Interview med Claude Viallat

Den franske kunsthistorie i anden halvdel af det 20. århundrede ville være ufuldstændig uden at nævne en central skikkelse i den franske og internationale kunstscene – Claude Viallat. Denne bemærkelsesværdige skaber er en af de største franske abstrakte kunstnere i de seneste årtier. Selvom der var perioder, hvor han eksperimenterede med forskellige stilarter og tilgange, forblev Claude Viallat tro mod sit eget visuelle sprog, ofte ved at bryde de konventionelle regler og traditionelle maleteknikker. Viallat er især rost for sin berømte metode, der involverer en enkelt form fastgjort på lærred uden nogen strækrammer. Før den kommende soloudstilling af Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris, havde IdeelArt, i samarbejde med Art Media Agency, muligheden for at tilbringe en eftermiddag i kunstnerens atelier i Nîmes, Frankrig, hvor han bor og arbejder, og få et eksklusivt interview.

Claude Viallat - Essens og Negation

Det, der er bemærkelsesværdigt i Viallat's karriere, er det faktum, at han altid har forblevet loyal over for sine egne regler og normer, uanset hvordan andre opfattede dem. Tidligt i sin karriere var Viallat medlem af Supports/Surfaces-bevægelsen, hvor han sammen med andre kunstnere fokuserede på materialer og kreative gestusser, og satte emnet selv i baggrunden. Hans eksperimenter med farve og tekstur førte til skabelsen af en række værker, han er bedst kendt for. Derudover malede Viallat på en række forskellige overflader, herunder genbrugsmaterialer, paraplyer, forskellige stoffer, vævet eller knyttet reb. Claude Viallat, den store skikkelse inden for moderne abstrakt kunst, er stadig aktiv, med en karriere der strækker sig over 50 år. Den parisiske Galerie Templon organiserer en udstilling, der præsenterer et nyt historisk perspektiv på værker af denne store franske kunstner. Udstillingen åbner den 4. juni og vil være åben indtil den 23. juli 2016.

Dit arbejde spiller en stor rolle i parret gentagelse-forskel. Gentagelse af gestus, procedurer; forskel i materialer, farver…

Jeg vil sige, at mit arbejde først og fremmest handler om hverdagens natur. Vi er alle mennesker, der konstant gentager de samme gestus, og vi opnår altid forskellige situationer fra disse gestus. Hver dag er en gentagelse af det samme, der resulterer i forskellige ting.

Dette er princippet bag mit arbejde: hvis du udfører de samme gestusser på lignende materialer og endnu mere på forskellige materialer—, vil du hver dag opnå meget forskellige resultater. Jeg søger ikke at opfinde noget nyt: jeg lader tingene komme på en sådan måde, at nyheden opfindes af sig selv.

Hver dag lever jeg, jeg indsender, jeg samler, jeg reflekterer, jeg redder ting, indtryk, følelser, visioner. Jeg lader alt dette nære mig. Mens jeg arbejder på lærreder, der hverken er belagt eller klistret, er materialerne betydningsfulde. Afhængigt af en farves fedme vil materialet reagere forskelligt: det kan absorbere det, modstå det, lade det stå uden at suge det ind, eller omvendt, suge det ind og diffundere det. Jeg udforsker den måde, hvorpå materialer, stoffer der kan være fløjl, presenninger, lagner skaber en helt anden effekt, når de arbejder med farve.

Du’bliver ofte beskrevet som en stor farvelægger.

Jeg accepterer den måde, hvorpå farve viser sig, det er alt. En maler søger toner på en måde, så de matcher. Jeg placerer toner på et stof, et materiale, og jeg accepterer den

Gennem disse begreber om accept, resignation, gentagelse af gestus kan vi drage nogle paralleller til asiatiske filosofier. Er dette en indflydelse for dit arbejde??

Hvad der interesserer mig ved filosofi, er den indsats, der er involveret i at acceptere ikke at gribe ind, når noget sker. At acceptere hvad der sker, huske det, analysere det bagefter – også se mulighederne, hvis man havde arbejdet anderledes, forskellene udtrykt af det samme materiale. Jeg sigter mod at forpligte alt dette til hukommelsen, at glemme det, og så at starte forfra.

Claude Viallat i sit studie

 Claude Viallat -  Uden titel nr. 39, 1985, Akryl på omslag, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Om Malestil

Ville dette være din definition af maleri?

