Interview med Claude Viallat

Den franske kunsthistorie i anden halvdel af det 20. århundrede ville være ufuldstændig uden at nævne en stor skikkelse på den franske og internationale kunstscene – Claude Viallat. Denne bemærkelsesværdige skaber er en af de største franske abstrakte kunstnere i de seneste årtier. Selvom der var perioder, hvor han eksperimenterede med forskellige stilarter og tilgange, forblev Claude Viallat tro mod sit eget visuelle sprog og brød ofte de konventionelle regler og traditionelle malerteknikker. Viallat roses især for sin berømte metode, der involverer en enkelt form, der er fastgjort på lærred uden nogen strammere. Før den kommende soloudstilling med Claude Viallat på Galerie Daniel Templon i Paris havde IdeelArt, i samarbejde med Art Media Agency, mulighed for at tilbringe en eftermiddag i kunstnerens atelier i Nîmes, Frankrig, hvor han bor og arbejder, og få et eksklusivt interview.

Claude Viallat - Essens og Negation

Det, der er bemærkelsesværdigt i Viallats karriere, er det faktum, at han altid har forblevet tro mod sine egne regler og normer, uanset hvordan andre opfattede dem. Tidligt i sin karriere var Viallat medlem af Supports/Surfaces-bevægelsen, hvor han sammen med andre kunstnere fokuserede på materialer og kreative bevægelser og satte motivet i baggrunden. Hans eksperimenter med farve og tekstur førte til skabelsen af en række værker, han er bedst kendt for. Derudover malede Viallat på en række forskellige overflader, herunder genbrugsmaterialer, paraplyer, forskellige stoffer, vævet eller knyttet reb. Claude Viallat, den store skikkelse inden for samtids abstrakt kunst, er stadig aktiv med en karriere, der spænder over 50 år. Det parisiske Galerie Templon arrangerer en udstilling, der præsenterer et nyt historisk perspektiv på værker af denne store franske kunstner. Udstillingen åbner den 4. juni og vil være åben indtil den 23. juli 2016.

Dit arbejde spiller i høj grad på gentagelse-forskel-parret. Gentagelse af bevægelser, procedurer; forskel i materialer, farver…

Jeg vil sige, at mit arbejde først og fremmest handler om tingens dagligdags natur. Vi er alle mennesker, der konstant gentager de samme bevægelser, og vi opnår altid forskellige situationer ud fra disse bevægelser. Hver dag er en gentagelse af det samme, som resulterer i forskellige ting.

Dette er princippet bag mit arbejde: hvis du udfører de samme bevægelser på lignende materialer og endnu mere på forskellige materialer—, vil du hver dag opnå meget forskellige resultater. Jeg søger ikke at opfinde noget nyt: jeg lader tingene komme på en sådan måde, at nyhed opfindes af sig selv.

Hver dag lever jeg, underkaster mig, samler, reflekterer, redder ting indtryk, følelser, visioner. Jeg lader alt dette nære mig. Mens jeg arbejder på lærreder, der hverken er belagt eller limet, er materialer betydningsfulde. Afhængigt af en farves fedme vil materialet tage imod den forskelligt: det kan absorbere den, modstå den, lade den stå uden at suge den til sig, eller på den anden side suge den til sig og sprede den. Jeg udforsker, hvordan materialer, stoffer, der kan være fløjl, presenning, lagner, skaber en helt anden effekt, når det handler om farve.

Du’bliver ofte beskrevet som en stor kolorist.

Jeg accepterer den måde, farven viser sig på, det er alt. En maler søger toner på en sådan måde, at de matcher. Jeg placerer toner på et stof, et materiale, og jeg accepterer

Gennem disse begreber om accept, resignation, gentagelse af gestus kan vi lave nogle paralleller til asiatiske filosofier. Er dette en indflydelse på dit arbejde??

Det, der interesserer mig i filosofi, er indsatsen i at acceptere ikke at gribe ind, når noget sker. At acceptere det, der sker, huske det, analysere det bagefter – også se mulighederne, hvis man havde arbejdet anderledes, forskellene udtrykt af det samme materiale. Jeg sigter mod at indprente alt dette i hukommelsen, glemme det og så starte forfra.

Claude Viallat i sit atelier

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, akryl på cover, 220 x 320 cm, 86 5/8 x 126 in

Om malestil

Ville dette være din definition af maleri?

