Den Den Mor af Abstrakt Ekspressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons døde for 35 år siden, da jeg var 13 år gammel. Jeg kendte hende aldrig. Teoretisk set kunne jeg nok have mødt hende, hvis jeg havde vidst, at jeg skulle prøve. Men jeg havde ingen anelse om, at hun eksisterede, før det var alt for sent. Jeg forestiller mig, at mange fortryder, at de ikke lærte Parsons at kende. Hun var en revolutionær inden for Moderne Kunst. Selvom jeg mistænker, at hun ikke havde nogen idé om det, inspirerede hendes eksempel mig, og jeg tror mange i min generation, til at stræbe efter nye modeller for ægthed og enestående kvalitet i kunsten. Fra non-profit kunstkollektiver til kunstnervendte projektsteder og eksperimenterende museer vrimler kunstverdenen i dag med mennesker og steder, der værdsætter stor kunst frem for stor profit. Parsons er den, jeg takker for den arv. Men hun er blevet skrevet om i vidt omfang, i de mest prestigefyldte kunstmagasiner, af langt mere erfarne skribenter end mig. Der er intet nyt, jeg kan fortælle om hende. Men da hun var unik på en måde, min sjæl værdsætter, er jeg alligevel tilbøjelig til at prøve. Hendes kælenavn, "den beskyttende moder for abstrakt ekspressionisme," dukkede op i en artikel i ARTnews fra 1979, skrevet af Grace Lichtenstein. Tilnavnet henviste til, hvordan Parsons troede på, støttede og viste værker af Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still og Barnett Newman, da ingen andre i Amerika ville. Den artikel afslører også den kompleksitet og dybde, Parsons besad som kunstner, entusiast og forretningskvinde. Imens går et interview, optaget med Parsons i 1977 af kunstneren Helène Aylon og udgivet i sin helhed af Judith Stein i Art in America Magazine i 2013, langt i retning af at afsløre, hvad der var ekstraordinært ved Parsons som menneske. Den bedste måde, jeg føler, jeg kan vise min respekt for Parsons på, er at fokusere på disse to portrætter, skabt af dem, der rent faktisk kendte hende i livet. Her, uddraget fra dem, er ti citater, der har gjort Parsons til en personlig helt for mig, fordi de minder mig om, hvad der er vigtigt, når det gælder skabelsen og værdsættelsen af kunst.

"Gudskelov ser det ikke ud til, at der findes nogen ’ismer’ i dag. Jeg hader mode."

Ofte prøver vi at navngive tidens bevægelser. Hvorfor gør vi det? Fordi mærkater gør produkter lettere at sælge, især til folk uden meget uddannelse eller ægte forståelse. I stedet for at tro på tendenser prioriterede Parsons det, der var godt, og fandt glæde i det, der var anderledes.

"Jeg har altid været fascineret af det, jeg kalder ’den usynlige tilstedeværelse.’ Det mest permanente i denne verden er det usynlige; man slipper aldrig væk fra det."

Nogle kunstnere tror, de kun kan få succes, hvis de har en salgbar identitet, eller hvis de laver kunst, der specifikt handler om et bestemt emne, som er populært hos nutidens publikum. Parsons fokuserede på det ukendte. I stedet for at fremme den åbenlyse kunst blev hun tiltrukket af kunst, der afslører det skjulte.

"Jeg tror på spænding. Hvis du maler et billede, og det ikke har spænding, har det ingen spænding."

Spænding i et kunstværk kan stamme fra noget i det, som en beskuer ikke kan genkende. Eller det kan stamme fra noget, der anses for vulgært eller groft. Andre gange kommer spændingen fra noget, vi simpelthen ikke finder smukt. I stedet for at vende blikket bort fra disse ting omfavnede Parsons dem og så i dem muligheder for at udfordre sig selv til at vokse.

Betty Parsons - Green #1, 1971, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jeg er interesseret i vigtige malerier, ikke i hjemmet."

Parsons viste værker i rum med bare hvide vægge og bare gulve. Hun gjorde ingen ekstra indsats for at overtale samlere til at købe. Hun så sin opgave som todelt: at fremme kunstnerens integritet og overbevise offentligheden om, at værket var gyldigt af grunde, der ikke havde noget med, hvor godt det kunne se ud over deres sofaer.

"Jeg ønsker ikke at være fyldt med alle disse rigdomme – de ville kede mig ihjel."

Parsons blev født ind i overklassen, men afviste rigdommens påfund. Efter at have mistet alt under Den Store Depression, startede hun forfra. I de næste halvtreds år havde hun ofte svært ved at betale regningerne. Hun solgte nok værker (både sine egne og dem af de kunstnere, hun repræsenterede) til at holde lysene tændt og betragtede det som definitionen på økonomisk succes.

"Den abstrakte verden blev betragtet som kold, fordi den ikke havde figurer. Men den havde ild, energi, natur, lys, rum – den koncentrerede sig om alle disse værdier."

Parsons havde tillid til sin egen smag. Hun forstod abstraktion længe før de fleste amerikanere. Hun stolede på sin egen vision, uanset hvad resten af kunstverdenen sagde eller gjorde.

"Jeg var altid ti år foran min tid. Det er historien om mit liv."

Når man ikke har økonomisk succes, er det fristende at tro, det er fordi det, man gør, ikke har værdi. Parsons indså, at grunden til, at ingen køber dit arbejde, nogle gange er, at de ikke genkender det, fordi det er fra fremtiden.

Betty Parsons - Challenge, 1976, akryl på lærred (venstre) / Sputnik, 1961, akryl på lærred (højre), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificer dig altid med kunsten; identificer dig aldrig med kunstneren."

Parsons hadede nogle kunstnere, men elskede deres værker. Hun forstod, at kunstnere ikke behøver at være sympatiske, sociale eller charmerende. Kunstnere er ikke sælgere eller politikere. Deres værker taler for sig selv.

"[De kunstnere, jeg repræsenterer] bliver friere og mere kreative, som tiden går. Det har jeg altid opmuntret."

Nogle galleriindehavere opfordrer kunstnere til at finde en stil, der sælger, og så holde sig til den. Parsons udfordrede de kunstnere, hun viste. Hun mente, at dynamik og vækst er nøglen til at blive bedre, og at salg er den mindst vigtige del af en kunstnerkarriere.

"Vi er alle en del af alt."

Parsons blev ofte spurgt om sine holdninger til sociale spørgsmål. Dette citat var hendes svar på et sådant spørgsmål. Hun vidste, at kunsten har evnen til at afsløre virkeligheden, at vores fælles træk langt overstiger de ting, der splitter os ad. Dette citat har haft størst indflydelse på mig. Det bør gentages konstant, fordi det er så let at glemme.

Betty Parsons - Requiem, 1963, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Fremhævet billede: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle billeder anvendt til illustration
Af Phillip Barcio