Der er noget af dette i det. Jeg tilhører en generation, der tænkte på maleriets afslutning. I 1950'erne hørte vi ofte om konceptet "den sidste maleri". Kort sagt var det nødvendigt at opfinde en anden måde at

Efter min mening er det at male anderledes et spørgsmål om at stille spørgsmålstegn ved mit erhverv. Hvad består det i? At tage lærreder, sætte dem på rammer, lime dem på, klæde dem på og derefter tilføje en række farver for at finde de rigtige nuancer. Jeg har forsøgt at strække et råt lærred over en ramme og arbejde med farver lavet af varm gelatine med universel farvning. Jeg har også brugt træfarve, forsøgt at fortynde pigmenter med vand, alkohol; jeg har brugt ephemerale farver, der ikke tilbyder nogen sikkerhed, eller akrylfarver.

De første monochromer viste stadig et ønske om at strække lærred over en ramme. Men hvis det at strække lærred over en ramme gjorde et maleri, så var det nødvendigt at nedbryde denne mekanisme ved at lægge rammen til side, lærredet på den anden side, med spændingen mellem disse to elementer, der skabte en ny type maleri.

Vi fandt dette med Supports/Surfaces. Dezeuze arbejdede på rammen uden lærred; Saytour repræsenterede gitter på rå lærreder, det vil sige, han satte billedet af rammen på lærredet; og jeg arbejdede på lærred uden rammer, derfor maleriets dekonstruktion.

Retrospektivt, hvordan ser du denne dekonstruktion af maleri som et medium?

Det var nødvendigt. Unge amerikanere undrer sig stadig over dekonstrueringen af maleriet, men bringer altid rammen tilbage i forgrunden. Det er som om, at det at tage lærredet af rammen gik imod kunstens historie. For mig er det en parallel historie, der har befriet maleriet, i det mindste i én retning. Hvis vi ser på den internationale scene, er kunstnere, der arbejder med ustrakt lærred, sjældne. Amerikanere har svært ved at komme af med rammen.

Dit arbejde knytter sig til ideen, rejst af Matisse, om at betale interesse til maleriet.’s grundlæggende objekt.

"Når Matisse malede, dukkede det hvide lærred nogle gange op i maleriet - hvilket traditionelt blev betragtet som en heresi. I mit arbejde bliver stoffet selv den mediane støtte, og samtidig den gennemsnitlige farve, med andre ord, standarden ifølge hvilken farvefordelingen organiseres, dens materiale. Alt reagerer i forhold til denne standard. Afhængigt af kvaliteten af denne mediane støtte, opnår vi ting, der vil danne et forhold til den."

Hvordan placerer du dig i forhold til abstraktion?

"Mit maleri er ikke så meget et spørgsmål om abstraktion eller figuration som et system, der består i gentagelse af den samme form. Hvis jeg ændrer former, men ikke systemer, så ændrer jeg intet. Jeg bliver opmærksom på den frihed, jeg har, ved at insistere på de samme former og ved at fornemme paradokset i den daglige rutine, der er legemliggjort ved gentagelsen af den samme form. Hver dag konstruerer jeg uendeligt forskellige lærreder, og dette giver mig ekstremt stor frihed."

Generelt vælger jeg ikke mine stoffer, folk bringer dem til mig. Jeg prøver at arbejde med usædvanlige materialer. Det er først og fremmest materialet og dets kvalitet, der udgør størstedelen af mit arbejde.

Du rejste til USA i 1970'erne, og du blev berørt af amerindisk kunst.

Hvad nærer mit arbejde? Historien om vestlig malerkunst, selvfølgelig, men også historien om al malerkunst: østlig, langt østlig, australsk, amerikansk - og med amerikansk mener jeg "indfødte". Alle indiske etniciteter, der har malet på telte eller skjold, inspirerer mig. Skjoldmaleri blev normalt udført på runde understøtninger og var fyldt med totemdyr og frugten af bedrifter - ræv- eller ulvesvans, skalper.... Kort sagt, alt hvad der fortæller krigerens historie. Det indiske skjold er ikke blot defensivt, det er også et symbolsk billede af krigeren. Skjoldet er rundt, generelt lavet af en pilegren bøjet til en ring og bundet. Med andre ord, den primære cirkel. Dette er det primære billede af den runde ramme; ligesom buen er det mest ekstreme billede af lærredet strakt på en ramme - en snor strakt på træ. Disse to objekter er fundamentale.

På samme måde var forhistorien æraen for de første billedlige repræsentationer. Og hvad var den første billedlige repræsentation? Et menneskespor; med andre ord, nogen gled, faldt i mudder, og satte derefter sin hånd på væggen i en hule. Handlingen med at glide og dyppe en hånd i mudder resulterede i en fyldt hånd, der derefter tømte sig selv på væggen… Da mudderet tørrede, skabte det billedet af hånden: dette var det første portræt. Den Anden blev repræsenteret ved en del af sig selv, et spor, et aftryk. Efter dette første billede blev repræsentationen mere kompleks, idet mennesket skabte en modtype af sin hånd ved at spytte maling fra sin mund over hånden. Den højre hånd var en omvendt venstre hånd. Handlingen med at spytte over hånden både udvidede og indsnævrede perspektivet. Allerede uendelige muligheder lå til grund for repræsentationen.

