Ein Interview mit Ellen Priest
Ellen Priest hat sich in der Kunstwelt mit ihren lebendigen abstrakten Collage-Gemälden seit über dreißig Jahren einen Namen gemacht. Von Anfang an von Cezanne beeinflusst und seit den 1990er Jahren vom Jazz, versucht sie, die Bewegungen und komplexen Rhythmen verschiedener Jazzkompositionen in lebhaft gefärbten Pinselstrichen einzufangen. IdeelArt hatte die Gelegenheit, mit ihr über ihren Arbeitsprozess zu sprechen und dabei Einblicke in ihre Einflüsse und ihre Leidenschaft für Musik zu gewinnen.
Sie erwähnen, dass Sie stark von einer Ausstellung mit dem Titel „Cezanne: Die späten Werke“ beeinflusst wurden, die seine späten Aquarelle im Museum of Modern Art zeigte. Beeinflusst und durchdringt sein Stil Ihre Werke noch immer?
Oh, absolut. Es ist lustig; das ist eine dieser Einsichten, die man hat, wenn man jung ist. Diese hat sich bei mir eingeprägt. Und ich konnte damals schon sagen, dass das etwas Großes war. Im Philadelphia Museum of Art gibt es eine späte Cezanne-Landschaft, zu der ich immer gehe, wenn ich meinen Kopf frei bekommen, Inspiration finden oder etwas herausfinden muss. Ich stehe vor dieser Landschaft, bis ich es verstanden habe. Seine späten Werke sind ein ständiger Einfluss, und das seit mehr als dreißig Jahren. Ich denke, was es ist, ist, dass er eine Art gefunden hat, mit Farben umzugehen, und was viele nicht wissen, ist, dass die Wahl der Platzierung einer bestimmten Farbe im Grunde Zeichnen ist. Cezanne hatte ein Verständnis dafür, wie Objekte im Raum schweben. Seine Denkweise scheint meiner zu entsprechen. Formen erscheinen, lösen sich dann auf, erscheinen wieder und verblassen erneut, was die Illusion erzeugt, dass das Gemälde atmet. Für mich ist er immer noch genauso magisch wie damals, als ich das Werk zum ersten Mal sah.
Ich fühle mich ehrlich gesagt glücklich. Ich denke, das spricht für die Stärke und Brillanz seiner Arbeit. Für mich war er ein Wendepunkt wie Giotto mit der Perspektive und der Art, wie er Figuren im Raum behandelte. Mein Gefühl ist, dass man auch in 500 Jahren noch über Cezanne als Wendepunkt sprechen wird. Dieser abstrakte Expressionismus, der mich von Anfang an faszinierte, ist für mich heute genauso stark. Ich bin froh, dass ich ihn früh erkannt und verstanden habe. Ich habe einfach erkannt, was für mich visuell kraftvoll ist.
Können Sie uns etwas über Ihren Arbeitsprozess erzählen? Welche Materialien und Techniken verwenden Sie?
Ich arbeite mit Papier; alle meine Werke sind auf Papier. Die Farben, die ich verwende, sind Flashe und Öl. Flashe ist eine vinylbasierte, wasserlösliche Farbe, die Pigmente ähnlich wie Aquarell und Gouache aufnimmt. Sie verfärbt die Farben nicht leicht bräunlich, wie es Acryl tut. Sie ist sehr gut mit den Ölen verträglich. Farblich ist sie etwas anders, aber sie harmonieren wirklich gut im Raum. Ich benutze auch viel Bleistift. Die Papiere reichen von sehr schwerem französischem Aquarellpapier bis zu zwei Stärken von Canson Transparentpapier. Eines ist sehr schwer und heißt Opalux, das andere ist dünner, beide sind archivfest. In den letzten fünfzehn Jahren habe ich viel mit einem Paar aus Boston, Jim und Joan Wright, die beide Museumsrestauratoren sind, zusammengearbeitet, und sie haben mich in diesem Prozess angeleitet. Jim hat mir beigebracht, wie man Ölfarbe auf dieser Art Papier verwendet, ohne Probleme zu bekommen. Ich mache das schon lange, und die Werke halten sich gut; ich hatte keine Schwierigkeiten damit. Ich benutze auch MSA-Gel als Klebstoff und laminiere die einzelnen Schichten nicht – ich klebe sie punktuell – und beschwere sie, damit das Gel aushärtet. Das dauert etwa eine Woche.
Sie erwähnen, dass Sie ein bis fünf Jahre an einer Serie arbeiten. Wie bewahren Sie Ihre Motivation und vermeiden Erschöpfung?
