Et interview med Ellen Priest

Ellen Priest har sat sit præg på kunstverdenen med sine livlige abstrakte collagerede malerier i over tredive år. Påvirket af Cezanne fra starten af sin karriere og jazz siden 1990'erne, har hun søgt at fange bevægelserne og de komplekse rytmer i en række jazzkompositioner i levende farvede penselstræk. IdeelArt havde muligheden for at diskutere hendes arbejdsproces, mens vi fik indsigt i hendes påvirkninger og hendes passion for musik undervejs.

"Du nævner, at du blev stærkt påvirket af en udstilling med titlen 'Cezanne: The Late Works', der præsenterede hans sene akvareller på Museum of Modern Art. Påvirker hans stil stadig dine værker?"

Åh, absolut. Det er sjovt; det er en af de indsigter, vi har, når vi er unge. Denne her satte sig fast hos mig. Og jeg kunne mærke på det tidspunkt, at dette var noget stort. På Philadelphia Museum of Art er der et sent Cezanne landskab, som jeg går hen for at se, når jeg har brug for at rydde mit hoved eller få inspiration, eller finde ud af noget. Jeg står foran det landskab, indtil jeg finder ud af det. Hans sene værker har været en konstant indflydelse, og det har været mere end tredive år. Jeg tror, det er, fordi han fandt en måde at håndtere farver på, og hvad mange mennesker ikke indser, er, at dit valg af placering af en bestemt farve i bund og grund er tegning. Cezanne havde en måde at forstå, hvordan objekter i rum svæver. Hans måde at tænke på ser ud til at matche min egen. Former dukker op, og så opløses de. Så dukker de op igen og falmer væk igen, hvilket giver illusionen af, at maleriet trækker vejret. Han er stadig lige så magisk for mig, som han var, da jeg første gang så stykket.

Jeg føler mig heldig, ærligt talt. Jeg tror, det taler til styrken og brillansen i hans arbejde. For mig var han lige så meget en skillelinje som Giotto med perspektiv og den måde, han håndterede figurer i rummet på. Mit gæt er, at hvis jeg kunne springe 500 år frem, ville folk stadig tale om Cezanne som en skillelinje. Den abstrakte ekspressionisme, der fascinerede mig fra starten, er lige så stærk for mig nu. Jeg føler mig heldig, at jeg opdagede det og forstod det tidligt. Jeg indså simpelthen, hvad der var potent for mig visuelt. 

Kan du fortælle os om din arbejdsproces? Hvilke materialer og teknikker bruger du?

Jeg bruger papir; alt mit arbejde er på papir. De farver, jeg bruger, er flash og olie. Flash, som er en vinylbaseret vandopløselig farve, optager pigmenter ligesom akvarel og gouache gør. Den bliver ikke lidt brunlig som akryl gør. Den er meget kompatibel med olierne. Farvemæssigt er den lidt anderledes, men de arbejder virkelig godt sammen i rummet. Jeg bruger også blyant meget. Papirerne går fra at være meget tungt fransk akvarelpapir til to vægte af Canson tracing vellum. Den ene er meget tung og hedder Opalux, den anden er tyndere, og begge er arkivbestemte. Jeg har arbejdet meget over de sidste femten år med et par i Boston, Jim og Joan Wright, som begge er museumsbevarere, og de har coachet mig i denne proces. Jim lærte mig, hvordan man bruger olie maling på denne slags papir uden at have problemer. Jeg har gjort dette i lang tid nu, og arbejdet ser ud til at holde fint; jeg har ikke haft nogen vanskeligheder med det. Jeg bruger også MSA gel som mit lim, og jeg laminerer ikke lagene - jeg limer dem punktvis - og jeg vægter dem ned for at få gelen til at sætte sig. Det tager cirka en uge at tørre.

"Du nævner, at du bruger et til fem år på en given serie. Hvordan opretholder du din motivation og undgår at brænde ud?"

Min proces er ret lang, men den er også ret varieret. Den går hele vejen fra penselstudierne, som er mine første møder med lydene og bevægelsen i musikken. Og penselstudierne varer måske tredive sekunder, og det udvikler sig hele vejen fra det til langsomt at opbygge disse tykke, lagdelte stykker. Jeg har ikke problemer, fordi processen er en, der har udviklet sig over mange år, og den fungerer virkelig for mig. Det er blevet et sprog, jeg er meget komfortabel med, selvom det altid er en udfordring. Jeg tror også, at på et bestemt tidspunkt bliver man bare professionel, og det betyder ikke noget, hvordan jeg har det på en given dag. Det er tid til at gå på arbejde. Jeg svømmer baner, drikker en smoothie og går i gang. Jeg har lært, at hvis mit hoved ikke er med, er der en række ting, jeg kan gøre for at komme ind i det. Normalt ved jeg dagen før, hvad jeg skal lave den næste dag. Når jeg prøver at finde ud af farverelationerne, skal jeg bare sidde der og kigge på det og blive ved med at skifte farveprøverne ud, så jeg kan se, hvordan de opfører sig i rummet. Jeg har også musikken tændt. Så selve processen bærer mig nogle gange, når mit sind og mit hjerte ikke nødvendigvis er der, men jeg har brug for at komme derhen. Den disciplin kommer bare med årene.

