Interview med Claude Viallat

Den franske kunsthistorie i anden halvdel af det 20. århundrede ville være ufuldstændig uden at nævne en vigtig skikkelse på den franske og internationale kunstscene – Claude Viallat. Denne bemærkelsesværdige skaber er en af de største franske abstrakte kunstnere i de seneste årtier. Selvom der var perioder, hvor han eksperimenterede med forskellige stilarter og tilgange, forblev Claude Viallat tro mod sit eget visuelle sprog og brød ofte med de konventionelle regler og traditionelle maleteknikker. Viallat roses især for sin berømte metode, der indebærer, at en enkelt form fastgøres på lærredet uden blindramme. Inden Claude Viallats kommende soloudstilling på Galerie Daniel Templon i Paris fik IdeelArt i samarbejde med Art Media Agency mulighed for at tilbringe en eftermiddag i kunstnerens atelier i Nîmes i Frankrig, hvor han bor og arbejder, og få et eksklusivt interview.

Claude Viallat - Essens og negation

Det fremragende ved Viallat’s karriere er, at han altid har været tro mod sine egne regler og normer, uanset hvordan andre opfattede dem. Tidligt i sin karriere var Viallat medlem af bevægelsen Supports/Surfaces, hvor han sammen med andre kunstnere fokuserede på materialer og kreative bevægelser og lod selve motivet træde i baggrunden. Hans eksperimenter med farve og tekstur førte til skabelsen af en række værker, som han er bedst kendt for. Desuden malede Viallat på mange forskellige overflader, herunder genbrugsmaterialer, paraplyer, forskellige tekstiler samt vævet eller knyttet reb. Claude Viallat, den store skikkelse inden for moderne abstrakt kunst, er stadig aktiv efter en karriere, der strækker sig over 50 år. Det parisiske Galerie Templon arrangerer en udstilling, der præsenterer et nyt historisk perspektiv på værker af denne betydningsfulde franske kunstner. Udstillingen åbner den 4. juni og kan ses indtil den 23. juli 2016.

Dit arbejde spiller i høj grad på parret gentagelse-forskel. Gentagelse af bevægelser, procedurer; forskel i materialer, farver…

Jeg vil sige, at mit arbejde først og fremmest handler om tingenes hverdagsagtige natur. Vi er alle mennesker, der konstant gentager de samme bevægelser, og vi får altid forskellige situationer ud af disse bevægelser. Hver dag er en gentagelse af det samme, som resulterer i forskellige ting

Dette er princippet bag mit arbejde: Hvis man udfører de samme gestusser på lignende materialer og i endnu højere grad på forskellige materialer—, vil man hver dag opnå meget forskellige resultater. Jeg søger ikke at opfinde noget nyt: Jeg lader tingene komme på en sådan måde, at det nye opfinder sig selv.

Hver dag lever jeg, underordner mig, samler, reflekterer og bjærger indtryk, følelser og visioner. Jeg lader alt dette nære mig. Når jeg arbejder på lærreder, der hverken er grundede eller beklædte, er materialerne betydningsfulde. Afhængigt af en farves fedme vil materialet optage den forskelligt: Det kan absorbere den, modstå den, lade den ligge uden at opsuge den eller omvendt opsuge den og lade den flyde ud. Jeg udforsker den måde, hvorpå materialer og tekstiler, som kan være velour, presenning eller lagner, skaber en helt anden effekt i mødet med farven.

Du’beskrives ofte som en stor kolorist.

Jeg accepterer den måde, farven viser sig på, og det er alt. En maler søger toner på en sådan måde, at de passer sammen. Jeg anbringer toner på et stof, et materiale, og jeg accepterer

Gennem disse forestillinger om accept, resignation og gentagelse af gestussen kan man drage nogle paralleller til asiatiske filosofier. Er det en indflydelse på dit arbejde?

Det, der interesserer mig ved filosofi, er den indsats, det kræver at acceptere ikke at gribe ind, når noget sker. At acceptere det, der sker, huske det, analysere det bagefter – og også se mulighederne, hvis man havde arbejdet anderledes, forskellene, som det samme materiale udtrykker. Jeg bestræber mig på at lagre alt dette i hukommelsen, glemme det og så begynde igen.

Claude Viallat i sit atelier

Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, akryl på presenning, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Om malestil

Ville det være din definition af maleri?

Der er noget af dette i det. Jeg tilhører en generation, der tænkte over maleriets afslutning. I 1950'erne hørte man ofte om begrebet det »sidste maleri«. Kort sagt var det nødvendigt at opfinde en anderledes måde at

Efter min mening handler det at male anderledes om at stille spørgsmål ved mit fag. Hvad består det af? At tage lærreder, spænde dem op på rammer, klistre dem fast, beklæde dem og derefter tilføre en række farver for at finde de rette toner. Jeg har prøvet at spænde et ubehandlet lærred op på en ramme og arbejde med farver lavet af varm gelatine med universalfarve. Jeg har også brugt træfarve, prøvet at fortynde pigmenter med vand og alkohol; jeg har brugt flygtige farver, der ikke giver nogen sikkerhed, eller akrylmaling.