Mein Prozess ist ziemlich lang, aber sehr abwechslungsreich. Er reicht von den Pinselstudien, die meine ersten Begegnungen mit den Klängen und Bewegungen der Musik sind. Die Pinselstudien dauern vielleicht dreißig Sekunden, und dann entwickelt sich das langsam zu diesen dicken, geschichteten Werken. Ich habe keine Probleme, weil sich der Prozess über viele Jahre entwickelt hat und wirklich für mich funktioniert. Es ist eine Sprache geworden, in der ich mich sehr wohl fühle, obwohl es immer eine Herausforderung bleibt. Ich denke auch, dass man irgendwann einfach professionell wird, und es spielt keine Rolle, wie ich mich an einem bestimmten Tag fühle. Es ist Zeit zu arbeiten. Ich schwimme ein paar Bahnen, trinke einen Smoothie und lege los. Ich habe gelernt, dass ich, wenn mein Kopf nicht dabei ist, verschiedene Dinge tun kann, um hineinzukommen. Meist weiß ich schon am Tag zuvor, was ich am nächsten Tag machen muss. Wenn ich die Farbzusammenhänge herausfinden will, muss ich einfach da sitzen und schauen und die Farbmuster immer wieder austauschen, um zu sehen, wie sie im Raum wirken. Ich habe auch Musik an. Der Prozess trägt mich manchmal, wenn mein Geist und mein Herz nicht ganz da sind, aber ich dorthin kommen muss. Diese Disziplin kommt mit den Jahren.
Ellen Priest - Jazz Cubano #2 Frontstudie, 2013. Gouache auf Papier. 106,68 x 106,68 cm.
Wie wählen Sie Ihre Inhalte und Motive aus?
Motiv und Inhalt sind sehr unterschiedliche Dinge. Inhalt ist das Endergebnis oder die Gefühle, die man beim Betrachten des Werks erlebt. Das Motiv ist der Jazz. Sehr wenige abstrakte Künstler haben ein bewusstes Motiv. Ich habe sehr früh festgestellt, dass ich meine Bildsprache nicht frisch halten kann, ohne auf äußere Motive zurückzugreifen. Damit habe ich etwa zehn Jahre gerungen. Schließlich geschah es, als ich Jazz hörte. Ich war auf dem Weg nach Vermont zum Skifahren und hörte den lokalen NPR-Sender, und es lief ein Stück von Michel Camilo, einem dominikanischen Jazzpianisten. Plötzlich wurde mir klar, dass die Räume, die ich in meinem Kopf sah, auch in seiner Musik vorhanden waren.
Das war 1990, und seitdem arbeite ich mit Jazz. Es ist ein bewusstes Motiv. Es hat mehrere Jahre gedauert, bis ich herausfand, wie ich daraus Bildsprache entwickeln kann. De Kooning sah sich nie als abstrakten Maler; er beschäftigte sich ständig mit Figuren und Landschaften, gelegentlich auch Stillleben. Joan Mitchell, eine meiner weiteren Ikonen, hatte eine sehr lange Karriere als abstrakte Expressionistin, was wirklich schwierig ist. Sie ließ sich von Landschaft und Poesie inspirieren. Sie hatte mehrere Freunde, die Dichter waren, darunter John Ashbury, dessen Gedichte sie „illustrierte“. De Kooning und Mitchell gehören zu den wenigen, die diesen gestischen Expressionismus-Stil über ihre gesamte Karriere beibehalten haben.
Wie bewegen Sie sich in der Kunstwelt zurecht?
Nicht sehr gut. Ich bin jemand, der weiß, wie man Geschäftsperson ist und sehr professionell arbeitet, aber ich habe nicht das Gefühl, auf diesem Gebiet sehr erfolgreich zu sein. Das ist ein Bereich, an dem ich noch hart arbeite. Die größte Hürde für mich ist, dass mir Leute, die viel Kunst sehen, immer sagen, dass meine Werke etwas sind, das man persönlich sehen muss. Nicht nur das, die Arbeiten sind einzigartig. Niemand sonst betrachtet oder verwendet die Materialien auf diese Weise. Einzigartigkeit ist ein Vorteil, aber auch eine Bürde, weil es für manche schwer ist, einen Zugang zu dem zu finden, was sie sehen, da sie so etwas noch nie gesehen haben.
Sie sagen, Ihre Werke seien stark von den Rhythmen und der geistigen Strenge der Jazzmusik beeinflusst. Was hören Sie derzeit, das Ihre Arbeit beflügelt?
Ich höre tatsächlich ein bis zwei Jahre im Voraus, bevor ich ein neues Projekt beginne. Meine Projekte können von einem bis fünf Jahren dauern, also wenn ich so lange an einem Werk arbeite, muss ich es wirklich mögen! Sonst hätte ich große Probleme, wenn es mich nicht fesselt. Ich beende gerade die Jazz Cubano-Serie, und ich habe mich daran gewagt, weil ich Afro-kubanischen Jazz liebe. Die Rhythmen sind so komplex, dass ich merkte, dass ich sie nur verstehen kann, wenn ich sie in die einfachsten Teile zerlege – einen Schlagzeugklang nach dem anderen – und dann wieder zusammensetze. Das war eine wirklich spaßige Serie. Ich werde sie bis Ende Herbst sicher abschließen und dann mit einer CD-langen Komposition namens The River beginnen, von einem in Chicago lebenden Pianisten und Komponisten namens Ryan Cohan.
