《繪畫如何重振戰後美國 - 在現代藝術博物館》
隨著紐約的 COVID 限制解除，幾個在疫情封鎖期間延長展期的博物館展覽正在吸引觀眾。對於抽象藝術的愛好者來說，最值得一看的展覽之一是位於 MoMA 的 Degree Zero: Drawing at Midcentury，這是一個展出 79 幅主要是抽象畫作的展覽，創作於 1950 年至 1961 年之間。這個展覽之所以非凡，是因為策展提出了兩個問題，關於繪畫作為藝術媒介的本質和價值，以及機構在構建和重構官方藝術史版本方面的權力。在繪畫作為媒介的價值方面，風險通常感覺比其雙胞胎兄弟——繪畫和雕塑要低。與優質顏料、畫布、金屬、黏土或石材相比，紙張、筆和鉛筆便宜且容易獲得。藝術家們自己往往認為繪畫是其他作品的練習。諷刺的是，這種低期望有時會導致傑作的誕生，因為它賦予了繪畫一種自由感，而更有計劃和深思熟慮的媒介則抵制這種自由。Degree Zero 以兩種方式探討這一現象。首先，策展集中於數十幅顯然是作為完成作品而非準備作品的繪畫，例如瑞士藝術家 Sonja Sekula 的一幅驚人的黃色無題畫作，或意大利-巴西藝術家 Alfredo Volpi 的完美作品“Composition with One Flag”。其次，它還包括幾幅所謂的準備作品——最著名的是 Ellsworth Kelly 的“Study for La Combe II”（1950）和“Study for Window, Museum of Modern Art, Paris”（1949）——這些作品在許多方面優於它們所先行的最終版本。至於 Degree Zero 如何應對像 MoMA 這樣的機構撰寫和重寫藝術史的權力，整個展覽基本上是試圖修正 MoMA 首先所貢獻的狹隘敘事，即戰後藝術主要是美國的、白人的、男性的事務，受抽象表現主義主導。Degree Zero 完全來自 MoMA 的永久收藏，包含來自五大洲的兩性藝術家，代表多種種族背景，並包括一些未受過專業訓練的藝術家。這並不能抹去舊的罪孽，但至少證明了 MoMA 今天希望開始修復破碎的過去的願望。
圖紙抽屜
或許Degree Zero最顯著的特點就是這個展覽的存在。任何專業的畫家都會告訴你，素描在初級和次級市場上通常價格較低的原因是，收藏家往往不會將素描視為檔案。事實上，許多畫家既不花時間選擇優質紙張，也不準備表面，選擇優質媒介，或在作品完成後保護作品。當你購買一幅素描時，最終不得不花很多錢來裝裱作品，並小心選擇正確類型的玻璃，還要把它懸掛在不會受到環境條件損害的地方。即使是正確製作和保護的素描，通常也會比油畫更快退化。這就是為什麼許多博物館收藏的素描最終會在平面文件櫃中放置數十年，被忽視並最終被遺忘。當它們被重新發現時，有時已經無法挽救。
諾曼·路易斯 - 《信使》，1952年。炭筆和墨水於紙上。26 x 30 3/8′′ (66.1 x 77.3 cm)。現代藝術博物館，紐約。布蘭切特·胡克·洛克菲勒贈送 © 諾曼·路易斯遺產；感謝邁克爾·羅森費爾德畫廊 LLC，紐約，NY
不知怎的，MoMA 不僅成功地收集了來自單一十年的 79 幅畫作，而且這些畫作在超過 60 年後，仍然有相當多的作品保持著極其良好的狀態。一個奇妙的例子是奧托·皮內（Otto Piene）的《無題（煙霧畫）》(1959)。藝術家通過將一張紙懸掛在金屬網上，置於燃燒的火焰上，讓煙霧在紙上燒出圓形的圖案。令人驚訝的是，這張燒焦的紙張在 62 年後依然完好無損，並且表現出極高的表現力。另一個值得注意的例子是諾曼·路易斯（Norman Lewis）的《信使》（1952），這是一幅用炭筆和墨水在紙上創作的畫作。這件作品保留了如此多的細節、精緻和微妙，以至於在創作近 70 年後，它似乎仍然包含著這位非凡藝術家的優雅、深思熟慮的活生生的心靈的回聲。這些作品的美妙保存使得媒介不再被視為注定要惡化的東西，而是作為一種獨特地表達了創作者的心靈和身體的東西，值得保護和收藏。
《零度：中世紀的繪畫》展覽安裝視圖，2020年11月1日至2021年2月6日，於紐約現代藝術博物館舉行。數位影像 © 2020 紐約現代藝術博物館。照片由羅伯特·格哈特提供。
扶正歷史
薩曼莎·弗里德曼，摩馬的繪畫和版畫副策展人，因為她選擇的作品能夠傳達全球、多性別、多種族和多教學的視角而值得額外的讚譽。然而，我同樣對零度對我理解展覽中一些藝術家個別作品的影響感到印象深刻。一對路易絲·布爾喬亞的畫作完全吸引了我，重申了成年人內心的孩子，並提供了這位我認為可怕而深刻的成年藝術家的年輕靈魂的愉悅一瞥。“無題（佛羅倫斯）”（1952）是我見過的這位藝術家唯一的小型作品。它驚人的清晰度和激情在我心中留下了深刻的印象，可能是永久的。喬治·馬修1958年的一幅無題黑白畫作更是將對這位畫家的尊重提升到了更高的層次。我一直是他獨特的宇宙抽象作品的粉絲，但看到他在這裡沒有顏色和質感的幫助下所做的，證明了他的精湛技藝。
喬安·米切爾 - 無題，1957年。油畫於紙上。19 1/2 x 17 1/2′′ (49.5 x 44.5 cm)。現代藝術博物館，紐約。繪畫基金委員會 © 喬安·米切爾遺產
我認為《零度》“修正”歷史的最後一種方式在於它願意超越通常被視為繪畫的範疇。多蘿西·德赫納（Dorothy Dehner）於1953年創作的水彩和墨水作品《新城市》（New City），通常會被視為簡單的水彩畫，但其線條特徵無疑表明它應該在這個展覽中。同樣，博福德·德拉尼（Beauford Delaney）的一幅色彩繽紛的無題粉彩作品通常會被展示為一幅畫作，或僅僅是一件紙上作品。喬安·米切爾（Joan Mitchel）於1957年的驚人無題油畫作品；村上三郎（Saburo Murakami）的一幅拋球丙烯紙上作品；薩里·迪恩斯（Sari Dienes）的墨水擦拭作品；以及維拉·莫爾納（Vera Molnar）於1961年的拼貼作品《2Letters Ms》。將這些作品歸類為繪畫在微妙而顛覆的方式上模糊了定義，並增強了這次展覽所達到的整體效果，擴展了繪畫和藝術史的體驗，使其比以往更加開放。
特色圖片： 奧托·皮內 - 無題（煙畫），1959年。煙灰在紙上。20 x 29英寸（51 x 73厘米）。現代藝術博物館，紐約。由謝爾登·H·索洛提供的資金購買 © 2019 奧托·皮內 / 藝術家權利協會（ARS），紐約 / VG. Bild-Kunst，德國
所有圖片僅用於說明目的
由 Barcio 作品