Dit arbejde synes at være relateret til refleksion over essens, over oprindelser.

Det er det, jeg prøver at gøre. Cirklen, hoop'en, skjoldet og buen er primære elementer. I historien er der viden om et vist antal gestus eller systemer, der både er elementære og primære. For eksempel kile, der hæver ting eller blokerer dem, for at stoppe noget fra at rulle rundt. Loddet er et reb og en sten, samtidig med at det er en bullroarer - et musikinstrument - en måde at vægte noget på, for at bestemme det lodrette. Alle disse elementer er indeholdt i dette reb og denne sten. Der er også garrotten eller stålbalancen... Disse er universelle, primære systemer. Det, der interesserer mig, nemlig i skulptur, er genbrug eller spørgsmålet om alle disse simple, universelle systemer.

Udgør dine skulpturer en universel grammatik?

De er genstande, der er prekære, ufikserede, som efterlades i deres prekærhed og ikke tilbyder nogen sikkerhed. Men kunsthistorien er også historien om kunstmarkedet, og disse er ikke træk, der traditionelt værdsættes af markedet. De giver ikke sikkerhed.

Studiet af Claude Viallat

 

Claude Viallat studio

Om Kunstmarkedet og Støtter/Overflader

At være så produktiv, går dit arbejde imod markedet. Hvad er dit forhold til markedet?

Alt mit arbejde sigter mod at afmytologisere kunst. Nogle elementer karakteriserer traditionelt markedet, såsom kunstnerens signatur eller sjældenhed. Jeg går imod dem. Mit arbejde er produktivt, og jeg tillægger lige så stor betydning til en malet tråd som til et malet lærred. Alle malelementer udgør maleri. En tråd fra et maleri er et maleri i samme grad som maleriet. Jeg kan underskrive et lærred, men ikke en tråd, så hvorfor skulle jeg underskrive lærredet, hvis jeg ikke kan underskrive tråden?

Så er der status for smukke materialer, et smukt erhverv, samt sikkerheden af materialer og sakraliseringen af lærredet. Alt mit arbejde går imod dette også. Jeg finder glæde i at arbejde, og jeg ser ikke, hvorfor jeg skulle berøve mig selv denne glæde - og frem for alt i navnet på hvad. Måske lider mine lærreder under det, men ikke jeg. Resten er en sag for forhandleren, det vedrører ikke mig.

Måske er jeg pretentiøs. Jeg laver aldrig fejl, fordi jeg ikke søger noget. Jeg skaber, og jeg accepterer det, jeg skaber. For mig har alle lærreder samme betydning.

Har du afsvoret alle intentioner om at kontrollere?

Det sværeste er at acceptere ikke at mestre det, vi gør fra dag til dag. Det er en form for selvbeherskelse at acceptere ikke at mestre det, vi gør. Den bedste måde at ændre mit arbejde på er ikke at vide, hvad jeg skal gøre, at tvinge mig selv til at opdage, at analysere hvad jeg lige har gjort og at forudsige, hvad jeg kunne finde på at gøre. For mig betyder det at forblive opmærksom på alle de muligheder, jeg har overvejet, og så ikke at have brug for dem, fordi arbejdet giver sit resultat af sig selv.

"Supports/Surfaces er blevet udgravet i USA. Hvad synes du om dette?"

At arbejdet med Supports/Surfaces er ankommet til USA, og at amerikanske malere stiller de samme spørgsmål, som vi gjorde dengang - men på deres egen måde - virker helt normalt for mig.

"Sådan fungerer tingene. I starten af 1970'erne viste jeg et net på Paris Biennale. Det skete, at en amerikansk maler og en japansk maler gjorde det samme, på samme tid, selvom vi ikke kendte hinanden. Gennem deres egne kulturer nåede de frem til dette billede på baggrund af forskellige logikker. Jeg finder dette fascinerende."

Men hvis maleri ændrer sig, påvirker det ikke primært billedet - kunstnere ser kun billedet, dette er vores tids blinde plet. Ændring af billedet vedrører ikke maleri, fordi det er maleriet selv, der er interessant. Det grundlæggende spørgsmål er: "Hvad er maleri?"

Fremhævet billede: Claude Viallat i sit studie

Art Media Agency (AMA) deltog i at gennemføre dette interview. AMA er et internationalt nyhedsbureau, der fokuserer på kunstmarkedet. AMA producerer over 300 artikler hver uge, der dækker alle aspekter af kunstverdenen, herunder gallerier, auktionshuse, messer, fonde, museer, kunstnere, forsikring, forsendelse og kulturpolitik.

Billeder fra Claude Viallat studio ©IdeelArt