ศิลปะอนุสาวรีย์ของหลุยส์ เนเวลสัน

ปีนี้เป็นปีครบรอบ 30 ปีแห่งการจากไปของ Louise Nevelson ศิลปินผู้มีอิทธิพลอย่างลึกซึ้งต่อศิลปะในศตวรรษที่ 20 และมรดกของเธอยังคงสะท้อนอยู่จนถึงทุกวันนี้ Nevelson เป็นที่รู้จักกันอย่างกว้างขวางจากงานประติมากรรมไม้ที่ใช้สีเดียว โทนเสียงสุนทรียภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของเธอมีรากฐานบางส่วนมาจากประวัติศาสตร์ศิลปะและบางส่วนมาจากภาษาทางสายตาและวัสดุของนครนิวยอร์ก—บ้านที่เธอเลือกอาศัย กลยุทธ์การจัดองค์ประกอบของเธอได้รับแรงบันดาลใจจากลัทธิคิวบิสม์ ซึ่งเธอเปรียบเสมือนศาสนา และจากทฤษฎีนามธรรมอย่างเป็นทางการของ Hans Hofmann ซึ่งเป็นครูของเธอมาหลายปี วัสดุที่ปรากฏในงานประติมากรรมของเธอชูเกียรติสิ่งที่ถูกทิ้งร้างในชีวิตเมือง ราวกับเป็นการกระตุ้นให้เกิดการลอกคราบย้อนกลับ Nevelson รวบรวมชิ้นส่วนเฟอร์นิเจอร์ที่แตกหักและเศษซากก่อสร้างจากทางเท้าในเมืองและเปลี่ยนให้กลายเป็นงานศิลปะขนาดใหญ่ การเปลี่ยนแปลงของเศษซากที่ไม่บริสุทธิ์ให้กลายเป็นศิลปะศักดิ์สิทธิ์นั้นชัดเจนในงานอย่าง “Sky Cathedral” (1958) ซึ่งเป็นชิ้นงานที่ทำให้ Nevelson ได้รับความสนใจจากนักวิจารณ์เป็นครั้งแรก และยิ่งลึกซึ้งขึ้นในงานติดตั้งขนาดห้อง “Dawn’s Wedding Feast” (1959) ซึ่งเป็นชิ้นงานติดผนังล้อมรอบด้วยเสาที่ติดตั้งบนพื้นและแขวนอยู่ รวมถึงโทเท็มเจ้าสาวและเจ้าบ่าวสองชิ้น งานชิ้นนี้ไม่เพียงแต่ทำให้ Nevelson กลายเป็นหนึ่งในศิลปินชั้นนำของยุคเธอเท่านั้น แต่ยังช่วยบุกเบิกสาขาศิลปะการติดตั้งอีกด้วย สิ่งที่น่าประทับใจเป็นพิเศษเกี่ยวกับงานของเธอคือ Nevelson สามารถถ่ายทอดความรู้สึกใกล้ชิดแม้ในขนาดที่ยิ่งใหญ่ เธอใส่ใจให้แต่ละองค์ประกอบสามารถแสดงคุณสมบัติสำคัญของตนเองภายในโครงสร้างของทั้งหมด ในกระบวนการนี้เธอสร้างงานที่สามารถเพลิดเพลินได้อย่างเป็นกลาง หรือเชื้อเชิญผู้ชมให้เข้าไปสู่ประสบการณ์ที่เป็นส่วนตัวมากขึ้น เพื่อเฉลิมฉลองชีวิตและผลงานของอัจฉริยะคนนี้ นี่คือคำพูดที่ฉันชื่นชอบเก้าประการของ Louise Nevelson—แต่ละคำพูดมีคุณค่าเพราะช่วยอธิบายงานของเธอและเผยให้เห็นการทำงานภายในของจิตใจเธอ

1. “ถ้ากรอบที่ล้อมรอบคุณไม่เหมาะกับภาพนั้น คุณก็ทำลายกรอบนั้นเสีย.”

