Et interview med Ellen Priest

Ellen Priest har sat sit præg på kunstverdenen med sine livlige abstrakte kollage-malerier i over tredive år. Påvirket af Cezanne fra starten af sin karriere og jazz siden 1990’erne, har hun søgt at fange bevægelserne og de indviklede rytmer i forskellige jazzkompositioner i levende farvede penselstrøg. IdeelArt havde mulighed for at diskutere hendes arbejdsproces og samtidig få indsigt i hendes påvirkninger og hendes passion for musik undervejs.

Du nævner, at du var stærkt påvirket af en udstilling med titlen “Cezanne: The Late Works”, der viste hans sene akvareller på Museum of Modern Art. Påvirker hans stil stadig dine værker og gennemtrænger dem?

Åh, helt sikkert. Det er sjovt; det er en af de indsigter, man får, når man er ung. Denne her blev hængende for mig. Og jeg kunne mærke dengang, at det var noget stort. På Philadelphia Museum of Art er der et sent Cezanne-landskab, som jeg altid går hen og ser, når jeg har brug for at rydde hovedet eller finde inspiration eller finde ud af noget. Jeg står foran det landskab, indtil jeg finder ud af det. Hans sene værker har været en konstant påvirkning i mere end tredive år. Jeg tror, det er fordi, han fandt en måde at håndtere farver på, og hvad mange ikke forstår, er, at dit valg af placering af en bestemt farve i bund og grund er tegning. Cezanne havde en måde at forstå, hvordan objekter i rum svæver. Hans tankegang synes at matche min egen. Former dukker op, og så opløses de. Så dukker de op igen og forsvinder igen, hvilket giver illusionen af, at maleriet ånder. Han er stadig lige så magisk for mig, som han var, da jeg først så værket.

Jeg føler mig heldig, ærligt talt. Jeg tror, det taler for styrken og genialiteten i hans arbejde. For mig var han lige så banebrydende som Giotto med perspektiv og den måde, han håndterede figurer i rum på. Min fornemmelse er, at hvis jeg kunne springe 500 år frem, ville folk stadig tale om Cezanne som en banebryder. Den abstrakte ekspressionisme, der fascinerede mig fra starten, er lige så stærk for mig nu. Jeg føler mig heldig over, at jeg ramte den og forstod den tidligt. Jeg indså simpelthen, hvad der var stærkt for mig visuelt.

Kan du fortælle os om din arbejdsproces? Hvilke materialer og teknikker bruger du?

Jeg bruger papir; alt mit arbejde er på papir. De malinger, jeg bruger, er flashe og olie. Flashe, som er en vinylbaseret vandopløselig maling, tager pigmenter ligesom akvarel og gouache gør. Den gør ikke farverne let brune, som akryl gør. Den er meget kompatibel med olierne. Farvemæssigt er den lidt anderledes, men de arbejder virkelig godt sammen i rummet. Jeg bruger også meget blyant. Papirerne spænder fra meget tungt fransk akvarelpapir til to vægte af Canson kalkerpapir. Den ene er meget tung og hedder Opalux, den anden er tyndere, og begge er arkivbestandige. Jeg har arbejdet meget de sidste femten år med et par i Boston, Jim og Joan Wright, som begge er museumsbevarere, og de har vejledt mig i denne proces. Jim lærte mig, hvordan man bruger oliemaling på denne slags papir uden problemer. Jeg har gjort det i lang tid nu, og arbejdet ser ud til at holde fint; jeg har ikke haft nogen vanskeligheder med det. Jeg bruger også MSA-gel som lim, og jeg laminerer ikke lagene – jeg limer dem punktvis – og jeg lægger vægt på dem for at få gelen til at hærde. Det tager cirka en uge at tørre.

Du nævner, at du bruger et til fem år på en given serie. Hvordan bevarer du din motivation og undgår udbrændthed?

Min proces er ret lang, men den er også meget varieret. Den går helt fra penselstudier, som er mine første møder med lydene og bevægelsen i musikken. Og penselstudierne varer måske tredive sekunder, og det udvikler sig hele vejen fra det til langsomt at bygge disse tykke, lagdelte værker op. Jeg har ikke problemer, fordi processen er en, der har udviklet sig over mange år, og den fungerer virkelig for mig. Det er blevet et sprog, jeg er meget tryg ved, selvom det altid er en udfordring. Jeg tror også, at på et tidspunkt bliver man bare professionel, og det betyder ikke noget, hvordan jeg har det på en given dag. Det er tid til at gå på arbejde. Jeg svømmer baner, drikker en smoothie og går i gang. Jeg har lært, at hvis mit hoved ikke er med, er der forskellige ting, jeg kan gøre for at komme ind i det. Som regel ved jeg dagen før, hvad jeg skal lave næste dag. Når jeg prøver at finde ud af farveforholdene, skal jeg bare sidde og kigge på det og blive ved med at skifte farveprøver ud, så jeg kan se, hvordan de opfører sig i rummet. Jeg har også musikken tændt. Så processen i sig selv bærer mig nogle gange videre, når mit sind og mit hjerte ikke nødvendigvis er der, men jeg skal derhen. Den disciplin kommer bare med årene.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papir. 106,68 x 106,68 cm.

