Ein Interview mit Ellen Priest
Ellen Priest hat sich seit über dreißig Jahren mit ihren lebhaften abstrakten Collagen einen Namen in der Kunstwelt gemacht. Von Anfang an von Cezanne beeinflusst und seit den 1990er Jahren von Jazz, hat sie versucht, die Bewegungen und komplexen Rhythmen verschiedener Jazzkompositionen in lebhaft gefärbten Pinselstrichen festzuhalten. IdeelArt hatte die Gelegenheit, ihren Arbeitsprozess zu besprechen und dabei Einblicke in ihre Einflüsse und ihre Leidenschaft für Musik zu gewinnen.
"Sie erwähnen, dass Sie stark von einer Ausstellung mit dem Titel 'Cezanne: Die späten Werke' beeinflusst wurden, die seine späten Aquarelle im Museum of Modern Art zeigte. Beeinflusst und durchdringt sein Stil noch immer Ihre Werke?"
Oh absolut. Es ist lustig; es ist eine dieser Einsichten, die wir haben, wenn wir jung sind. Diese ist bei mir hängen geblieben. Und ich konnte damals erkennen, dass das etwas Großes war. Im Philadelphia Museum of Art gibt es eine späte Cezanne-Landschaft, die ich immer besuche, wenn ich meinen Kopf freikriegen oder Inspiration finden oder etwas herausfinden muss. Ich stehe vor dieser Landschaft, bis ich es herausfinde. Sein spätes Werk hat einen konstanten Einfluss auf mich gehabt, und das sind mehr als dreißig Jahre. Ich denke, was es ist, ist, dass er einen Weg gefunden hat, mit Farben umzugehen, und was viele Menschen nicht realisieren, ist, dass die Wahl des Platzes einer bestimmten Farbe im Grunde Zeichnen ist. Cezanne hatte eine Art zu verstehen, wie Objekte im Raum schweben. Seine Denkweise scheint mit meiner eigenen übereinzustimmen. Formen erscheinen und lösen sich dann auf. Dann erscheinen sie wieder und verblassen erneut, was die Illusion vermittelt, dass das Gemälde atmet. Er ist für mich immer noch genauso magisch wie damals, als ich das Stück zum ersten Mal sah.
Ich fühle mich ehrlich gesagt glücklich. Ich denke, es spricht für die Stärke und Brillanz seines Werks. Für mich war er ebenso ein Wendepunkt wie Giotto mit der Perspektive und der Art, wie er Figuren im Raum handhabte. Mein Gefühl ist, dass, wenn ich 500 Jahre in die Zukunft springen könnte, die Leute immer noch über Cezanne als einen Wendepunkt sprechen würden. Der abstrakte Expressionismus, der mich von Anfang an fasziniert hat, ist für mich jetzt genauso stark. Ich fühle mich glücklich, dass ich ihn früh entdeckt und verstanden habe. Ich habe einfach erkannt, was für mich visuell kraftvoll war.
Können Sie uns etwas über Ihren Arbeitsprozess erzählen? Welche Materialien und Techniken verwenden Sie?
Ich benutze Papier; meine gesamte Arbeit ist auf Papier. Die Farben, die ich verwende, sind Flash und Öl. Flash, als vinylbasierte wasserlösliche Farbe, nimmt Pigmente auf wie Aquarell und Gouache. Es färbt die Farben nicht leicht braun, wie es bei Acryl der Fall ist. Es ist sehr kompatibel mit den Ölen. Farblich ist es ein wenig anders, aber sie arbeiten wirklich gut zusammen im Raum. Ich benutze auch viel Bleistift. Die Papiere reichen von sehr schwerem französischem Aquarellpapier bis zu zwei Gewichten von Canson-Transparenzpapier. Eines ist sehr schwer und heißt Opalux, das andere ist dünner und beide sind archivfest. In den letzten fünfzehn Jahren habe ich viel mit einem Paar in Boston, Jim und Joan Wright, gearbeitet, die beide Museumskonservatoren sind, und sie haben mich in diesem Prozess gecoacht. Jim hat mir beigebracht, wie man Ölfarbe auf dieser Art von Papier verwendet, ohne Probleme zu haben. Ich mache das jetzt schon lange, und die Arbeiten scheinen gut zu halten; ich hatte damit keine Schwierigkeiten. Ich benutze auch MSA-Gel als meinen Kleber, und ich laminiere die Schichtstücke nicht - ich klebe sie punktuell - und ich beschwere sie, um das Gel zum Aushärten zu bringen. Es dauert etwa eine Woche, bis es trocknet.
