موسيقى الألوان لسام جيليام في بازل
بالتزامن مع انطلاق معرض آرت بازل 2018، افتتح متحف كونستموزيوم بازل مؤخرًا ما يُعتبر أول معرض فردي أوروبي على الإطلاق لأعمال الفنان الأمريكي التجريدي سام جيليام. بعنوان موسيقى اللون: سام جيليام، 1967 – 1973، يضم المعرض ما مجموعه 45 عملاً تم اختيارها من مجموعات خاصة ومؤسسية من الولايات المتحدة وأوروبا. في رأي العديد من الفنانين العاملين اليوم، يُعد جيليام واحدًا من أهم الرسامين الأمريكيين، ليس فقط لأن أعماله جميلة، بل بسبب الإسهام الذي قدمه لنظرية الفن المعاصر. لقد حطمت ابتكاراته الأفكار المسبقة في لحظة حاسمة، وتحدت بشكل مباشر بعضًا من أعلى الأصوات في جيله. كانت أفكاره مهمة جدًا لدرجة أنه قد يبدو من الصعب تصديق أن جيليام لم يقم من قبل بمعرض فردي في أوروبا. ومع ذلك، إذا نظرت حقًا إلى مسيرته المهنية، فقد لا يكون ذلك مفاجئًا للغاية. فقد كان جيليام دائمًا يفعل الأمور بطريقته الخاصة. على الرغم من أن أعماله ساعدت في تأسيس سوق الفن المتعدد الأوجه الذي نعرفه اليوم، إلا أنه لم يلبِ أبدًا توقعات ذلك السوق. بكلمة واحدة، جيليام هو متمرد. على الرغم من تمثيله الولايات المتحدة في بينالي البندقية مرتين — في 1972 و2017 — إلا أنه وقع مؤخرًا مع معرض فني، لأول مرة في حياته المهنية. في الماضي، حتى عندما كان في دائرة الضوء، كان يبيع أعماله بنفسه، من داخل مرسمه. ومع ذلك، شملت قائمة مشترِيه عشرات من أرقى المتاحف في العالم، بما في ذلك تيت مودرن، متحف غوغنهايم في نيويورك، متحف المتروبوليتان للفنون، موما، والمعرض الوطني للفنون في واشنطن العاصمة، وجميعها تحتفظ بأعماله. إن استعداده لعدم القيام بما هو متوقع قد يكون السبب في عدم خضوع جيليام لمعرض فردي أوروبي حتى الآن. لكنه أيضًا ما أدى إلى أعظم إنجازاته. ثقته الفريدة في رؤيته الخاصة تجعل من جيليام الممثل المثالي للاستقلالية في عالم الفن، وهو ما جعله أسطورة حية في عالم الفن التجريدي المعاصر.
على الحافة المائلة
وُلد جيليام عام 1933، وبدأ مسيرته المهنية في وقت كانت فيه الاتجاهات تتجه نحو التبسيط، التجريد الهندسي، والتجريد ما بعد الطلاء. مثل العديد من الرسامين في جيله، بدأ برسم هذا النوع من الأعمال بالذات. أعماله التجريدية الهندسية ذات الحواف الحادة من أوائل الستينيات تذكر بأعمال فنانين مثل فرانك ستيلا، ماكس بيل، أو كارمن هيريرا. كان عام 1967 هو العام الذي تغير فيه كل شيء بالنسبة لجيليام. ففي ذلك الوقت تبنى طريقة مختلفة تمامًا لصب الطلاء الأكريليكي مباشرة على قماش غير مدهون ثم طي القماش بينما كان الطلاء لا يزال رطبًا. ثم كان يسمح للقماش بأن يجف بحيث تدمج الخطوط المتجعدة إلى الأبد في المادة. وبعد ذلك فقط كان يشد القماش على أطر الشد.
