أم الدن للفن التجريدي التعبيري - بيتي بارسونز

Betty Parsons توفيت قبل 35 عامًا، عندما كنت في الثالثة عشرة من عمري. لم أعرفها قط. نظريًا، أظن أنه كان بإمكاني مقابلتها لو كنت أعرف أن أحاول. لكنني لم أكن أدرك وجودها إلا بعد فوات الأوان بكثير. أتخيل أن كثيرًا من الناس يندمون على عدم إتاحة الفرصة لهم للتعرف إلى Parsons. فقد كانت ثورية في الفن الحديث. ومع أنني أشتبه في أنها لم تكن تدرك أن ذلك سيحدث، فإن مثالها ألهمني، وألهم كثيرين من أبناء جيلي على ما أعتقد، للسعي إلى نماذج جديدة من الأصالة والتميّز في الفن. من التجمعات الفنية غير الربحية، إلى مساحات المشاريع التي يديرها الفنانون، إلى المتاحف التجريبية، يزخر عالم الفن اليوم بأشخاص وأماكن يقدّرون الفن العظيم أكثر من الربح العظيم. وParsons هي من أشكرها على هذا الإرث. لكن الكتابة عنها كانت واسعة، في أرقى المجلات الفنية، وعلى يد كتّاب أكثر مني إنجازًا بكثير. وليس لدي ما هو مبتكر لأقوله عنها. لكن بما أنها كانت فريدة بطريقة يقدّرها روحي، فإنني أميل مع ذلك إلى المحاولة. ظهر لقبها، «الأم الراعية للتعبيرية التجريدية»، في مقال في ARTnews من عام 1979، كتبته Grace Lichtenstein. وكان اللقب يشير إلى إيمان Parsons بأعمال Mark Rothko وHans Hofmann وJackson Pollock وClyfford Still وBarnett Newman، ورعايتها لها وعرضها، في الوقت الذي لم يكن فيه أحد آخر في أمريكا مستعدًا لذلك. ويكشف ذلك المقال أيضًا عن التعقيد والعمق اللذين امتلكتهما Parsons كفنانة وهاوية فن ورجل أعمال. وفي الوقت نفسه، تسهم مقابلة سُجلت مع Parsons عام 1977 على يد الفنانة Helène Aylon، ونشرتها Judith Stein كاملةً في مجلة Art in America عام 2013، إسهامًا كبيرًا في الكشف عن الجانب الاستثنائي في Parsons كإنسانة. وأفضل طريقة أشعر أنني أستطيع بها إبداء احترامي لـ Parsons هي التركيز على هذين الملفين التعريفيين، اللذين أعدّهما أشخاص عرفوها فعلًا في حياتها. وفيما يلي، مقتطفة منهما، عشر عبارات جعلت Parsons بطلة شخصية بالنسبة إليّ، لأنها تذكّرني بما هو مهم عندما يتعلق الأمر بإبداع الفن وتقديره.

"الحمد لله، يبدو أنه لا توجد أي «مذاهب» اليوم. أنا أكره الموضات."

غالبًا ما نحاول تسمية الحركات الفنية في عصرنا. لماذا نفعل ذلك؟ لأن التسميات تجعل بيع المنتجات أسهل، خصوصًا للأشخاص الذين يفتقرون إلى قدر كبير من التعليم أو التقدير الحقيقي. وبدلًا من الإيمان بالاتجاهات، أعطت Parsons الأولوية لما هو جيد، ووجدت متعة في ما هو مختلف.

"لطالما fascinatedني ما أسميه «الحضور غير المرئي». أكثر الأشياء دوامًا في هذا العالم هو غير المرئي؛ فلا يمكنك الإفلات منه أبدًا"

يعتقد بعض الفنانين أنهم لا يستطيعون النجاح إلا إذا امتلكوا هوية قابلة للتسويق، أو إذا صنعوا فنًا يتناول موضوعًا معينًا يحظى بشعبية لدى الجمهور المعاصر. ركزت Parsons على المجهول. وبدلًا من الترويج لفن الواضح، انجذبت إلى الفن الذي يكشف ما هو خفي.

"أنا أؤمن بالتوتر. إذا كنت ترسم لوحة ولا توتر فيها، فلا إثارة فيها."

قد ينشأ التوتر في العمل الفني من شيء داخله لا يستطيع المشاهد التعرّف إليه. وقد ينشأ من شيء يُعد مبتذلًا أو فجًا. وفي أحيان أخرى، يأتي التوتر من شيء لا نراه جميلًا ببساطة. وبدلًا من إبعاد النظر عن هذه الأشياء، احتضنتها Parsons، ورأت فيها فرصًا لتحدي نفسها والنمو.