เกิดในปี 1899 ที่ Pereiaslav-Khmelnytskyi ในยูเครนปัจจุบัน Leah Berliawsky อพยพมายังสหรัฐอเมริกาในปี 1905 เพื่อหนีการกดขี่ทางศาสนา เธอไล่ตามศิลปะอย่างกระตือรือร้นตั้งแต่เด็กแม้จะถูกพ่อแม่ขัดขวาง หลังแต่งงานกับ Charles Nevelson ในปี 1920 และมีบุตรชายสองปีต่อมา เธอรู้ตัวว่าเธอยังอยู่ในสถานการณ์เดิมเหมือนตอนเด็ก เพียงแต่ตอนนี้เป็นสามีและครอบครัวของเขาที่บอกให้เธอเลิกทำศิลปะเพื่อเป็นแม่และภรรยาที่เอาใจใส่มากขึ้น เมื่อรู้ว่าเธออยู่ในกรอบที่ผิด Nevelson จึงทิ้งสามีและลูกชายในปี 1931 และย้ายไปศึกษากับ Hans Hofmann.

2. “ลูกบาศก์ช่วยโฟกัสและให้โครงสร้างที่แท้จริงแก่มัน.”

Nevelson จัดโครงสร้างงานประติมากรรมทั้งหมดของเธอโดยรอบรูปทรงเรขาคณิตพื้นฐานของลูกบาศก์ ไม่ว่างานจะประกอบด้วยชิ้นไม้กี่ชิ้น หรือชิ้นส่วนจะดูแยกจากกันอย่างไรเมื่อนำมารวมกัน ลูกบาศก์ก็ยังคงยึดองค์ประกอบไว้ด้วยกันทั้งในแง่สายตาและทางกายภาพ

3. “สีดำครอบคลุมทุกสี มันไม่ใช่การปฏิเสธ.”

งานส่วนใหญ่ที่ Nevelson สร้างขึ้นเป็นงานโมโนโครมสีดำ นักวิจารณ์หลายคนเข้าใจผิดเกี่ยวกับการใช้สีนี้ของเธอ โดยแนะนำว่าเธอต้องการลบล้างชีวิตก่อนหน้าของวัสดุที่ใช้ แทนที่จะเป็นเช่นนั้น เธอยืนยันว่าสีดำเป็นสีที่ครอบคลุมซึ่งอนุญาตให้องค์ประกอบแต่ละส่วนของงานรักษาแก่นแท้ของตนเองไว้ในขณะที่กลมกลืนเข้าสู่จิตวิญญาณของทั้งหมด เธอยังกล่าวว่าสีดำทำให้งานของเธอดู “สูงศักดิ์”

Louise Nevelson - ไม่มีชื่อเรื่อง, ประมาณปี 1976 งานไม้ทาสีดำ ขนาด 94 × 36 × 16 3/4 นิ้ว; 238.8 × 91.4 × 42.5 ซม. Michael Rosenfeld Gallery, นิวยอร์ก © 2018 มรดกของ Louise Nevelson/สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

4. “มันตรงไปตรงมามากกว่าที่ฉันทำ มันทันที มันจริง และมันอยู่ตรงนั้น.”

หลังจากใช้เวลาหลายปีวาดภาพและระบายสีภาพของสิ่งที่แตกหัก Nevelson ตระหนักว่าการใช้เศษซากเองจะนำความจริงทางวัสดุเข้าสู่งานของเธอ นอกจากจะมอบความรู้สึกทางอารมณ์ที่เหลืออยู่จากความสัมพันธ์ในอดีตกับวัสดุที่ใช้แล้ว

5. “มันคือผลงานและฉัน ไม่ใช่สาธารณะและฉัน สาธารณะเป็นเพียงภาพสะท้อน.”

Nevelson เริ่มสร้างประติมากรรมสาธารณะขนาดใหญ่ในทศวรรษ 1970 โดยใช้วัสดุอย่างพลาสติกและเหล็ก Cor-Ten นักวิจารณ์ตั้งคำถามถึงความหมายของงานซึ่งมีรูปลักษณ์และความรู้สึกที่แตกต่างจากงานไม้ของเธอ เธอปฏิเสธคำวิจารณ์เหล่านั้น โดยยืนยันสิทธิ์อิสระของเธอในฐานะศิลปินที่จะสร้างงานในแบบที่เธอต้องการ

Louise Nevelson - Dark Cryptic, 1975 งานไม้เคลือบสี ขนาด 12 × 9 × 7 นิ้ว; 30.5 × 22.9 × 17.8 ซม. Caviar20, โตรอนโต © 2018 มรดกของ Louise Nevelson/สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

6. “ความจริงเพียงอย่างเดียวที่ฉันยอมรับคือความจริงของตัวฉันเอง.”