Hvordan vælger du dit indhold og motiv?

Motiv og indhold er to meget forskellige ting. Indholdet er slutresultatet eller de følelser, du oplever, når du ser på værket. Motiv er jazzen. Meget få abstrakte kunstnere har bevidste motiver. Jeg fandt tidligt ud af, at jeg ikke kunne holde mine billeder friske uden at gå til ydre motiver. Og jeg kæmpede med det i omkring ti år. Det skete endelig, da jeg lyttede til jazz. Jeg var på vej til Vermont for at stå på ski og lyttede til den lokale NPR-station, og der var et stykke af Michel Camilo, som er en dominikansk jazzpianist. Pludselig indså jeg, at de rum, jeg så i mit hoved, var rum, der var til stede i hans musik.

Det var i 1990, og jeg har arbejdet med jazz lige siden. Det er bevidst motiv. Og det tog mig flere år at udvikle, hvordan jeg ville udvikle billeder ud fra det. De Kooning så sig aldrig som en abstrakt maler; han kiggede konstant på figurer og landskaber, lejlighedsvis stilleben. Joan Mitchell, som er en af mine andre ikoner, havde en meget lang karriere som abstrakt ekspressionistisk maler, og det er virkelig hårdt. Hun hentede sin inspiration fra landskab og poesi. Hun havde en række venner, der var digtere, en af dem var John Ashbury, og hun “illustrerede” hans digte. De Kooning og Mitchell er blandt de få, der har bevaret denne gestiske ekspressionistiske malestil gennem hele deres karriere.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Ikke særlig godt. Jeg er en af dem, der ved, hvordan man er forretningsperson, og jeg er meget professionel, men jeg føler ikke, at jeg er særlig succesfuld på det område. Det er et område, jeg stadig arbejder hårdt på. Den største hindring for mig har været, at folk, der ser meget kunst, altid siger til mig, at mit arbejde er noget, man skal se personligt. Ikke bare det, arbejdet er unikt. Ingen andre ser på eller bruger materialerne på denne måde. Unikhed er en fordel, men det er også en ulempe, fordi det er svært for nogle at finde en måde at relatere til det, de ser, fordi de aldrig har set noget lignende.

Du nævner, at dine værker er stærkt påvirket af rytmerne og den intellektuelle strenghed i jazzmusik. Hvad lytter du til lige nu, som giver næring til dit arbejde?

Jeg lytter faktisk et år eller to frem, før jeg starter et nyt projekt. Mine projekter kan tage alt fra et til fem år, så hvis jeg skal arbejde med et bestemt stykke i så lang tid, skal jeg virkelig kunne lide det! Ellers ville jeg være i store problemer, hvis det ikke hænger ved mig. Jeg er ved at afslutte denne Jazz Cubano-serie, og jeg tog fat på den, fordi jeg elsker afro-cubansk jazz. Rytmerne er så komplekse, at jeg indså, at den eneste måde, jeg kunne finde ud af dem på, var ved at bryde dem ned i de simpleste dele – en percussionlyd ad gangen – og så bygge mig op igen. Det har været en virkelig sjov serie. Jeg bliver færdig med den inden efteråret er omme, og så går jeg i gang med en CD-længde komposition kaldet The River af en Chicago-baseret pianist og komponist ved navn Ryan Cohan.

Det er et smukt stykke, og det har otte sektioner, der er meget omhyggeligt skrevet. Mellem hver er der en improviseret klaversektion – det er symbolsk floden. Han havde et legat til at rejse til Afrika, og Chamber Music America, som også finansierede Edward Simons Venezuelanske Suite, som jeg arbejdede på i fem år, finansierede kompositionen. Hvad Ryan har gjort, er at tage afrikanske rytmer sammen med alt det andet, han er blevet påvirket af, og gøre det til noget, der virkelig var hans eget. Det er et smukt fordøjet og nyskabende musikstykke. Det er meget intelligent og har et stort følelsesmæssigt spænd. Det, jeg oplever, er, at jeg ofte tiltrækkes af ting både følelsesmæssigt og intellektuelt. Jeg ser virkelig frem til The River. Den vil jeg begynde på i sensommeren eller helt sikkert inden årets udgang.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008. Papirer, olie, flashe, blyant, MSA-gel. 106,68 x 106,68 cm.