Betty Parsons - Green #1، 1971، أكريليك على قماش، © 2018 The Estate of Betty Parsons، بإذن من Alexander Gray Associates، نيويورك

"أنا مهتمة باللوحات المهمة، لا بالمنزل."

عرضت Parsons الأعمال في غرف ذات جدران بيضاء وأرضيات عارية. ولم تبذل جهدًا إضافيًا لإقناع جامعي الأعمال بالشراء. كانت ترى أن مهمتها تتكون من جزأين: الترويج لنزاهة الفنان، وإقناع الجمهور بأن العمل جدير بالتقدير لأسباب لا علاقة لها بمدى جماله فوق أرائكهم.

"لا أريد أن أُثقل بكل هذه الثروات - فسوف تملّني حتى الموت."

وُلدت Parsons في أوساط المجتمع الراقي، لكنها رفضت مظاهر الثراء. وبعد أن خسرت كل شيء في فترة الكساد الكبير، بدأت من الصفر. وخلال السنوات الخمسين التالية، كانت تواجه غالبًا صعوبة في دفع الفواتير. باعت من الأعمال ما يكفي، من أعمالها وأعمال الفنانين الذين كانت تمثلهم، لإبقاء الأنوار مضاءة، واعتبرت ذلك تعريف النجاح المالي.

"كان العالم التجريدي يُعد باردًا لأنه لا يحتوي على أشكال بشرية. لكنه كان يحتوي على النار والطاقة والطبيعة والضوء والفضاء - كان يركّز على كل تلك القيم."

امتلكت Parsons الثقة الكافية لتؤمن بذوقها الخاص. وفهمت التجريد قبل معظم الأمريكيين بوقت طويل. وثقت برؤيتها الخاصة، بصرف النظر عما قاله أو فعله بقية عالم الفن.

"كنت دائمًا أسبق عصري بعشر سنوات. تلك هي قصة حياتي."

عندما لا تنجح ماليًا، يكون من المغري أن تظن أن السبب هو أن ما تفعله لا قيمة له. أدركت Parsons أن سبب عدم شراء أحد لأعمالك أحيانًا هو أنهم لا يتعرفون إليها، لأنها تنتمي إلى المستقبل.

Betty Parsons - Challenge، 1976، أكريليك على قماش (يسار) / Sputnik، 1961، أكريليك على قماش (يمين)، © 2018 The Estate of Betty Parsons، بإذن من Alexander Gray Associates، نيويورك

"ارتبط دائمًا بالفن؛ ولا ترتبط أبدًا بالفنان."

كانت Parsons تمقت بعض الفنانين لكنها تعشق أعمالهم. وفهمت أن الفنانين ليسوا مضطرين إلى أن يكونوا محبوبين أو اجتماعيين أو ساحرين. فالفنانون ليسوا مندوبي مبيعات ولا سياسيين. أعمالهم تتحدث عن نفسها.

"[الفنانون الذين أمثلهم] يصبحون أكثر حرية وإبداعًا مع مضيهم قدمًا. لطالما شجعتهم على ذلك."

يشجع بعض أصحاب المعارض الفنانين على العثور على أسلوب يبيع ثم الالتزام به. أما Parsons فكانت تتحدى الفنانين الذين تعرض أعمالهم. وكانت تؤمن بأن الحيوية والنمو عنصران أساسيان للتحسن، وبأن المبيعات هي أقل جوانب المسيرة الفنية أهمية.

"نحن جميعًا جزء من كل شيء."

كان يُسأل Parsons كثيرًا عن آرائها في القضايا الاجتماعية. وكانت هذه العبارة ردها على أحد هذه الأسئلة. لقد عرفت أن الفن قادر على كشف حقيقة أن ما يجمعنا جميعًا يفوق بكثير الأشياء التي تفرّق بيننا. وقد أثرت فيّ هذه العبارة أكثر من غيرها. وهي تستحق التكرار باستمرار، لأنه من السهل جدًا نسيانها.

Betty Parsons - Requiem، 1963، أكريليك على قماش، © 2018 The Estate of Betty Parsons، بإذن من Alexander Gray Associates، نيويورك

الصورة الرئيسية: Betty Parsons - Orange، 1956، أكريليك على قماش، © 2018 The Estate of Betty Parsons، بإذن من Alexander Gray Associates، نيويورك
جميع الصور مستخدمة لأغراض توضيحية فقط
بقلم Phillip Barcio 2018
تحرير IdeelArt (2026)