Nevelson เผชิญหน้ากับพ่อแม่ที่ควบคุม สามีที่ควบคุม นักวิจารณ์ที่มีอคติ ภัณฑารักษ์ที่ไม่สนใจ และผู้ชมที่ไม่รู้เรื่อง เธอไม่สนใจองค์กรสังคมอย่าง “The Club” เลือกใช้ชีวิตในฐานะคนนอกวงการศิลปะ แม้จะมีคนสงสัยและขัดขวางเธอ เธอก็ประสบความสำเร็จ คำพูดนี้อธิบายเหตุผล

7. “มันให้ที่ทางแก่เราในการเคลื่อนผ่านสามมิติ สู่มิติที่สี่และต่อไป มันเป็นสถานที่ที่คุณเดินผ่านวัตถุสู่จิตวิญญาณ.”

Nevelson บอกว่าตัวเองไม่ใช่จิตรกรหรือประติมากร แต่เป็นสถาปนิกที่สร้างด้วยเงาและแสง ความรักใน ลัทธิคิวบิสม์ ทำให้เธอสร้างงานที่ให้รางวัลแก่การเคลื่อนไหว—การแสดงออกของมิติที่สี่ เธอสนใจสร้างสภาพแวดล้อมที่ร่างกายและจิตใจสามารถเดินทางเข้าไปได้

Louise Nevelson - ไม่มีชื่อเรื่อง, 1985 งานไม้ทาสีดำ ขนาด 44 × 22 × 17 1/5 นิ้ว; 111.8 × 55.9 × 43.8 ซม. Pace Gallery © 2018 มรดกของ Louise Nevelson/สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก

8. “เมื่อคุณสร้างสรรค์ มีพลังงานเพิ่มขึ้นที่เกินกว่าสิ่งอื่นใด.”

Nevelson เป็นศิลปินที่มีความเป็นส่วนตัวสูงและมีวินัย เธอเชื่อว่าความตื่นเต้นที่ได้จากสิ่งอื่นนอกเหนือจากงานสร้างสรรค์นั้นด้อยกว่าความรู้สึกที่เธอได้รับในสตูดิโอของเธอ เมื่อผลงานติดตั้งที่มีชื่อเสียงของเธอ “Dawn’s Wedding Feast” เปิดตัวในงาน “Sixteen Americans” ที่ MoMA เธอกล่าวว่าส่วนหนึ่งมันเป็นสัญลักษณ์ของการแต่งงานระหว่างเธอกับงานของเธอ

9. “มันไม่ใช่วิถีชีวิตของฉัน แต่มันคือวิธีที่ฉันจบชีวิต.”

เมื่อ Nevelson ยังเด็ก ครอบครัวของเธอขัดขวางไม่ให้เธอกลายเป็นศิลปินโดยบอกว่าจะไม่ทำให้เธอมีชีวิตที่สะดวกสบาย แม้ในตอนนั้นเธอก็รู้ว่าเธอจะสงบสุขได้ก็ต่อเมื่อเธอยังคงซื่อสัตย์ต่อตัวเองจนถึงวันสุดท้าย

ภาพประกอบ: Louise Nevelson - แบบจำลองสำหรับ Night Wall VI, 1977-1979 เหล็กเชื่อมทาสีดำ ขนาด 25 × 27 1/2 × 9 4/5 นิ้ว; 63.5 × 69.8 × 24.8 ซม. Pace Gallery © 2018 มรดกของ Louise Nevelson/สมาคมสิทธิ์ศิลปิน (ARS), นิวยอร์ก
ภาพทั้งหมดใช้เพื่อประกอบการอธิบายเท่านั้น
โดย Phillip Barcio