"Sie erwähnen, dass Sie ein bis fünf Jahre an einer bestimmten Serie arbeiten. Wie halten Sie Ihre Motivation aufrecht und vermeiden es, auszubrennen?"
Mein Prozess ist ziemlich lang, aber auch sehr vielfältig. Er reicht von den Pinselstudien, die meine ersten Begegnungen mit den Klängen und der Bewegung der Musik sind. Die Pinselstudien dauern vielleicht dreißig Sekunden und entwickeln sich von dort aus zu langsam aufgebauten, dicken, geschichteten Stücken. Ich habe keine Schwierigkeiten, weil der Prozess einer ist, der sich über viele Jahre entwickelt hat und der wirklich für mich funktioniert. Es ist eine Sprache geworden, in der ich mich sehr wohl fühle, obwohl es immer eine Herausforderung ist. Ich denke auch, dass man zu einem bestimmten Zeitpunkt einfach professionell wird, und es spielt keine Rolle, wie ich mich an einem bestimmten Tag fühle. Es ist Zeit, zur Arbeit zu gehen. Ich schwimme Bahnen, mache einen Smoothie und mache mich an die Arbeit. Ich habe gelernt, dass ich, wenn mein Kopf nicht dabei ist, eine Vielzahl von Dingen tun kann, um mich hineinzuarbeiten. Normalerweise weiß ich am Tag zuvor, was ich am nächsten Tag tun muss. Wenn ich versuche, die Farbbeziehungen herauszufinden, muss ich einfach nur dasitzen und es mir ansehen und die Farbproben immer wieder austauschen, damit ich sehen kann, wie sie im Raum wirken. Ich habe auch die Musik an. Manchmal trägt mich der Prozess selbst mit, wenn mein Verstand und mein Herz nicht unbedingt dabei sind, aber ich dorthin gelangen muss. Diese Disziplin kommt einfach mit den Jahren.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 front study, 2013. Gouache auf Papier. 106,68 x 106,68 cm.
Wie wählen Sie Ihre Inhalte und Themen aus?
Thema und Inhalt sind sehr unterschiedliche Dinge. Inhalt ist das Endergebnis oder die Gefühle, die man erlebt, wenn man das Stück betrachtet. Das Thema ist der Jazz. Sehr wenige abstrakte Künstler haben ein bewusstes Thema. Ich stellte sehr früh fest, dass ich meine Bilder nicht frisch halten konnte, ohne auf äußere Themen zurückzugreifen. Und ich kämpfte etwa zehn Jahre lang damit. Es geschah schließlich, als ich Jazz hörte. Ich war auf dem Weg nach Vermont zum Skifahren und hörte den lokalen NPR-Sender, und da war ein Stück von Michel Camilo, einem dominikanischen Jazzpianisten. Plötzlich wurde mir klar, dass die Räume, die ich in meinem Kopf sah, Räume waren, die in seiner Musik präsent waren.
Das war 1990, und ich arbeite seitdem mit Jazz. Es ist ein bewusstes Thema. Und es hat mehrere Jahre gedauert, um zu entwickeln, wie ich Bilder daraus entwickeln würde. De Kooning sah sich nie als abstrakten Maler; er betrachtete ständig Figuren und Landschaften, gelegentlich auch Stillleben. Joan Mitchell, die eine meiner anderen Ikonen ist, hatte eine sehr lange Karriere als abstrakte Expressionistin, und das ist wirklich hart. Sie ließ sich von Landschaft und Poesie inspirieren. Sie hatte eine Reihe von Freunden, die Dichter waren, einer von ihnen war John Ashbury, und sie "illustrierte" seine Gedichte. De Kooning und Mitchell gehören zu den wenigen, die diesen gestischen Expressionismus-Stil der Malerei während ihrer gesamten Karriere beibehalten haben.
Wie navigierst du in der Kunstwelt?