De første monokromer viste stadig et ønske om at spænde lærred op over en ramme. Men hvis det at spænde lærred op over en ramme skabte et maleri, var det nødvendigt at adskille denne mekanisme ved at lægge rammen til side og lærredet på den anden side, så spændingen mellem disse to elementer skabte en ny type maleri.

Det fandt vi hos Supports/Surfaces. Dezeuze arbejdede med rammen uden et lærred; Saytour afbildede gitre på rå lærreder, det vil sige, han satte billedet af rammen på lærredet; og jeg arbejdede på lærred uden rammer, deraf maleriets dekonstruktion.

Hvordan ser du retrospektivt på denne dekonstruktion af maleriet som medium?

Det var nødvendigt. Unge amerikanere overvejer stadig maleriets dekonstruktion, men bringer altid rammen tilbage i forgrunden. Det er, som om det at tage lærredet af rammen gik imod kunsthistorien. For mig er det en parallel historie, der har frigjort maleriet, i det mindste i én retning. Hvis vi ser på den internationale scene, er kunstnere, der arbejder på opspændte lærreder, sjældne. Amerikanerne har svært ved at slippe af med rammen.

Dit arbejde knytter an til den idé, som Matisse rejste, om at tillægge maleriet værdi’s grundlæggende objekt.

Når Matisse malede, kom lærredets hvide farve nogle gange til syne i maleriet - noget, der traditionelt blev betragtet som kætteri. I mit arbejde bliver stoffet selv det mediale underlag og samtidig gennemsnitsfarven, med andre ord den standard, som farvefordelingen organiseres efter, dets materiale. Alt reagerer i forhold til denne standard. Afhængigt af kvaliteten af dette mediale underlag får vi ting, der danner en relation til det.

Hvordan placerer du dig selv i forhold til abstraktionen?

Min malerkunst handler ikke så meget om abstraktion eller figuration som om et system, der består i gentagelsen af den samme form. Hvis jeg ændrer formerne, men ikke systemerne, ændrer jeg ingenting. Jeg bliver bevidst om den frihed, jeg har, ved at insistere på de samme former og mærke paradokset i den daglige rutine, som gentagelsen af den samme form udtrykker. Hver dag konstruerer jeg uendeligt forskellige lærreder, og det giver mig en ekstremt stor frihed.

Generelt vælger jeg ikke selv mine stoffer, folk kommer med dem til mig. Jeg forsøger at arbejde med usandsynlige materialer. Det er først og fremmest materialet og dets kvalitet, der udgør hovedparten af mit arbejde.

Du rejste til USA i 1970'erne, og du blev berørt af indiansk kunst.

Hvad nærer mit arbejde? Den vestlige malerkunsts historie, naturligvis, men også hele maleriets historie: den østlige, fjernøstlige, australske og amerikanske - og med amerikansk mener jeg »indfødt«. Alle indianske folkeslag, der har malet på telte eller skjolde, inspirerer mig. Skjoldmaling blev normalt udført på runde underlag, fyldt med totemdyr og udbyttet af bedrifter - ræve- eller ulvehaler, skalpe ... Kort sagt alt, der fortæller krigerens historie. Det indianske skjold er ikke kun defensivt, det er også et symbolsk billede af krigeren. Skjoldet er rundt, som regel fremstillet af en pilegren, der er bøjet til en ring og bundet sammen. Med andre ord den grundlæggende cirkel. Dette er det grundlæggende billede på den runde ramme; ligesom buen er det mest ekstreme billede på lærredet, der er spændt på en ramme - en snor, der er spændt ud over træ. Disse to genstande er fundamentale.

På samme måde var forhistorien den epoke, hvor de første billedlige fremstillinger opstod. Og hvad var den første billedlige fremstilling? Et menneskeligt aftryk; med andre ord gled en person, faldt i mudderet og satte derefter sin hånd på væggen i en hule. Handlingen med at glide og dyppe en hånd i mudder resulterede i en mudderbelagt hånd, som derefter afsatte sig på væggen ... Da mudderet tørrede, skabte det billedet af hånden: Dette var det første portræt. Den anden blev repræsenteret af en del af sig selv, et spor, et aftryk. Efter dette første billede blev repræsentationen mere kompleks, idet mennesket skabte en kontratype af sin hånd ved at sprøjte maling fra munden hen over hånden. Højre hånd var en omvendt venstre hånd. Det at sprøjte hen over hånden både udvidede og indsnævrede perspektivet. Allerede her lå uendelige muligheder til grund for repræsentationen.

Dit arbejde synes at være knyttet til en refleksion over essens og oprindelse.

