"Rummet er stilhed. Zao Wou-Ki i Paris efter femten år"
Inspireret af mødet med den tidlige abstrakte kunst fra hans nye ven, den kinesiskfødte maler Zao Wou-Ki, erklærede den belgiskfødte digter og kunstner Henri Michaux engang: "Rummet er stilhed." Denne poetiske udtalelse blev også valgt som titel på den aktuelle Zao Wou-Ki retrospektiv, som åbnede på Musée d'Art Moderne i Paris den 1. juni 2018. Zao Wou-Ki: Rummet er Stilhed viser 40 store malerier, mange af dem aldrig udstillet før, og det er den første udstilling i Paris i mindst 15 år, der tager så omfattende et blik på denne kunstners værker. Udstillingen giver en sjælden mulighed for at se så mange store værker af Wou-Ki samlet ét sted, og det er et fascinerende udgangspunkt for en diskussion om, hvad Michaux egentlig mente, da han sagde: "Rummet er stilhed." Gav han et enkelt æstetisk forslag, talte kun i plastiske termer i et forsøg på at forbinde negativt æstetisk rum med visuel ro? Eller gav han en poetisk stemme til en iagttagelse om den ro, der følger med at være ubesværet? Eller var det måske en filosofisk udtalelse, der skulle kommentere forholdet mellem den indre og ydre verden? Måske er skønheden ved udsagnet, at det kan have uendelige betydninger. Som udstillingen Rummet er Stilhed viser, kan alle disse betydninger have relevans, når man betragter Zao Wou-Kis komplekse og lagdelte arv.
Et internationalt perspektiv på hjem
På en måde er Rummet er Stilhed en hjemkomst for Zao Wou-Ki. Kunstneren blev født i Beijing, Kina, i 1920. Hans far, som ikke var kunstner, men bankmand, gav sin søn navnet Wou-Ki, som betyder "ingen grænser." Navnet varslede den opbakning, hans familie gav ham, da Wou-Ki som 10-årig først viste sine evner som maler. På skolen ved Hangzhou Kunstskole studerede Wou-Ki figurativ malerkunst og gamle kinesiske kunsttraditioner. Men den unge kunstner var ikke særlig interesseret i at lære om sine kinesiske rødder. I stedet lærte han sideløbende så meget som muligt om impressionisterne og vestlig modernisme, som han betragtede som en langt større inspiration. Han havde sin første udstilling i 1941 og modtog stor opmuntring for sit talent, men følte stadig ikke, at han lavede den slags kunst, han ønskede. Derfor flyttede han i 1948 til Paris, hvor han for første gang kunne se værker af Picasso, Matisse og de andre kunstnere, der havde inspireret ham, mens han voksede op i Kina.
Zao Wou-Ki - Hommage à Matisse I - 02.02.86I, 1986. Olie på lærred. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard
Det var i Paris, at Wou-Ki gik over til abstraktion, og det var hans tidlige abstrakte værker, der inspirerede hans nye ven Michaux til at komme med sin nu berømte bemærkning om rum. Ironisk nok var det også i Paris, at Wou-Ki blev genforbundet med de samme gamle kinesiske traditioner, som han tidligere havde afvist. Han fik en åbenbaring, da han så et fragment af orakelknogleskrift, en slags skrift på knoglefragmenter, der går tilbage til Sheng-dynastiet i det 2. årtusinde f.Kr. Bestående af antropomorfe tegn betragtes skriften som den første kinesiske skrift, og selvom den er 1500 år yngre end de ældste sumeriske og egyptiske hieroglyffer, hører den til blandt de ældste organiserede symbolske skriftsystemer i menneskets historie. Hans undersøgelse af orakelknogleskrift førte til, at Wou-Ki begyndte at efterligne de oprindelige former, hvilket igen førte til en fornyet interesse for kinesisk kalligrafi og genforbandt ham med de symbolske og abstrakte rødder i den gamle kinesiske kultur.
Zao Wou-Ki - Hommage à Claude Monet , februar-juni 91 – Triptykon, 1991. Olie på lærred. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Jean-Louis Losi
Åbenhed og omfang
Gennem 1950’erne kombinerede Wou-Ki sin fornyede påskønnelse af kinesisk symbolik med sin interesse for impressionisternes farver og udviklede en særpræget abstrakt stil. Alligevel føltes denne stil stadig begrænsende for ham. Han ønskede at give sine lærreder rum på flere forskellige måder. Han ønskede, at der skulle opstå visuelt rum, når man så på hans flader. Han ønskede også, at der skulle åbne sig intellektuelt rum, så beskuerne kunne få større frihed til at fortolke værkerne. Endelig ønskede han bogstaveligt talt, at der skulle være mere plads – det vil sige, at hans lærreder skulle være større. Han gav sig endelig tilladelse til at arbejde i et meget større format efter en rejse til New York City i 1957, hvor han blev introduceret til de monumentale lærreder af kunstnere som Franz Kline. Han tog straks denne strategi til sig i sit eget arbejde. Alle malerierne, der vises i Rummet er Stilhed, stammer fra denne periode og frem. På deres store flader kan vi også se, hvordan Wou-Ki forsøgte at formidle illusorisk visuelt rum.
Zao Wou-Ki - Sans titre, 2006. Indisk blæk på papir. Privat samling. © Adagp, Paris, 2018. Foto: Dennis Bouchard
For at opnå sit behov for mere intellektuelt rum i sine værker begyndte Wou-Ki i 1959 kun at give sine malerier titler efter den dato, de blev færdige. Han sagde, at han forsøgte at male naturens energier og kræfter, men for mange beskuere læste ind i det, at han malede landskaber. Ved kun at give sine værker titler med færdiggørelsesdatoen vidste han, at beskuerne ville have mindre information at bygge deres fortolkninger på. I stedet for at søge narrativ mening i malerierne ville folk være nødt til at åbne sig for de mere abstrakte aspekter af værkerne. Han håbede, vi ville se lys og liv i disse malerier. Mest af alt håbede han, vi ville se mysteriet i rummet. Ligesom så mange andre abstrakte kunstnere, der mener, at den visuelle verden er forbundet med den musikalske verden, viste Wou-Ki os muligheden for, at de forestillede rum, han afslører i sine enorme malerier, også kan opfattes som riger, hvor der er fravær af musik og fravær af noget konkret. I disse rum af stilhed kan vi måske tænke mere over, hvordan åbenhed udgør noget væsentligt for naturen og for vores eksistens. Zao Wou-Ki: Rummet er Stilhed kan ses på Musée d'Art Moderne i Paris frem til 6. januar 2019.
Forsidebillede: Zao Wou-Ki - Hommage à Edgar Varèse - 25.10.64, 1986. Olie på lærred. Gave fra Françoise Marquet, 2015 Musée cantonal des beaux-arts, Lausanne. © Adagp, Paris, 2018 Foto: Dennis Bouchard
Af Phillip Barcio