Hvilke af dine kunstværker er du mest stolt af, og hvorfor?

Jeg tror, de værker, jeg er mest tilfreds med, er i to forskellige grupper: den ene er de sidste par værker i Venezuelan Suite-serien, fordi jeg var i stand til at opnå et niveau af kompleksitet og enkelhed på samme tid, som jeg var meget glad for. Jeg kunne endelig fange musikkens hastighed uden, at den gik tabt. Jeg nød også virkelig tegningerne i Jazz Cubano-serien. De er så afklarede, men de har masser af bid. Det ville være de to grupper, jeg ville sige, jeg er ekstremt stolt af. Hvad angår et specifikt værk, kunne jeg virkelig ikke sige det.

Hvordan ved du, hvornår et værk er færdigt?

Jeg tror, der kommer et punkt, hvor jeg ser på et værk, og på hvert trin må jeg træffe den beslutning. Når der ikke er mere, jeg vil gøre, eller når det føles som om, at alt mere, jeg ville gøre, er for meget, så ved jeg, det er færdigt. Jeg venter som regel og kigger på det et stykke tid. Nogle gange ved jeg med det samme, hvad jeg skal gøre, men nogle gange tager det lidt tid. Hvis der er et område, der ikke bevæger sig, prøver jeg at finde en måde at få det til at bevæge sig på. Ofte betyder det, at jeg må justere en anden del af maleriet. Det behøver ikke nødvendigvis være stedet selv; det kan være en anden komponent, der skal ændres. Generelt sover jeg på det et stykke tid. Jeg kan tro, det er færdigt, men jeg venter bare. Jeg skal træffe disse beslutninger, inden jeg limer. Når jeg trimmer kanterne på værket, får jeg nogle gange en overraskelse – og det er ikke altid godt. Nu og da sætter jeg noget sammen, og det er ikke, hvad jeg havde forventet. Nogle gange kan værket efter trimning være ubalanceret, og jeg kan miste værket, fordi det ikke længere viser det følelsesmæssige spænd, det engang havde.

Hvad betyder det for din proces at have et fysisk rum at lave kunst i, og hvordan får du dit rum til at fungere for dig?

Jeg har et gammelt hus, et treetagers fra 1890’erne, eller hvad vi kalder en tvilling. Jeg har tre etager med nordlys, og jeg bor på et hjørne. Så jeg har enorme mængder lys. Jeg bruger hele første sal til mit atelier bortset fra mit køkken. På anden sal har jeg mit kontor og opholdsområde, og på tredje sal har jeg mit limerum og opbevaringsrum. Så jeg har virkelig ikke bare tilstrækkelig, men også god plads, og det har gjort en verden til forskel. At have permanent rigelig plads har været en gave for mit arbejde. At kunne slå sig ned og få det til at fungere ordentligt har været fantastisk. Nogle gange tænker jeg, at jeg kunne bruge mere plads, men jeg har nok plads!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papirer, olie, flashe, blyant, MSA-gel. 81,23 x 81,23 cm.

Hvad taler til dig, når du ser et abstrakt værk?

For mig har abstraktion (når den er god) en klarhed i tankegangen, som virkelig tiltaler mig. Det kan være farve, det kan være sort-hvid, det kan være meget fyldt med billeder, eller det kan være en enkelt form, der svæver i feltet. Men der er bare en kvalitet af tænkning, der er skarp. En af mine yndlingsnulevende kunstnere er billedhuggeren Martin Puryear. Jeg gik engang ind til en retrospektiv udstilling af hans værker på MoMA, og det tog pusten fra mig. Den samme udstilling blev vist i Washington D.C., og jeg ændrede hele min kalender for at se den igen. Han er genial; hans arbejde har en sådan renhed i form og tanke. Hans værker har referencer til køretøjer, dyr, både. Abstraktion kan henvise til den virkelige verden og stadig være abstrakt. Dine øjne bruger de samme tegn til at orientere sig i verden, som de bruger til at se på abstrakt kunst. Vores øjne finder ud af det tidligt i livet. Vi bruger de samme redskaber til at se på abstrakt kunst, men vi er ikke bevidste om det. Der er noget ved abstraktion, der bygger på vores forståelse af verden.

Er du involveret i nogen kommende udstillinger eller begivenheder? Hvor og hvornår?

Jeg er i samtaler med Saint Peter’s Church i Manhattan, som er stedet, hvor jeg udstillede denne forår – jeg håber at vise et andet projekt der, som handler om The River. Udover det kan jeg få en lokal udstilling her i Wilmington, Delaware til efteråret med Jazz Cubano-serien.


Forsidebillede: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papirer, olie, flashe, blyant, MSA-gel. 81,3 x 119,4 cm.