موسيقى الألوان لسام جيليام في بازل
بالتزامن مع بدء آرت بازل 2018، افتتح متحف الفن في بازل مؤخرًا ما يُطلق عليه أول معرض فردي أوروبي على الإطلاق لأعمال الفنان الأمريكي التجريدي سام جيليام. بعنوان موسيقى الألوان: سام جيليام، 1967 – 1973، يضم المعرض ما مجموعه 45 عملًا تم تنسيقها من مجموعات خاصة ومؤسسية من الولايات المتحدة وأوروبا. في رأي العديد من الفنانين الذين يعملون اليوم، يُعتبر جيليام واحدًا من أهم الرسامين الأمريكيين، ليس فقط لأن أعماله جميلة، ولكن بسبب المساهمة التي قدمها في نظرية الفن المعاصر. لقد حطمت ابتكاراته المفاهيم المسبقة في لحظة حاسمة، وتحدت مباشرة بعضًا من أعلى الأصوات في جيله. كانت أفكاره مهمة لدرجة أنه قد يبدو من الصعب تصديق أن جيليام لم يقم من قبل بمعرض فردي في أوروبا. ومع ذلك، إذا قمت بفحص مسيرته حقًا، فقد لا يكون ذلك مفاجئًا بعد كل شيء. لقد قام جيليام دائمًا بالأشياء بطريقته الخاصة. على الرغم من أن أعماله ساعدت في تأسيس سوق الفن المتعدد الأوجه الذي نعرفه اليوم، إلا أنه لم يتصرف أبدًا وفقًا لتوقعات ذلك السوق. باختصار، جيليام هو متمرد. على الرغم من أنه مثل الولايات المتحدة في بينالي البندقية مرتين - في عامي 1972 و2017 - إلا أنه وقع مؤخرًا فقط مع معرض، للمرة الأولى في مسيرته. في الماضي، حتى عندما كان في دائرة الضوء، كان يبيع معظم أعماله بنفسه، من استوديوه. ومع ذلك، شملت مشترياته العشرات من أرقى المتاحف في العالم، بما في ذلك تيت مودرن، ومتحف غوغنهايم في نيويورك، ومتحف المتروبوليتان للفنون، ومتحف موما، والمعرض الوطني للفنون في واشنطن، العاصمة، التي تحتفظ جميعها بأعماله. قد تكون رغبته في عدم القيام بما هو متوقع هي ما منع جيليام من أن يكون موضوع معرض أحادي في أوروبا حتى الآن. ولكنها أيضًا ما أدى إلى أكبر إنجازاته. إن ثقته الفريدة في رؤيته الخاصة تجعل جيليام الممثل المثالي للاستقلال في عالم الفن، وهي ما جعله أسطورة حية في عالم الفن التجريدي المعاصر.
على الحافة المائلة
وُلِدَ في عام 1933، دخل غيليام مسيرته المهنية في وقت كانت فيه الاتجاهات تتجه نحو الحد الأدنى، التجريد الهندسي، والتجريد ما بعد الانطباعي. مثل العديد من الرسامين من جيله، بدأ في رسم هذا النوع من الأعمال. أعماله التجريدية الهندسية ذات الحواف الحادة من أوائل الستينيات تذكر بأعمال فنانين مثل فرانك ستيلا، ماكس بيل، أو كارمن هيريرا. السنة التي تغير فيها كل شيء بالنسبة لغيليام كانت 1967. كانت تلك السنة التي اعتمد فيها طريقة مختلفة تمامًا لصب الطلاء الأكريليكي مباشرة على القماش غير المعالج ثم طي القماش بينما كان الطلاء لا يزال رطبًا. ثم كان يسمح للقماش بالجفاف بحيث يتم دمج الخطوط المتجعدة إلى الأبد في المادة. فقط بعد ذلك كان يقوم بشد القماش على قضبان الشد.