سام جيليام - ويرليراما، 1970. أكريليك على قماش، 282.6 × 293.4 × 5.1 سم. تصوير: فريدريك نيلسن، بإذن من الفنان، متحف المتروبوليتان للفنون، نيويورك، ومعرض ديفيد كوردانسكي، لوس أنجلوس. ©2018، ProLitteris، زيورخ
تعمل الخطوط الناتجة عن هذه الطريقة كآثار ليد الفنان، وتضيف بنية وأبعادًا إلى العمل الفني. كان هذا الابتكار بحد ذاته ثوريًا. ومع ذلك، لم يتوقف جيليام عند هذا الحد. فقد قام بعد ذلك بتقويس حواف أُطُر الشد، مما جذب الانتباه إلى جوانب اللوحة، معطيًا إياها أهمية مساوية لسطح اللوحة. جعلت الحواف المائلة اللوحات تبدو كما لو أنها تخرج من الجدار، بدلاً من أن تكون معلقة عليه فقط. وهذا أعطى اللوحات حضورًا شبه نَحتي. أطلق على هذه الأعمال اسم "لوحات الشرائح". كانت كلمة "شريحة" تحمل معانٍ متعددة. فقد تم شق أُطُر الشد، مما خلق التأثير المائل. كما أن الطيات في القماش عملت كشُرائح داخل الصورة، مكونة توليفات لونية غير متوقعة وتغيرات هيكلية غير متوقعة في العمل تذكر بأحواض الأنهار المنحوتة على سطح الأرض.
سام جيليام - روند، 1971. أكريليك على قماش، أعمدة بلوط. 261 × 366 × 198 سم. تصوير: Lee Thompson، بإذن من الفنان، متحف كونستموزيوم بازل ومعرض ديفيد كوردانسكي، لوس أنجلوس ©2018، ProLitteris، زيورخ
لا يتكرر بنفس الشكل مرتين
الابتكار التالي الذي يُعرف به جيليام حدث في عام 1968، عندما أنشأ أول "لوحة ستارة" له. هذه المجموعة من الأعمال تحتل مساحة نظرية تقع بين الرسم، النحت، والتركيب، لأنها تلغي أُطُر الشد، موسعة بذلك تعريف ما يمكن أن تكون عليه اللوحة. رسم جيليام "لوحات الستارة" باستخدام نفس الطريقة التي استخدمها في "لوحات الشرائح"، حيث يصب الطلاء الأكريليكي مباشرة على قماش غير مدهون. ولكن عندما انتهى من اللوحة، بدلاً من تجعيدها ثم شدها، كان يعلق القماش مباشرة على الحائط، مثل الستارة أو قطعة من الملابس. أخذت "لوحات الستارة" فكرة القماش المشكل إلى مستوى جديد، مما سمح للعمل باعتماد تكوين جديد كليًا في كل مرة يُعرض فيها. وقد لاحظ جيليام بسعادة أن "لوحات الستارة" لا تُعرض أبدًا بنفس الطريقة مرتين.
سام جيليام - روبي لايت، 1972، أكريليك على قماش، 203 × 144 × 30 سم. تصوير: كاثي كارفر، بإذن من الفنان ومتحف هيرشهورن وحديقة النحت، مؤسسة سميثسونيان، واشنطن العاصمة. ©2018، ProLitteris، زيورخ
منذ إنجازاته الكبرى في أواخر الستينيات، واصل جيليام التجريب والتطور كفنان. لقد وسع نطاق الأسطح التي يرسم عليها، فشمل الورق والخشب. كما درس حدود الكولاج، مكتشفًا طرقًا أكثر لدمج المواد والوسائط والتقنيات. على الرغم من الاختلافات الظاهرة في جميع مجموعاته المختلفة، هناك جانب واحد في كل ما فعله جيليام يحدد إسهامه الفريد في الفن المعاصر، وهو كيف ساعدنا على فهم أن الرسم والنحت في الحقيقة هما نفس الشيء. كثيرًا ما يُقال إن فنانًا ما قد طمس الحدود بين الرسم والنحت، ربما لأن لوحاته لها أبعاد، أو لأنها معلقة من السقف أو موضوعة على الأرض. لكن جيليام حقق أكثر من ذلك بكثير. فهو يعامل أسطحه بنفس الطريقة التي قد يعامل بها النحات المعدن أو الرخام أو الطين. يثبت أن سطح اللوحة يمتلك القدرة على نقل العاطفة، سرد قصة، أو إيصال موضوع شكلي. يعرف السطح بأنه أكثر من مجرد دعم — بل يجعله وسيطًا بحد ذاته. موسيقى اللون: سام جيليام، 1967 – 1973 معروض حتى 30 سبتمبر في متحف كونستموزيوم بازل.
الصورة المميزة: سام جيليام - عمق الضوء، 1969. أكريليك على قماش، 304.8 × 2269 سم. مجموعة كوركوران، واشنطن العاصمة. © 2018، ProLitteris، زيورخ
بقلم فيليب Barcio
