายของการแสดงออก ขาดรูปแบบที่เป็นรูปธรรม และหัวข้อที่มากมาย – โดยทั่วไปจะไม่ถูกจัดประเภทว่าเป็นชายหรือหญิง เมื่อมองไปที่งานศิลปะอะบสแตรก ผู้ชมจะยากที่จะระบุเพศของศิลปินที่สร้างมันขึ้นมา ยกตัวอย่างเช่น งานพิมพ์ Labyrinth of Closed Forms ของ Alice Trumbull Mason ในปี 1945 ซึ่งเป็นการรวมกันของรูปทรงกลมและสี่เหลี่ยมบนพื้นหลังที่มีเงา งานนี้เล่นกับโทนสีเทา พื้นที่ว่าง และปฏิสัมพันธ์ระหว่างรูปทรง – ไม่มีอะไรเกี่ยวกับงานนี้ที่บ่งบอกถึงอัตลักษณ์ของ Mason ในฐานะผู้หญิง Elaine De Kooning ก็เช่นกัน ยอมรับองค์ประกอบของการแสดงภาพในแปรงสีที่มีสีสันและเบาบางของเธอ เช่นเดียวกับที่ศิลปิน Impressionist ชายหลายคนเคยทำกับแสงเมื่อไม่กี่ทศวรรษก่อนหน้านี้ ผ่านอะบสแตรกชัน ผู้หญิงสามารถท้าทายแนวคิดเกี่ยวกับความงามที่ 'เป็นผู้หญิง' และหลุดพ้นจากแม่พิมพ์เดิม อย่างไรก็ตาม การหาการยอมรับที่แท้จริงในชุมชนศิลปะยังคงเป็นเรื่องยาก – อาจจะจนถึงตอนนี้.
สิ่งที่น่าทึ่งเกี่ยวกับศิลปินหญิงที่ทำงานศิลปะนามธรรมในช่วงปี 1930 และ 1940 คือความยืดหยุ่นและความมุ่งมั่นต่ออาชีพของพวกเธอ ผ่านวิกฤตเศรษฐกิจและสงครามโลก พวกเธอหาวิธีที่จะยังคงมีแรงบันดาลใจ มีส่วนร่วม และทำงานในสาขาของตน ดังนั้น ผลงานและมรดกของพวกเธอจึงยังคงอยู่จนถึงทุกวันนี้ ยังไม่สายเกินไปที่จะยอมรับความสำเร็จของบุคคลเหล่านี้ในช่วงเวลาที่น่าทึ่งนี้ในประวัติศาสตร์.
พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์ ในนครนิวยอร์กได้จัดนิทรรศการเพื่อสำรวจผลงานและความสำเร็จของศิลปินหญิงชาวอเมริกันที่ทำงานในแนวอับสแตรกต์หลายคนในช่วงก่อนและหลังสงคราม นิทรรศการ "Labyrinth of Forms: Women and Abstraction, 1930-1950" จะเปิดให้เข้าชมจนถึงเดือนมีนาคม 2022.
โดย เอมีเลีย เลห์มันน์
ภาพที่โดดเด่น: ลี คราสเนอร์ (1908-1984), ชีวิตนิ่ง, 1938. สีน้ำมันบนกระดาษ, 19 × 24 3/4 นิ้ว (48.3 × 62.9 ซม). พิพิธภัณฑ์ศิลปะอเมริกันวิทนีย์, นิวยอร์ก; ซื้อในนามของชาร์ลส์ ไซมอน, ด้วยเงินที่มอบโดยเพื่อนของเขาจากซาโลมอน บราเธอร์สในโอกาสวันเกิดครบรอบ 75 ปีของเขา, และด้วยเงินจากผู้บริจาคที่ไม่เปิดเผยชื่อและคณะกรรมการวาดภาพ 90.19. © 2021 มูลนิธิพอลล็อค-คราสเนอร์/สมาคมสิทธิศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
