Joanne Freeman Interview

Elegante hvide lærreder prydet med kun et par omhyggeligt designede sløjfer i forskellige farver, der udstråler en bestemt rytme af fredelighed og harmoni. Less-is-more princippet er tydeligt i værkerne af Joanne Freeman. Med kun et par effektive linjer formår hun at skabe en imponerende vision og fange beskuerens opmærksomhed. IdeelArt havde en unik mulighed for at stille Joanne Freeman et par spørgsmål om hendes arbejde, kreative proces og liv som kunstner. Vi diskuterede hendes tanker om hendes arbejde, hvordan hun opfatter forholdet mellem skaberen og kunsten, og mellem kunsten og beskueren. Så nyd vores korte, men indsigtsfulde interview med den meget dejlige Joanne Freeman. 

"Du har studeret på college i Madison, Wisconsin, forelæst i Massachusetts, udstillet vidt og bredt i USA og internationalt, og du bor og arbejder i New York City. Kan du tale om, hvordan dit arbejde er præget af en følelse af sted?"

Mit arbejde er stærkt påvirket af stedet. Som nævnt bor og arbejder jeg i New York City, og det visuelle og kulturelle klima har en stærk indflydelse på mit arbejde. Jeg bliver altid overrasket, når jeg forlader og genindtræder, over hvad jeg bemærker. Tiden væk giver mig altid et fornyet perspektiv og en friskhed i synet. Rejser gør det samme; når jeg er i et andet miljø, er jeg åben for ting, som andre måske finder trivielle gennem fortrolighed. Jeg kan fortælle om mange af de indflydelser, der påvirker arbejdet, nogle gange direkte mens jeg skaber det, og nogle gange lang tid efter, når jeg ser på det.

Hvordan påvirker din egen fysik dit arbejde?

Min proces i studiet er fysisk anstrengende, især efterhånden som størrelsen på malerierne øges. De hårde kantlinjer i malerierne skabes ved, at jeg svinger armen fra den ene kant af lærredet til den anden. Størrelsen på både de eksterne understøtninger og de indre linjer er relative i forhold til både processen og proportionerne af min krop.

"Du arbejder nogle gange med runde overflader. I betragtning af den fysiske natur af de bevægelser, du laver, hvordan udvikler din forbindelse til overfladen sig, når du står over for cirkulært rum?"

Gestus bliver mere indholdte og kontrollerede, når de parres med cirkulært rum. De er mere bevidste, roterende og efterligner den cirkulære form af lærredet. Hvor jeg i de større rektangulære malerier udfører store stræk, der løber ud over kanterne og antyder uendelighed, centrerer de cirkulære stykker sig om sig selv, hvilket fremhæver formen og kanten af overfladen, som bidrager til at objektivisere maleriet.

"Nogle af de værker, du laver, involverer at begrænse din adgang til overfladen ved at tape områder af. Hvordan varierer din følelsesmæssige/intellektuelle tilstand, når du konfronterer et sådant værk, i forhold til når du har fuld frihed til at få adgang til hele overfladen?"

Jeg tror, du henviser til mine værker på papir, hvor jeg tapper områder af og skaber farveformer, i modsætning til mine malerier, som virker mere åbne. Processen er faktisk ret ens mellem de to medier og er faktisk ret intuitiv. Jeg placerer enten en linje eller en form på overfladen og bygger videre derfra. Med malerierne er kompositionen mere fast, og mine valgmuligheder handler mere om farvevalg. Den monokromatiske farve, jeg bruger i tegningerne, giver mig mulighed for at lege mere med kompositionen. Uanset hvad har jeg nedbrudt sproget, sat grænser og begrænset mine valg, hvilket paradoksalt nok giver mere frihed.

"Du har nævnt, at du er blevet påvirket af arbejdet fra reduktive kunstnere. Kan du nævne nogle af de kunstnere, hvis arbejde du beundrer, og tale om de spørgsmål, de har hjulpet dig med at finde eller besvare."

Jeg ser på mange kunstneres arbejde, nogle der kommer til at tænke på er: Paul Feeley, Morris Louis, Kenneth Noland, Mary Heilmann, Carla Accardi og Ellsworth Kelly. Jeg beundrer arbejdet fra kunstnere, hvis værker fremstår minimale og monumentale, men samtidig fejrer det det håndlavede og finurlige. Det er lidt af en Catch-22, processen med reduktiv maleri, fordi man skal igennem meget arbejde og overkill for at nå en simpel ærlig erklæring. Jeg stiller spørgsmålstegn ved mine reaktioner på mine forgængeres arbejde og prøver at finde selvtilliden til at sige mere med mindre.

Hvad oplever du intellektuelt under den fysiske handling af reduktiv billedskabelse?

Jeg forsøger at handle refleksivt i studiet ved at kontrollere kritiske vurderinger og forsøge at træffe vurderinger visceralt, baseret på den information, der er foran mig. Kanonisering af kunstnere og de magtfulde indflydelser fra kunsthistorien kan føre til en situation, som jeg har fået beskrevet som Mona Lisa-syndromet, hvor mytologien omkring et værk overskygger en ærlig reaktion på det. Jeg har internaliseret et reduktivt visuelt sprog, der fungerer for mig baseret på dets kunsthistoriske præcedenser; russisk konstruktivisme, Bauhaus-skolen, neo-plasticisme, og mindre åbenlyst, den tidlige kristne kunst af Giotto og Fra Angelico i San Marco-klosteret. Disse lærdomme sammen med indflydelserne fra mere nutidige kunstnere er altid med mig i studiet. Forhåbentlig fører dette lærte fælles sprog til en unik fortolkning.

Hvad håber du, at beskueren vil opleve, når de møder dit arbejde?

Underligt nok, fordi jeg er så involveret i processen med at skabe mit arbejde, kan jeg have svært ved faktisk at se det i øjeblikket. Jeg har haft oplevelsen af at se mit arbejde et par år senere i en andens hjem eller i konteksten af en anden institution. I det øjeblik er det altid rart at tænke: "åh wow, det fungerer". Jeg ville håbe det samme for en seer.

Joanne Freeman

Fremhævet billede: Fotograf taget af Joanne Freemans ''Covers'' serie på Art on Paper, Kathryn Markel booth, Pier 36, New York, NY.  4.-6. marts - Med venlig hilsen fra kunstneren