Der er noget af dette i det. Jeg tilhører en generation, der tænkte på maleriets afslutning. I 1950'erne hørte vi ofte om begrebet "det sidste maleri". Kort sagt var det nødvendigt at opfinde en anden måde at

Efter min mening handler det at male anderledes om at stille spørgsmål ved mit fag. Hvad består det i? At tage lærreder, sætte dem på rammer, lime dem på, klæde dem og derefter tilføje en række farver for at finde de rigtige toner. Jeg har prøvet at strække et råt lærred over en ramme og arbejde med farver lavet af varm gelatine med universel farvning. Jeg har også brugt træfarvning, prøvet at fortynde pigmenter med vand, alkohol; jeg har brugt flygtige farver, der ikke giver nogen sikkerhed, eller akryl.

De første monokromer viste stadig et ønske om at strække lærred over en ramme. Men hvis det at strække lærred over en ramme skabte et maleri, så var det nødvendigt at demontere denne mekanisme ved at lægge rammen til den ene side, lærredet til den anden med spændingen mellem disse to elementer, der skabte en ny type maleri.

Vi fandt dette med Supports/Surfaces. Dezeuze arbejdede på rammen uden lærred; Saytour repræsenterede gitter på rå lærreder, det vil sige, han satte billedet af rammen på lærredet; og jeg arbejdede på lærred uden rammer, deraf maleriets dekonstruktion.

Set i bakspejlet, hvordan ser du denne dekonstruering af maleriet som medium?

Det var nødvendigt. Unge amerikanere undrer sig stadig over dekonstrueringen af maleriet, men bringer altid rammen tilbage i forgrunden. Det er som om det at tage lærredet af rammen gik imod kunsthistorien. For mig er det en parallel historie, der har befriet maleriet, i det mindste i én retning. Hvis vi ser på den internationale scene, er kunstnere, der arbejder på ustrakte lærreder, sjældne. Amerikanere har svært ved at slippe af med rammen.

Dit arbejde knytter sig til ideen, rejst af Matisse, om at betale opmærksomhed til maleriet’s grundlæggende objekt.

Når Matisse malede, dukkede lærredets hvide nogle gange frem i maleriet — hvilket traditionelt blev betragtet som en kætteri. I mit arbejde bliver stoffet selv den mediane Supports/Surfaces, og samtidig den gennemsnitlige farve, med andre ord standarden, efter hvilken farvefordelingen organiseres, dens materiale. Alt reagerer i forhold til denne standard. Afhængigt af kvaliteten af denne mediane Supports/Surfaces opnår vi ting, der vil danne et forhold til den.

Hvordan placerer du dig i forhold til abstraktion?

Min maleri handler ikke så meget om abstraktion eller figurativt som et system bestående i gentagelse af samme form. Hvis jeg ændrer former, men ikke systemer, ændrer jeg ingenting. Jeg bliver bevidst om den frihed, jeg har ved at insistere på de samme former og ved at fornemme paradokset i daglig rutine, der legemliggøres af gentagelsen af samme form. Hver dag konstruerer jeg uendeligt forskellige lærreder, og det giver mig ekstremt stor frihed.

Generelt vælger jeg ikke mine stoffer, folk bringer dem til mig. Jeg prøver at arbejde med usandsynlige materialer. Det er først og fremmest materialet og dets kvalitet, der udgør hovedparten af mit arbejde.

Du rejste til USA i 1970'erne, og du blev berørt af Amerindian kunst.

Hvad nærer mit arbejde? Historien om vestlig malerkunst, selvfølgelig, men også historien om al malerkunst: østlig, fjernøstlig, australsk, amerikansk — og med amerikansk mener jeg "indfødt". Alle indianske etniciteter, der har malet på telte eller skjolde, inspirerer mig. Skjoldmaling blev normalt udført på runde Supports/Surfaces og fyldt med totemdyr og frugten af bedrifter — ræve- eller ulvesvans, skaller.... Kort sagt, alt der fortæller krigerens historie. Det indianske skjold er ikke blot defensivt, det er også et symbolsk billede af krigeren. Skjoldet er rundt, generelt lavet af en pilegren bøjet til en ring og bundet. Med andre ord, den primære cirkel. Dette er det primære billede af den runde ramme; ligesom buen er det mest ekstreme billede af lærredet spændt på en ramme — en snor spændt på træ. Disse to objekter er fundamentale.

På samme måde var forhistorien æraen for de første billedlige fremstillinger. Og hvad var den første billedlige fremstilling? Et menneskeligt aftryk; med andre ord, nogen gled, faldt i mudder, og satte derefter sin hånd på væggen i en hule. Handlingen med at glide og dyppe en hånd i mudder resulterede i en belastet hånd, der så aflæssede sig på væggen… Da mudderet tørrede, skabte det billedet af hånden: dette var det første portræt. Den Anden blev repræsenteret ved en del af sig selv, et spor, et aftryk. Efter dette første billede blev repræsentationen mere kompleks, idet mennesket skabte en modtype af sin hånd ved at spytte maling fra munden over hånden. Højre hånd var en vendt venstre hånd. Handlingen med at spytte over hånden både udvidede og indsnævrede perspektivet. Allerede dengang lå uendelige muligheder til grund for repræsentationen.