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache på papir. 106,68 x 106,68 cm.

Hvordan vælger du dit indhold og emne?

Emne og indhold er meget forskellige ting. Indhold er det endelige resultat, eller de følelser, du oplever, når du ser på stykket. Emnet er jazzen. Meget få abstrakte kunstnere har bevidst emne. Jeg fandt meget tidligt ud af, at jeg ikke kunne holde mine billeder friske uden at gå til eksterne emner. Og jeg kæmpede med det i omkring ti år. Det skete endelig, da jeg lyttede til jazz. Jeg var på vej til Vermont for at stå på ski og lyttede til den lokale NPR-station, og der var et stykke af Michel Camilo, som er en dominikansk jazzpianist. Pludselig indså jeg, at de rum, jeg så i mit hoved, var rum, der var til stede i hans musik.

Det var i 1990, og jeg har arbejdet med jazz lige siden. Det er bevidst emneindhold. Og det tog mig flere år at udvikle, hvordan jeg ville udvikle billeder fra det. De Kooning så aldrig sig selv som en abstrakt maler; han kiggede konstant på figurer og landskaber, lejlighedsvis stilleben. Joan Mitchell, som er en af mine andre ikoner, havde en meget lang karriere som abstrakt ekspressionistisk maler, og det er virkelig hårdt. Hun tog sin inspiration fra landskab og poesi. Hun havde en række venner, der var digtere, en af dem var John Ashbury, og hun "illustrerede" hans digte. De Kooning og Mitchell er blandt de få, der har opretholdt denne gestural ekspressionisme malestil gennem hele deres karrierer.

Hvordan navigerer du i kunstverdenen?

Ikke særlig godt. Jeg er en af de mennesker, der ved, hvordan man er forretningsperson, og jeg er meget professionel, men jeg føler ikke, at jeg er særlig succesfuld på det område. Det er et område, jeg stadig arbejder meget hårdt på. Den største hindring for mig har været, at fra hvad jeg kan se, siger folk, der ser på meget kunst, altid til mig, at mit arbejde er noget, man skal se personligt. Ikke kun det, arbejdet er unikt. Ingen andre ser på eller bruger materialerne på denne måde. Unikhed er en fordel, men det er også en ulempe, fordi det er svært for nogle mennesker at finde en måde at relatere til det, de ser, fordi de aldrig har set noget lignende. 

"Du nævner, at dine værker er stærkt påvirket af rytmerne og den intellektuelle stringens i jazzmusik. Hvad lytter du i øjeblikket til, som nærer dit arbejde?" 

Jeg lytter faktisk et år eller to frem, før jeg starter et nyt projekt. Mine projekter kan tage alt fra et år til fem år, så hvis jeg skal arbejde med et bestemt stykke i så lang tid, er det bedst, at jeg kan lide det! Ellers ville jeg være i store problemer, hvis det ikke hænger ved mig. Jeg er lige ved at afslutte denne Jazz Cubano-serie, og jeg tog fat på den, fordi jeg elsker afro-cubansk jazz. Rytmerne er så komplekse, at jeg indså, at den eneste måde, jeg kunne finde ud af dem på, var, hvis jeg brød dem ned til de simpleste dele - én percussionlyd ad gangen - og så byggede jeg mig op igen. Dette har været en virkelig sjov serie. Jeg vil helt sikkert afslutte dette inden udgangen af efteråret, og så går jeg i gang med en CD-længde komposition kaldet The River af en Chicago-baseret pianist og komponist ved navn Ryan Cohan.

Det er et smukt stykke, og det har otte sektioner, der er meget omhyggeligt skrevet. Mellem hver er der en improviseret klaversektion - det er symbolsk floden. Han havde et legat til at rejse til Afrika, og Chamber Music America, som også finansierede Edward Simons venezuelanske suite, som jeg arbejdede på i fem år, finansierede kompositionen. Hvad Ryan har gjort, er at tage afrikanske rytmer sammen med alt det andet, han er blevet påvirket af, og gøre det til noget, der virkelig var hans eget. Dette er et smukt fordøjet og innovativt musikstykke. Det er meget intelligent og har en stor følelsesmæssig rækkevidde. Hvad jeg finder er, at jeg ofte tiltrækkes af ting både følelsesmæssigt og intellektuelt. Jeg ser virkelig frem til The River. Det vil jeg begynde på i slutningen af efteråret, eller helt sikkert før årets slutning.

Ellen Priest - Jazz: Edward Simons Venezuelas Suite 16, 2008. Papir, olie, flashe, blyant, MSA gel. 106,68 x 106,68 cm.