Nicht sehr gut. Ich bin einer dieser Menschen, die wissen, wie man ein Geschäftsmann ist, und ich bin sehr professionell, aber ich habe nicht das Gefühl, dass ich auf diesem Gebiet sehr erfolgreich bin. Es ist ein Bereich, an dem ich immer noch sehr hart arbeite. Das größte Hindernis für mich war, dass, soweit ich das beurteilen kann, Menschen, die sich viel Kunst ansehen, mir immer sagen, dass man meine Arbeiten persönlich sehen muss. Nicht nur das, die Arbeiten sind einzigartig. Niemand sonst betrachtet oder verwendet die Materialien auf diese Weise. Einzigartigkeit ist ein Vorteil, aber es ist auch eine Belastung, weil es für einige Menschen schwierig ist, eine Verbindung zu dem herzustellen, was sie sehen, weil sie noch nie etwas Ähnliches gesehen haben.
"Du erwähnst, dass deine Werke stark von den Rhythmen und der intellektuellen Strenge der Jazzmusik beeinflusst sind. Was hörst du gerade, das deine Arbeit antreibt?"
Ich höre tatsächlich ein bis zwei Jahre im Voraus, bevor ich ein neues Projekt starte. Meine Projekte können zwischen einem Jahr und fünf Jahren dauern, also wenn ich mit einem bestimmten Stück so lange arbeiten werde, sollte ich es besser mögen! Andernfalls hätte ich große Probleme, wenn es mir nicht gefällt. Ich beende gerade diese Jazz Cubano-Serie, und ich habe mich damit beschäftigt, weil ich Afro-Cuban Jazz liebe. Die Rhythmen sind so komplex, dass ich erkannt habe, dass ich sie nur herausfinden kann, wenn ich sie in die einfachsten Teile zerlege – einen Percussion-Sound nach dem anderen – und dann wieder aufbaue. Das war eine wirklich unterhaltsame Serie. Ich werde das bis Ende des Herbstes auf jeden Fall abschließen, und dann fange ich mit einer CD-langen Komposition namens The River an, von einem in Chicago ansässigen Pianisten und Komponisten namens Ryan Cohan.
Es ist ein wunderschönes Stück und es hat acht Abschnitte, die sehr sorgfältig geschrieben sind. Zwischen jedem gibt es einen improvisierten Klavierabschnitt – das ist symbolisch der Fluss. Er hatte ein Stipendium, um nach Afrika zu reisen, und Chamber Music America, die auch Edward Simons Venezuelan Suite finanziert haben, an der ich fünf Jahre lang gearbeitet habe, finanzierte die Komposition. Was Ryan getan hat, ist, afrikanische Rhythmen zusammen mit allem anderen, von dem er beeinflusst wurde, zu nehmen und es in etwas zu verwandeln, das wirklich sein eigenes ist. Dies ist ein wunderschön verdautes und innovatives Musikstück. Es ist sehr intelligent und hat eine große emotionale Bandbreite. Was ich feststelle, ist, dass ich oft sowohl emotional als auch intellektuell zu Dingen hingezogen werde. Ich freue mich wirklich auf The River. Damit werde ich im späten Herbst beginnen, oder ganz sicher vor Ende des Jahres.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simons Venezolanische Suite 16, 2008. Papier, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 106,68 x 106,68 cm.
Welches deiner Kunstwerke bist du am meisten stolz darauf und warum?
Ich denke, die Stücke, mit denen ich am glücklichsten bin, gehören zu zwei verschiedenen Gruppen: Die eine wären die letzten paar Stücke der Venezuelan Suite-Serie, weil ich es geschafft habe, gleichzeitig ein Niveau von Komplexität und Einfachheit zu erreichen, mit dem ich sehr zufrieden war. Ich konnte endlich die Geschwindigkeit der Musik einfangen, ohne dass sie verloren ging. Ich habe auch die Zeichnungen in der Jazz Cubano-Serie sehr genossen. Sie sind so reduziert, aber sie haben viel Biss. Das wären die beiden Gruppen, auf die ich extrem stolz bin. Was ein spezifisches Stück angeht, könnte ich wirklich nichts sagen.
Wie weißt du, wann eine Arbeit fertig ist?