Dit arbejde synes at være relateret til refleksion over essens, over oprindelse.

Det er det, jeg prøver på. Cirklen, ringen, skjoldet og buen er primære elementer. I historien findes der viden om et vist antal bevægelser eller systemer, som både er elementære og primære. For eksempel kilen, der løfter ting op eller blokerer dem for at forhindre noget i at rulle rundt. Lodlinjen er et reb og en sten, samtidig med at det er en bullroarer — et musikinstrument — en måde at vægte noget på, at bestemme lodret. Alle disse elementer findes i dette reb og denne sten. Der er også garrotten eller vægtstangen... Disse er universelle, primære systemer. Det, der interesserer mig, især i skulptur, er genbrug eller spørgsmålet om alle disse simple, universelle systemer.

Udgør dine skulpturer en universel grammatik?

De er objekter, der er usikre, ufastgjorte, som efterlades i deres usikkerhed og ikke tilbyder nogen sikkerhed. Men kunsthistorien er også historien om kunstmarkedet, og disse er ikke egenskaber, som markedet traditionelt værdsætter. De giver ikke sikkerhed.

Claude Viallats atelier

 

Claude Viallat studio

Om kunstmarkedet og Supports/Surfaces

Da du er så produktiv, går dit arbejde imod markedet. Hvad er dit forhold til markedet?

Alt mit arbejde sigter mod at afmytologisere kunsten. Nogle elementer karakteriserer traditionelt markedet, såsom kunstnerens signatur eller sjældenhed. Jeg går imod dem. Mit arbejde er produktivt, og jeg tillægger en malet tråd lige så stor betydning som et malet lærred. Alle maleelementer udgør maleri. En tråd fra et maleri er et maleri med samme gyldighed som maleriet. Jeg kan signere et lærred, men ikke en tråd, så hvorfor skulle jeg signere lærredet, hvis jeg ikke kan signere tråden?

Så er der status for smukke materialer, et smukt erhverv, samt sikkerheden ved materialer og sakraliseringen af lærredet. Alt mit arbejde går også imod dette. Jeg nyder at arbejde, og jeg forstår ikke, hvorfor jeg skulle nægte mig selv denne fornøjelse — og især i hvis navn. Måske lider mine lærreder under det, men det gør jeg ikke. Resten er en sag for galleristen, det vedrører ikke mig.

Måske er jeg pralende. Jeg laver aldrig fejl, fordi jeg ikke søger noget. Jeg skaber, og jeg accepterer det, jeg skaber. For mig har alle lærreder samme betydning.

Har du opgivet alle intentioner om kontrol?

Det sværeste er at acceptere ikke at mestre det, vi gør fra dag til dag. Det er en form for selvbeherskelse at acceptere ikke at mestre det, vi gør. Den bedste måde at ændre mit arbejde på er ikke at vide, hvad jeg vil gøre, at tvinge mig selv til at opdage, analysere hvad jeg lige har gjort og forudsige, hvad jeg måske vil gøre. For mig betyder det at forblive opmærksom på alle de muligheder, jeg har forestillet mig, og så ikke have brug for dem, fordi arbejdet giver sit resultat af sig selv.

Supports/Surfaces er blevet genopdaget i USA. Hvordan har du det med det?

At Supports/Surfaces’ arbejde er nået til USA, og at amerikanske malere stiller de samme spørgsmål, som vi gjorde dengang — men på deres egen måde — virker helt naturligt for mig.

Sådan fungerer tingene. I starten af 1970’erne viste jeg et net på Paris Biennalen. Det skete, at en amerikansk maler og en japansk maler gjorde det samme på samme tid, selvom vi ikke kendte hinanden. Gennem deres egne kulturer nåede de frem til dette billede på baggrund af forskellige logikker. Det finder jeg fascinerende.

Men hvis maleriet ændrer sig, påvirker det ikke primært billedet — kunstnere ser kun billedet, det er vores tids blinde plet. Ændring af billedet vedrører ikke maleriet, fordi det er maleriet selv, der er interessant. Det grundlæggende spørgsmål er: "Hvad er maleri?"

Fremhævet billede: Claude Viallat i sit studio

Art Media Agency (AMA) deltog i gennemførelsen af dette interview. AMA er et internationalt nyhedsbureau med fokus på kunstmarkedet. AMA producerer over 300 artikler hver uge, der dækker alle aspekter af kunstverdenen, herunder gallerier, auktionshuse, messer, fonde, museer, kunstnere, forsikring, forsendelse og kulturpolitik.

Billeder fra Claude Viallat studio ©IdeelArt