Det er det, jeg forsøger at gøre. Cirklen, ringen, skjoldet og buen er grundelementer. Historien rummer viden om et vist antal gestus eller systemer, der både er elementære og grundlæggende. For eksempel kilen, der løfter ting eller blokerer dem for at forhindre noget i at rulle rundt. Lodsnoren er et reb og en sten, samtidig med at den er en bullroarer - et musikinstrument -, en måde at veje noget på og fastslå lodret retning. Alle disse elementer er indeholdt i dette reb og denne sten. Der er også garrotten eller bismerstangen ... Det er universelle, grundlæggende systemer. Det, der interesserer mig, nemlig inden for skulptur, er genbrugen af eller spørgsmålet om alle disse enkle, universelle systemer.

Udgør dine skulpturer en universel grammatik?

Det er objekter, der er prekære og ubundne, som får lov til at forblive i deres prekære tilstand og ikke tilbyder nogen sikkerhed. Men kunsthistorien er også kunstmarkedets historie, og det er ikke egenskaber, som markedet traditionelt værdsætter. De giver ingen sikkerhed.

Claude Viallats atelier

Claude Viallats atelier

Om kunstmarkedet og Supports/Surfaces

Dit arbejde går imod markedet, fordi det er så produktivt. Hvad er dit forhold til markedet?

Hele mit arbejde sigter mod at afmystificere kunsten. Nogle elementer kendetegner traditionelt markedet, såsom kunstnerens signatur eller sjældenhed. Jeg går imod dem. Mit arbejde er produktivt, og jeg tillægger en malet tråd lige så stor betydning som et malet lærred. Alle maleriets elementer udgør maleriet. En tråd fra et maleri er et maleri i samme forstand som maleriet. Jeg kan signere et lærred, men ikke en tråd, så hvorfor skulle jeg signere lærredet, hvis jeg ikke kan signere tråden?

Så er der statusen ved smukke materialer, et smukt fag samt materialernes sikkerhed og helliggørelsen af lærredet. Hele mit arbejde går også imod dette. Jeg nyder at arbejde, og jeg kan ikke se, hvorfor jeg skulle berøve mig selv denne fornøjelse - og frem for alt i hvis navn. Måske lider mine lærreder under det, men ikke jeg. Resten er en sag for galleriejeren, det vedkommer ikke mig.

Måske er jeg prætentiøs. Jeg begår aldrig fejl, fordi jeg ikke søger noget. Jeg skaber, og jeg accepterer det, jeg skaber. For mig har alle lærreder samme betydning.

Har du givet afkald på alle intentioner om at kontrollere?

Det sværeste er at acceptere, at man ikke behersker det, man gør fra dag til dag. Det er en form for selvbeherskelse at acceptere, at man ikke behersker det, man gør. Den bedste måde at ændre mit arbejde på er ikke at vide, hvad jeg vil gøre, at tvinge mig selv til at opdage, at analysere det, jeg lige har gjort, og at forudsige, hvad jeg måske vil gøre. For mig betyder det at være bevidst om alle de muligheder, jeg har forestillet mig, og derefter ikke have brug for dem, fordi værket giver sit resultat af sig selv.

Supports/Surfaces er blevet genoplivet i USA. Hvad føler du ved det?

At Supports/Surfaces' værker er nået til USA, og at amerikanske malere stiller de samme spørgsmål, som vi gjorde dengang - men på deres egen måde - forekommer mig helt normalt.

Sådan fungerer tingene. I begyndelsen af 1970'erne viste jeg et net på Parisbiennalen. Det viste sig, at en amerikansk maler og en japansk maler gjorde det samme på samme tid, selv om vi ikke kendte hinanden. Gennem deres egne kulturer nåede de frem til dette billede ud fra forskellige logikker. Det finder jeg fascinerende.

Men hvis maleriet ændrer sig, påvirker det ikke først og fremmest billedet - kunstnere ser kun billedet, og det er denne tids blinde vinkel. En ændring af billedet vedrører ikke maleriet, fordi det er selve maleriet, der er interessant. Det grundlæggende spørgsmål er: »Hvad er maleri?«

Fremhævet billede: Claude Viallat i sit atelier

Art Media Agency (AMA) medvirkede ved gennemførelsen af dette interview. AMA er et internationalt nyhedsbureau med fokus på kunstmarkedet. AMA producerer over 300 artikler hver uge, der dækker alle aspekter af kunstverdenen, herunder gallerier, auktionshuse, messer, fonde, museer, kunstnere, forsikring, transport og kulturpolitik.

Billeder fra Claude Viallats atelier ©IdeelArt

Af IdeelArt-redaktionen

Kilder

• Claude Viallat: The 1980s, udstillingsdokument (Galerie Daniel Templon): galleriets egen omtale af soloudstillingen i Paris fra 4. juni til 23. juli 2016 med åbning den 4. juni.
• Claude Viallat, biografisk dokument (Centre Pompidou): institutionel biografi, der dokumenterer hans fødsel i Nîmes, hans plads i Supports/Surfaces og hans opspændte lærreder med en gentagen form.
• Claude Viallat på Hôtel des Arts i Toulon (Artprice News): uafhængig rapport om hans system med gentagne former på genbrugte tekstiler og om hans fortsatte aktivitet i 2025.