Joanne Freeman Interview
Elegante hvide lærreder udsmykket med kun få omhyggeligt designede løkker i forskellige farver, der udstråler en vis rytme af fred og harmoni. Mindst er mest-princippet er tydeligt i værkerne af Joanne Freeman. Med kun få effektive linjer formår hun at skabe en slagkraftig vision og fange beskuerens opmærksomhed. IdeelArt havde en enestående mulighed for at stille Joanne Freeman nogle spørgsmål om hendes arbejde, kreative proces og liv som kunstner. Vi talte om hendes tanker om hendes arbejde, hvordan hun opfatter forholdet mellem skaberen og kunsten, og mellem kunsten og beskueren. Så nyd vores korte, men indsigtsfulde, interview med den meget dejlige Joanne Freeman.
Du har gået på college i Madison, Wisconsin, holdt foredrag i Massachusetts, udstillet bredt i USA og internationalt, og du bor og arbejder i New York City. Kan du fortælle om, hvordan dit arbejde er præget af en følelse af sted?
Mit arbejde er stærkt påvirket af sted. Som nævnt bor og arbejder jeg i New York City, og det visuelle og kulturelle klima har stor indflydelse på mit arbejde. Jeg bliver altid overrasket, når jeg tager væk og kommer tilbage, over hvad jeg lægger mærke til. Tiden væk giver mig altid et fornyet perspektiv og en friskhed i synet. Rejser gør det samme; når jeg er i et andet miljø, er jeg åben for ting, som andre måske finder trivielle på grund af bekendthed. Jeg kan nævne mange af de påvirkninger, der har haft indflydelse på mit arbejde, nogle gange direkte mens jeg skaber det, og andre gange længe efter, når jeg ser på det.
Hvordan påvirkes dit arbejde af din egen kropslighed?
Min proces i atelieret er fysisk krævende, især når maleriernes størrelse vokser. De skarpe linjer i malerierne laves ved et sving med min arm fra den ene kant af lærredet til den anden. Størrelsen på både de ydre støtter og de indre linjer står i forhold til både processen og mine kropsproportioner.
Du arbejder nogle gange på runde flader. Når man tager højde for den fysiske karakter af de bevægelser, du laver, hvordan udvikler dit forhold til fladen sig, når du møder et cirkulært rum?
Bevægelserne bliver mere indelukkede og kontrollerede, når de kombineres med cirkulært rum. De er mere bevidste, drejer rundt og efterligner lærredets cirkulære form. Hvor jeg i de større rektangulære malerier udfører store svej, der løber ud over kanterne og antyder uendelighed, centrerer de cirkulære stykker sig om sig selv, fremhæver formen og kanten af fladen, hvilket bidrager til at gøre maleriet til et objekt.
Noget af det arbejde, du laver, indebærer at begrænse din adgang til fladen ved at tape områder af. Hvordan varierer din følelsesmæssige/intellektuelle tilstand, når du møder et sådant værk, i forhold til når du har fuld frihed til at tilgå hele fladen?
Jeg tror, du henviser til mine arbejder på papir, hvor jeg tapper områder af og skaber farveformer, i modsætning til mine malerier, som virker mere åbne. Processen er faktisk ret ens mellem de to medier og er ganske intuitiv. Jeg placerer enten en linje eller en form på fladen og bygger videre på den. Med malerierne er kompositionen mere fastlagt, og mine muligheder handler mere om farvevalg. Den ensfarvede farve, jeg bruger i tegningerne, giver mig mulighed for at lege mere med kompositionen. Under alle omstændigheder har jeg skåret sproget ned, sat grænser og begrænset mine valg, hvilket paradoksalt nok giver mere frihed.
Du har nævnt at være påvirket af arbejdet fra reduktive kunstnere. Kan du nævne nogle af de kunstnere, hvis arbejde du beundrer, og fortælle om de spørgsmål, de har hjulpet dig med at finde eller besvare?
Jeg ser på mange kunstneres arbejde, nogle der falder mig ind er: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi og Ellsworth Kelly. Jeg beundrer arbejdet fra kunstnere, hvis værker virker enkle og monumentale, men samtidig fejrer det håndlavede og finurlige. Det er lidt af en paradoks, processen med reduktiv maleri, fordi man skal igennem meget arbejde og overflod for at nå frem til en enkel og ærlig udtalelse. Jeg stiller spørgsmål ved mine reaktioner på mine forgængeres arbejde og prøver at finde modet til at sige mere med mindre.
Hvad oplever du intellektuelt under den fysiske handling at skabe et reduktivt billede?
Jeg prøver at handle reflekterende i atelieret ved at kontrollere kritiske vurderinger og forsøge at træffe beslutninger instinktivt, baseret på den information, der ligger foran mig. Kanoniseringen af kunstnere og de stærke påvirkninger fra kunsthistorien kan føre til en situation, som jeg har fået beskrevet som Mona Lisa-syndromet, hvor mytologien omkring et værk overskygger en ærlig reaktion på det. Jeg har internaliseret et reduktivt billedsprog, der fungerer for mig baseret på dets kunsthistoriske forbilleder; russisk konstruktivisme, Bauhaus-skolen, neoplastik, og mindre åbenlyst, den tidlige kristne kunst af Giotto og Fra Angelico på San Marco-klosteret. Disse lærdomme sammen med påvirkninger fra mere nutidige kunstnere er altid med mig i atelieret. Forhåbentlig fører dette lærte fælles sprog til en unik fortolkning.
Hvad håber du, at beskueren vil opleve, når de møder dit arbejde?
Mærkeligt nok, fordi jeg er så involveret i processen med at skabe mit arbejde, kan jeg have svært ved faktisk at se det i øjeblikket. Jeg har oplevet at se mit arbejde nogle år senere i en andens hjem eller i en anden institutions sammenhæng. I det øjeblik er det altid rart at tænke, ”åh wow, det virker”. Det håber jeg også, at en beskuer vil opleve.
Joanne Freeman
Fremhævet billede: Fotografiet er taget af Joanne Freemans ''Covers''-serie ved Art on Paper, Kathryn Markel-stand, Pier 36, New York, NY. 4.-6. marts - Med tilladelse fra kunstneren