سام جيليام - ويرليراما، 1970. أكريليك على قماش، 282.6 × 293.4 × 5.1 سم. صورة: فريدريك نيلسن، بإذن من الفنان، متحف المتروبوليتان للفنون، نيويورك، ومعرض ديفيد كوردانسكي، لوس أنجلوس. ©2018، برو ليترس، زيورخ
تعمل الخطوط الناتجة عن هذه الطريقة كأثر ليد الفنان، وتضيف هيكلًا وأبعادًا لشيء الفن. كانت هذه الابتكار وحده رائدًا. ومع ذلك، لم يتوقف جليام عند هذا الحد. بعد ذلك، قام بتشذيب حواف قضبان الإطار، مما جلب انتباهًا جديدًا إلى جوانب اللوحة، مما أعطاها أهمية متساوية مع السطح. جعلت الحواف المشذبة اللوحات تبدو وكأنها تخرج من الجدار، بدلاً من أن تكون معلقة عليه ببساطة. أعطى هذا اللوحات حضورًا شبه منحوت. أطلق على هذه الأعمال "لوحات الشريحة". كانت كلمة شريحة تحمل معاني متعددة. تم تقطيع قضبان الإطار، مما خلق التأثير المشذّب. أيضًا، كانت الطيات في القماش تعمل كشرائح في الصورة، مما يخلق تركيبات لونية غير متوقعة وتنوعات هيكلية غير متوقعة في العمل تذكر بأسرّة الأنهار المنحوتة في سطح الأرض.
سام جيليام - روندو، 1971. أكريليك على قماش، عارضة من البلوط. 261 × 366 × 198 سم. صورة: Lee تومسون، بإذن من الفنان، متحف الفنون الجميلة في بازل ومعرض ديفيد كوردانسكي، لوس أنجلوس ©2018، برو ليترس، زيورخ
لا يتكرر مرتين
الابتكار التالي الذي يُعرف به جيليام حدث في عام 1968، عندما أنشأ أول "لوحة قماشية" له. هذا الجسم من العمل يسكن مساحة نظرية تقع في مكان ما بين الرسم، والنحت، والتركيب، لأنه يلغي قضبان الإطار، وبالتالي يوسع تعريف ما يمكن أن تكون عليه اللوحة. قام جيليام برسم "لوحاته القماشية" باستخدام نفس الطريقة التي استخدمها مع "لوحات الشريحة"، حيث صب الطلاء الأكريليكي مباشرة على القماش غير المعالج. ولكن عندما انتهى من اللوحة، بدلاً من تجعيدها ثم تمديدها، قام ببساطة بتعليق القماش مباشرة على الحائط، مثل الستارة أو قطعة من الملابس. أخذت "لوحات جيليام القماشية" فكرة القماش المشكل إلى مستوى جديد، مما سمح للعمل بتبني تكوين جديد تمامًا في كل مرة يتم تقديمه. وقد أشار جيليام بسعادة إلى أن "لوحاته القماشية" لا تُعرض بنفس الطريقة مرتين.
سام جيليام - ضوء الياقوت، 1972، أكريليك على قماش، 203 × 144 × 30 سم. صورة: كاثي كارفر، بإذن من الفنان ومتحف هيرشهورن وحديقة النحت، مؤسسة سميثسونيان، واشنطن العاصمة. ©2018، برو ليترس، زيورخ
منذ إنجازاته الكبرى في أواخر الستينيات، واصل جليام التجريب والتطور كفنان. لقد وسع نطاق أسطحه، حيث يرسم على الورق والخشب. كما قام بفحص حدود الكولاج، واكتشاف المزيد من الطرق لدمج المواد والوسائط والتقنيات. على الرغم من الاختلافات الظاهرة في جميع أعماله المختلفة، إلا أن هناك جانبًا واحدًا من كل ما فعله جليام يحدد مساهمته الفريدة في الفن المعاصر، وهو ما يتعلق بكيفية مساعدته لنا على فهم أن الرسم والنحت هما في الحقيقة الشيء نفسه. غالبًا ما يقول الناس إن الفنان قد طمس الحدود بين الرسم والنحت، ربما لأن لوحاته لها أبعاد، أو لأنها تتدلى من السقف أو تجلس على الأرض. حقق جليام أكثر من ذلك بكثير. إنه يعامل أسطحه بنفس الطريقة التي قد يعامل بها النحات المعدن أو الرخام أو الطين. إنه يثبت أن سطح اللوحة يمتلك القدرة على نقل العاطفة، أو سرد قصة، أو التواصل مع موضوع رسمي. إنه يعرف السطح على أنه أكثر من مجرد دعم - إنه يجعله وسيطًا في حد ذاته. موسيقى اللون: سام جليام، 1967 – 1973 معروضة حتى 30 سبتمبر في متحف الفن في بازل.
الصورة المميزة: سام جيليام - عمق الضوء، 1969. أكريليك على قماش، 304.8 × 2269 سم. مجموعة كوركوران، واشنطن العاصمة. © 2018، برو ليترس، زيورخ
بواسطة فيليب Barcio
