Den Den Mor af Abstrakt Ekspressionisme - Betty Parsons

Betty Parsons døde for 35 år siden, da jeg var 13 år gammel. Jeg kendte hende aldrig. Teoretisk set kunne jeg have mødt hende, hvis jeg havde vidst, at jeg skulle prøve. Men jeg havde ingen idé om, at hun eksisterede, før det var alt for sent. Jeg forestiller mig, at mange mennesker fortryder, at de ikke lærte Parsons at kende. Hun var en revolutionær inden for moderne kunst. Selvom jeg mistænker, at hun ikke havde nogen idé om, at det ville, inspirerede hendes eksempel mig, og jeg tror, at mange medlemmer af min generation stræber efter nye modeller for autenticitet og exceptionalisme i kunsten. Fra non-profit kunstkollektiver til kunstnerdrevne projektsteder til eksperimenterende museer, er kunstverdenen i dag fyldt med mennesker og steder, der værdsætter stor kunst over stort profit. Parsons er den, jeg takker for den arv. Men hun er blevet skrevet om i vid udstrækning, i de mest prestigefyldte kunstmagasiner, af langt mere dygtige skribenter end jeg. Der er intet nyt, jeg kan rapportere om hende. Men da hun var unik på en måde, som min sjæl værdsætter, er jeg alligevel tilbøjelig til at prøve. Hendes kælenavn, "den den-mor af abstrakt ekspressionisme," dukkede op i en artikel i ARTnews fra 1979, skrevet af Grace Lichtenstein. Betegnelsen henviste til, hvordan Parsons troede på, plejede og viste arbejdet af Mark Rothko, Hans Hofmann, Jackson Pollock, Clyfford Still og Barnett Newman, da ingen andre i Amerika ville. Den artikel afslører også den kompleksitet og dybde, som Parsons besad som kunstner, entusiast og forretningsperson. I mellemtiden, et interview optaget med Parsons i 1977 af kunstneren Helène Aylon og offentliggjort i sin helhed af Judith Stein i Art in America Magazine i 2013, går langt i retning af at afsløre, hvad der var ekstraordinært ved Parsons som menneske. Den bedste måde, jeg føler, jeg kan vise min respekt for Parsons, er at fokusere på disse to profiler, skabt af dem, der faktisk kendte hende i livet. Her er, uddraget fra dem, ti citater, der har gjort Parsons til en personlig helt for mig, fordi de minder mig om, hvad der er vigtigt, når det kommer til skabelsen og værdsættelsen af kunst.

"Gud ske tak, der ser ikke ud til at være nogen 'ismer' i dag. Jeg hader mode."

Ofte forsøger vi at navngive nutidens bevægelser. Hvorfor gør vi dette? Fordi etiketter gør produkter lettere at sælge, især til folk uden meget uddannelse eller reel værdsættelse. I stedet for at tro på trends, prioriterede Parsons det, der var godt, og fandt glæde i det, der var anderledes.

"Jeg har altid været fascineret af det, jeg kalder 'den usynlige tilstedeværelse.' Det mest permanente i denne verden er det usynlige; du slipper aldrig væk fra det."

Nogle kunstnere mener, at de kun kan få succes, hvis de besidder en salgsbar identitet, eller hvis de laver kunst specifikt om et bestemt emne, der er populært blandt nutidens publikum. Parsons fokuserede på det ukendte. I stedet for at promovere kunsten af det åbenlyse, blev hun tiltrukket af kunst, der afslørede det, der er skjult.

"Jeg tror på spænding. Hvis du maler et billede, og det ikke har nogen spænding, så har det ingen begejstring."

Spænding i et kunstværk kan stamme fra noget inden i det, som er ugenkendeligt for en betragter. Eller det kan stamme fra noget, der betragtes som vulgært eller groft. Andre gange kommer spændingen fra noget, vi simpelthen ikke finder smukt. I stedet for at vende sig væk fra disse ting, omfavnede Parsons dem og så i dem muligheder for at udfordre sig selv til at vokse.

Betty Parsons - Green #1, 1971, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Jeg er interesseret i vigtige malerier, ikke i hjemmet."

Parsons viste arbejde i rum med bare hvide vægge og bare gulve. Hun gjorde ingen ekstra indsats for at overbevise samlere om at købe. Hun så sit job som at have to dele: at fremme kunstnerens integritet og overbevise offentligheden om, at arbejdet var gyldigt af grunde, der ikke havde noget at gøre med, hvor godt det kunne se ud over deres sofaer.

"Jeg vil ikke være belastet med alle disse rigdomme - de ville kede mig ihjel."

Parsons blev født ind i højere samfundslag, men afviste rigdommens fælder. Efter at have mistet alt under den Store Depression, startede hun forfra. I de næste halvtreds år havde hun ofte svært ved at betale regningerne. Hun solgte nok arbejde (både sit eget og af de kunstnere, hun repræsenterede) til at holde lysene tændt, og betragtede det som definitionen på økonomisk succes.

"Den abstrakte verden blev betragtet som kold, fordi den ikke havde figurer. Men den havde ild, energi, natur, lys, rum - den koncentrerede sig om alle disse værdier."

Parsons havde tilliden til at tro på sin egen smag. Hun forstod abstraktion længe før de fleste amerikanere. Hun stolede på sin egen vision, uanset hvad resten af kunstverdenen sagde eller gjorde.

"Jeg har altid været ti år foran min tid. Det er historien om mit liv."

Når du ikke har succes økonomisk, er det fristende at tænke, at det er fordi det, du laver, ikke har nogen værdi. Parsons indså, at nogle gange er grunden til, at ingen køber dit arbejde, fordi de ikke genkender det, fordi det er af fremtiden.

Betty Parsons - Challenge, 1976, acrylic on canvas (Left) / Sputnik, 1961, acrylic on canvas (Right), © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

"Identificer dig altid med kunsten; identificer dig aldrig med kunstneren."

Parsons foragter nogle kunstnere, men beundrer deres arbejde. Hun forstod, at kunstnere ikke behøver at være sympatiske, sociale eller charmerende. Kunstnere er ikke sælgere eller politikere. Deres arbejde taler for sig selv.

"[De kunstnere, jeg repræsenterer] bliver friere og mere kreative, som de går frem. Jeg har altid opmuntret til det."

Nogle gallerister opfordrer kunstnere til at finde en stil, der sælger, og så holde sig til den. Parsons udfordrede de kunstnere, hun viste. Hun mente, at dynamik og vækst er nøglen til at blive bedre, og at salg er den mindst vigtige aspekt af en kunstnerkarriere.

"Vi er alle en del af alt."

Parsons blev ofte spurgt om hendes holdninger til sociale spørgsmål. Dette citat var hendes svar på et sådant spørgsmål. Hun vidste, at kunst har evnen til at afsløre virkeligheden, at vores fælles træk langt overstiger de ting, der driver os fra hinanden. Dette citat har påvirket mig mest. Det bør gentages konstant, fordi det er så let at glemme.

Betty Parsons - Requiem, 1963, acrylic on canvas, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York

Fremhævet billede: Betty Parsons - Orange, 1956, akryl på lærred, © 2018 The Estate of Betty Parsons, Courtesy Alexander Gray Associates, New York
Alle billeder er kun til illustrative formål
Af Phillip Barcio