Hvilket af dine kunstværker er du mest stolt af, og hvorfor?

Jeg tror, at de stykker, jeg er mest glad for, er i to forskellige grupper: den ene ville være de sidste par stykker i Venezuelan Suite-serien, fordi jeg var i stand til at opnå et niveau af kompleksitet og enkelhed på samme tid, som jeg var meget glad for. Jeg var endelig i stand til at fange musikkens hastighed uden at det gik tabt. Jeg nød også virkelig tegningerne i Jazz Cubano-serien. De er så nedtonede, men de har meget bid. Det ville være de to grupper, jeg ville sige, jeg er ekstremt stolt af. Hvad angår et specifikt stykke, kunne jeg virkelig ikke sige. 

Hvordan ved du, hvornår et arbejde er færdigt?

Jeg tror, der kommer et punkt, hvor jeg ser på et værk, og på hvert trin skal jeg træffe den beslutning. Når der ikke er noget mere, jeg ønsker at gøre, eller når det føles som om, at alt, hvad jeg ville gøre, er for meget, det er der, jeg ved, at det er færdigt. Jeg plejer at vente og se på det i et stykke tid. Nogle gange ved jeg straks, hvad jeg skal gøre, men nogle gange tager det lidt tid. Hvis der er et område, der ikke bevæger sig, vil jeg prøve at finde en måde at få det til at bevæge sig. Ofte betyder det, at jeg skal justere en anden del af maleriet. Det behøver ikke nødvendigvis at være selve stedet; det kan være en anden komponent, der skal ændres. Generelt sover jeg på det i et stykke tid. Jeg kunne tro, det er færdigt, men jeg vil bare vente. Jeg skal træffe disse beslutninger, inden jeg limer. Når jeg beskærer kanterne af stykket, får jeg nogle gange en overraskelse - og det er ikke altid godt. Af og til sætter jeg noget sammen, og det er ikke, hvad jeg havde forventet. Nogle gange, efter at have beskåret stykkerne, kan stykket være skævt, og jeg kan miste stykket, fordi det ikke længere viser det følelsesregister, det engang gjorde. 

Hvad betyder det at have et fysisk rum til at lave kunst i for din proces, og hvordan får du dit rum til at arbejde for dig?

Jeg har et gammelt hus, et tre-etagers fra 1890'erne, eller hvad vi kalder et tvillingehus. Jeg har tre etager med nordlys, og jeg ligger på et hjørne. Så jeg har enorme mængder lys. Jeg bruger hele første sal til mit atelier, bortset fra mit køkken. På anden sal har jeg mit kontor og opholdsområde, og på tredje sal er der mit lim- og lagerlokale. Så jeg har virkelig ikke kun tilstrækkelig, men også godt plads, og det har gjort en kæmpe forskel. At have permanent rigelig plads har været en gave for mit arbejde. At kunne slå mig ned og få det til at fungere ordentligt har været fantastisk. Nogle gange tænker jeg, at jeg kunne bruge mere plads, men jeg har nok plads!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo og Elio, Tænker Højt, 2016. Papir, olie, flashe, blyant, MSA gel. 81,23 x 81,23 cm.

Hvad taler til dig, når du ser et abstrakt værk?

For mig har abstraktion (når den er god) en klarhed i tankerne, som virkelig appellerer til mig. Det kan være farve, det kan være sort og hvidt, det kan være meget fyldt med billeder, eller det kan være en enkelt form, der svæver i rummet. Men der er bare en kvalitet i tankerne, der er skarp. En af mine yndlingssamtidskunstnere gennem tiderne er skulptøren Martin Puryear. Jeg gik engang ind i en retrospektiv af hans værker på MoMA, og det tog vejret fra mig. Den samme udstilling blev præsenteret i Washington D.C., og jeg omarrangerede hele min tidsplan for at gå og se den igen. Han er genial; hans arbejde har en sådan renhed i form og tanke. Hans arbejde har referencer til køretøjer, dyr, både. Abstraktion kan lave referencer til den virkelige verden og stadig være abstrakt. Dine øjne bruger de samme ledetråde til at navigere i verden, som de bruger til at se på abstrakt kunst. Vores øjne finder dette ud tidligt i livet. Vi bruger de samme værktøjer til at se på abstrakt kunst, men vi er ikke klar over det. Der er noget ved abstraktion, der bygger på vores forståelse af verden.

Er du involveret i nogle kommende shows eller begivenheder? Hvor og hvornår?

"Jeg er i forhandlinger med Saint Peter's Church i Manhattan, hvor jeg viste i foråret - jeg håber at vise et andet projekt der, som handler om Floden. Udover det, kan jeg have en lokal udstilling her i Wilmington, Delaware til efteråret om Jazz Cubano serien."


Fremhævet billede: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papir, olie, flashe, blyant, MSA gel. 81,3 x 119,4 cm.