Den Den Mor af Abstrakt Ekspressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons døde for 35 år siden, da jeg var 13 år. Jeg kendte hende aldrig. I teorien kunne jeg vel have mødt hende, hvis jeg havde vidst, at jeg skulle prøve. Men jeg anede ikke, at hun eksisterede, før det var alt for sent. Jeg forestiller mig, at mange mennesker fortryder, at de ikke lærte Parsons at kende. Hun var en revolutionær inden for modernistisk kunst. Selvom jeg tvivler på, at hun havde nogen idé om, at det ville ske, inspirerede hendes eksempel mig og, tror jeg, mange medlemmer af min generation til at stræbe efter nye modeller for autenticitet og exceptionalisme i kunsten. Fra nonprofitbaserede kunstkollektiver over kunstnerdrevne projektrum til eksperimentelle museer vrimler kunstverdenen i dag med mennesker og steder, der værdsætter stor kunst højere end stor profit. Parsons er den, jeg takker for denne arv. Men der er skrevet omfattende om hende i de mest prestigefyldte kunstmagasiner af langt mere meriterede skribenter end jeg. Jeg kan ikke fortælle noget nyt om hende. Men eftersom hun var enestående på en måde, som min sjæl sætter pris på, er jeg ikke desto mindre tilbøjelig til at prøve. Hendes kælenavn, "den abstrakte ekspressionismes reservemor", optrådte i en artikel i ARTnews fra 1979 skrevet af Grace Lichtenstein. Tilnavnet henviste til, at Parsons troede på, plejede og viste værker af Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still og Barnett Newman, da ingen andre i Amerika ville gøre det. Artiklen afslører også den kompleksitet og dybde, som Parsons besad som kunstner, kunstkender og forretningskvinde. I mellemtiden bidrager et interview, som kunstneren Helène Aylon optog med Parsons i 1977, og som Judith Stein offentliggjorde i sin helhed i Art in America Magazine i 2013, i høj grad til at afsløre, hvad der var ekstraordinært ved Parsons som menneske. Den bedste måde, jeg føler, at jeg kan vise Parsons min respekt på, er at fokusere på disse to portrætter, skabt af mennesker, der faktisk kendte hende, mens hun levede. Her er, uddraget fra dem, ti citater, der har gjort Parsons til en personlig helt for mig, fordi de minder mig om, hvad der er vigtigt, når det gælder skabelsen og værdsættelsen af kunst.

"Gudskelov ser der ikke ud til at være nogen 'ismer' i dag. Jeg hader moder."

Vi forsøger ofte at navngive vor tids bevægelser. Hvorfor gør vi det? Fordi etiketter gør produkter lettere at sælge, især til mennesker uden større uddannelse eller ægte forståelse. I stedet for at tro på trends prioriterede Parsons det, der var godt, og fandt glæde i det, der var anderledes.

"Jeg har altid været fascineret af det, jeg kalder 'det usynlige nærvær'. Det mest permanente i denne verden er det usynlige; man kan aldrig slippe væk fra det"

Nogle kunstnere mener, at de kun kan få succes, hvis de har en identitet, der kan sælges, eller hvis de skaber kunst specifikt om et bestemt emne, der er populært blandt samtidens publikum. Parsons fokuserede på det ukendte. I stedet for at fremme den åbenlyse kunst blev hun tiltrukket af kunst, der afslørede det skjulte.

"Jeg tror på spænding. Hvis du maler et billede, og det ikke har nogen spænding, har det ingen intensitet."

Spændingen i et kunstværk kan stamme fra noget i det, som er uigenkendeligt for beskueren. Eller den kan stamme fra noget, der betragtes som vulgært eller råt. Andre gange opstår spændingen gennem noget, vi ganske enkelt ikke finder smukt. I stedet for at se bort fra disse ting omfavnede Parsons dem og så dem som muligheder for at udfordre sig selv til at vokse.

Betty Parsons - Green #1, 1971, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jeg er interesseret i vigtige malerier, ikke i hjemmet."

Parsons viste værker i rum med nøgne hvide vægge og bare gulve. Hun gjorde ingen ekstra indsats for at overbevise samlere om at købe. Hun så sit arbejde som bestående af to dele: at fremme kunstnerens integritet og overbevise offentligheden om, at værket var værdifuldt af grunde, der ikke havde noget at gøre med, hvor godt det måtte se ud over deres sofaer.

"Jeg ønsker ikke at være læsset til med alle disse rigdomme - de ville kede mig ihjel."

Parsons blev født ind i det bedre borgerskab, men afviste rigdommens ydre tegn. Efter at have mistet alt under Den Store Depression begyndte hun helt forfra. I de næste halvtreds år havde hun ofte svært ved at betale regningerne. Hun solgte nok værker (sine egne og værker af de kunstnere, hun repræsenterede) til at holde lysene tændt og betragtede det som definitionen på økonomisk succes.

"Den abstrakte verden blev betragtet som kold, fordi den ikke havde figurer. Men den havde ild, energi, natur, lys, rum - den koncentrerede sig om alle disse værdier."

Parsons havde selvtillid nok til at tro på sin egen smag. Hun forstod abstraktion længe før de fleste amerikanere. Hun stolede på sin egen vision, uanset hvad resten af kunstverdenen sagde eller gjorde.

"Jeg var altid ti år forud for min tid. Det er historien om mit liv."

Når man ikke har økonomisk succes, er det fristende at tro, at det skyldes, at det, man gør, ikke har nogen værdi. Parsons indså, at grunden til, at ingen køber ens værk, nogle gange er, at de ikke genkender det, fordi det hører fremtiden til.

Betty Parsons - Challenge, 1976, akryl på lærred (venstre) / Sputnik, 1961, akryl på lærred (højre), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificér dig altid med kunsten; identificér dig aldrig med kunstneren."

Parsons foragtede nogle kunstnere, men elskede deres værker. Hun forstod, at kunstnere ikke behøver at være vellidte, selskabelige eller charmerende. Kunstnere er ikke sælgere eller politikere. Deres værker taler for sig selv.

"[De kunstnere, jeg repræsenterer,] bliver friere og mere kreative, efterhånden som de udvikler sig. Det har jeg altid opmuntret til."

Nogle gallerister opmuntrer kunstnere til at finde en stil, der sælger, og derefter holde fast i den. Parsons udfordrede de kunstnere, hun viste. Hun mente, at dynamik og vækst er afgørende for at blive bedre, og at salg er det mindst vigtige aspekt af en kunstnerisk karriere.

"Vi er alle en del af alting."

Parsons blev ofte spurgt om sine holdninger til sociale spørgsmål. Dette citat var hendes svar på et sådant spørgsmål. Hun vidste, at kunsten har evnen til at afsløre den virkelighed, at det, vi har til fælles, langt overgår de ting, der driver os fra hinanden. Dette citat har påvirket mig mest. Det fortjener konstant at blive gentaget, fordi det er så let at glemme.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Udvalgt billede: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle billeder bruges udelukkende som illustration
Af Phillip Barcio 2018
Redigeret af IdeelArt (2026)