Ich denke, es kommt ein Punkt, an dem ich ein Werk betrachte, und in jeder Phase muss ich diese Entscheidung treffen. Wenn es nichts mehr gibt, was ich tun möchte, oder wenn es sich anfühlt, als wäre alles, was ich tun würde, zu viel, dann weiß ich, dass es vollendet ist. Normalerweise warte ich und schaue es mir eine Weile an. Manchmal weiß ich sofort, was zu tun ist, aber manchmal dauert es ein wenig. Wenn es einen Bereich gibt, der sich nicht bewegt, versuche ich herauszufinden, wie ich ihn in Bewegung bringen kann. Oft bedeutet das, dass ich einen anderen Teil des Gemäldes anpassen muss. Es muss nicht unbedingt der Bereich selbst sein; es könnte ein anderes Element sein, das geändert werden muss. Im Allgemeinen schlafe ich eine Weile darüber. Ich könnte denken, es ist fertig, aber ich warte einfach. Ich muss diese Entscheidungen treffen, bevor ich klebe. Wenn ich die Ränder des Stücks zuschneide, bekomme ich manchmal eine Überraschung – und die ist nicht immer gut. Ab und zu setze ich etwas zusammen und es ist nicht das, was ich erwartet habe. Manchmal, nachdem ich die Teile zugeschnitten habe, kann das Stück aus dem Gleichgewicht geraten und ich kann das Stück verlieren, weil es nicht mehr die Bandbreite an Emotionen zeigt, die es einmal hatte.
Was bedeutet es für deinen Prozess, einen physischen Raum zum Kunstmachen zu haben, und wie gestaltest du deinen Raum so, dass er für dich funktioniert?
Ich habe ein altes Haus, ein dreigeschossiges aus den 1890er Jahren, oder was wir ein Doppelhaus nennen. Ich habe drei Etagen mit Nordlicht und ich bin an einer Ecke. Daher habe ich enorme Mengen an Licht. Ich nutze das gesamte Erdgeschoss für mein Studio, außer für meine Küche. Im zweiten Stock habe ich mein Büro und Wohnbereich, und im dritten Stock befinden sich mein Klebe- und Lagerraum. Ich habe also nicht nur ausreichend, sondern auch guten Platz, und das hat einen riesigen Unterschied gemacht. Einen permanenten, großzügigen Raum zu haben, war ein Segen für meine Arbeit. Mich einrichten zu können und es richtig zum Laufen zu bringen, war erstaunlich. Manchmal denke ich, ich könnte mehr Platz gebrauchen, aber ich habe genug Platz!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo und Elio, Thinking Out Loud, 2016. Papier, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,23 x 81,23 cm.
Was spricht Sie an, wenn Sie ein abstraktes Kunstwerk sehen?
Für mich hat Abstraktion (wenn sie gut ist) eine Klarheit des Denkens, die mich wirklich anspricht. Sie kann Farbe sein, sie kann schwarz-weiß sein, sie kann voller Bilder sein oder sie kann eine einzelne Form sein, die im Raum schwebt. Aber es gibt einfach eine Qualität des Denkens, die klar ist. Einer meiner Lieblingskünstler der zeitgenössischen Kunst ist der Bildhauer Martin Puryear. Ich bin einmal in eine Retrospektive seiner Werke im MoMA gegangen, und es hat mir den Atem geraubt. Die gleiche Ausstellung wurde in Washington D.C. präsentiert, und ich habe meinen gesamten Zeitplan umgestellt, um sie mir erneut anzusehen. Er ist brillant; seine Arbeiten haben eine solche Reinheit von Form und Denken. Seine Arbeiten haben Bezüge zu Fahrzeugen, Tieren, Booten. Abstraktion kann Bezüge zur realen Welt herstellen und dennoch abstrakt bleiben. Deine Augen verwenden die gleichen Hinweise, um sich in der Welt zurechtzufinden, die sie verwenden, um abstrakte Kunst zu betrachten. Unsere Augen finden das früh im Leben heraus. Wir verwenden diese gleichen Werkzeuge, um abstrakte Kunst zu betrachten, aber wir sind uns dessen nicht bewusst. Es gibt etwas an der Abstraktion, das unser Verständnis der Welt erweitert.
Bist du an irgendwelchen bevorstehenden Shows oder Veranstaltungen beteiligt? Wo und wann?
"Ich bin im Gespräch mit der St. Peter's Church in Manhattan, wo ich diesen Frühling ausgestellt habe – ich hoffe, dort ein weiteres Projekt zu zeigen, das sich mit dem Fluss beschäftigt. Abgesehen davon könnte ich in diesem Herbst eine lokale Ausstellung hier in Wilmington, Delaware, in der Jazz Cubano-Serie haben."
Vorgestelltes Bild: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011. Papier, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,3 x 119,4 cm.