Es ist ein wunderschönes Stück mit acht sehr sorgfältig geschriebenen Abschnitten. Dazwischen gibt es improvisierte Klavierpassagen – das symbolisiert den Fluss. Er erhielt ein Stipendium für eine Reise nach Afrika, und Chamber Music America, die auch Edward Simons Venezuelan Suite finanzierten, an der ich fünf Jahre gearbeitet habe, unterstützten die Komposition. Ryan hat afrikanische Rhythmen zusammen mit allem anderen, was ihn beeinflusst hat, genommen und etwas ganz Eigenes daraus gemacht. Das ist ein wunderschön durchdachtes und innovatives Musikstück. Es ist sehr klug und hat eine große emotionale Bandbreite. Ich stelle fest, dass ich oft sowohl emotional als auch geistig von Dingen angezogen werde. Ich freue mich sehr auf The River. Das werde ich im Spätherbst oder auf jeden Fall noch vor Jahresende beginnen.
Ellen Priest - Jazz: Edward Simons Venezuelan Suite 16, 2008. Papiere, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 106,68 x 106,68 cm.
Auf welche Ihrer Kunstwerke sind Sie am meisten stolz und warum?
Ich denke, am glücklichsten bin ich mit zwei Gruppen von Werken: Zum einen die letzten Stücke der Venezuelan Suite-Serie, weil ich eine Komplexität und Einfachheit zugleich erreichen konnte, mit der ich sehr zufrieden war. Ich konnte endlich die Geschwindigkeit der Musik einfangen, ohne dass sie verloren ging. Zum anderen habe ich die Zeichnungen der Jazz Cubano-Serie sehr genossen. Sie sind so reduziert, aber haben viel Kraft. Das wären die beiden Gruppen, auf die ich besonders stolz bin. Ein einzelnes Werk kann ich nicht benennen.
Woran erkennen Sie, dass ein Werk fertig ist?
Ich denke, es gibt einen Punkt, an dem ich ein Werk betrachte und bei jeder Phase diese Entscheidung treffen muss. Wenn ich nichts mehr hinzufügen möchte oder wenn alles Weitere zu viel wäre, weiß ich, dass es fertig ist. Meist warte ich eine Weile und schaue es an. Manchmal weiß ich sofort, was zu tun ist, manchmal dauert es etwas. Wenn ein Bereich nicht vorankommt, versuche ich, einen Weg zu finden, ihn in Bewegung zu bringen. Oft bedeutet das, dass ich einen anderen Teil des Gemäldes anpassen muss. Es muss nicht unbedingt die Stelle selbst sein, sondern ein anderes Element, das verändert werden muss. Meist schlafe ich eine Nacht darüber. Manchmal denke ich, es ist fertig, aber ich warte noch. Diese Entscheidungen muss ich vor dem Verkleben treffen. Wenn ich die Ränder zuschneide, erlebe ich manchmal Überraschungen – und nicht immer sind sie gut. Manchmal setze ich etwas zusammen, und es entspricht nicht meinen Erwartungen. Nach dem Zuschneiden kann das Werk aus dem Gleichgewicht geraten, und ich kann es verlieren, weil es nicht mehr die emotionale Bandbreite zeigt, die es einmal hatte.
Was bedeutet ein eigener Raum für Ihre Arbeit, und wie richten Sie Ihren Raum so ein, dass er für Sie funktioniert?
Ich habe ein altes Haus, ein dreistöckiges aus den 1890er Jahren, was wir ein Doppelhaus nennen. Ich habe drei Stockwerke mit Nordlicht und wohne an einer Ecke. Also habe ich eine enorme Lichtmenge. Das ganze Erdgeschoss nutze ich als Atelier, außer meiner Küche. Im zweiten Stock habe ich mein Büro und den Wohnbereich, und im dritten Stock sind mein Klebe- und Lagerraum. Ich habe also nicht nur ausreichend, sondern auch guten Raum, und das hat einen riesigen Unterschied gemacht. Einen dauerhaften, großzügigen Raum zu haben, war ein Segen für meine Arbeit. Mich niederlassen und richtig arbeiten zu können, war großartig. Manchmal denke ich, ich könnte mehr Platz gebrauchen, aber ich habe genug!
Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo und Elio, Laut Denken, 2016. Papiere, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,23 x 81,23 cm.
Was spricht Sie an, wenn Sie ein abstraktes Werk sehen?
Für mich hat Abstraktion (wenn sie gut ist) eine Klarheit des Denkens, die mich sehr anspricht. Es kann Farbe sein, Schwarz-Weiß, es kann voller Bildsprache sein oder eine einzelne Form, die im Raum schwebt. Aber es gibt eine Qualität des Denkens, die scharf ist. Einer meiner Lieblingskünstler der Gegenwart ist der Bildhauer Martin Puryear. Ich bin einmal in eine Retrospektive seiner Werke im MoMA gegangen, und es hat mir den Atem geraubt. Dieselbe Ausstellung wurde in Washington D.C. gezeigt, und ich habe meinen ganzen Zeitplan umgestellt, um sie noch einmal zu sehen. Er ist brillant; seine Arbeit hat eine solche Reinheit von Form und Denken. Seine Werke beziehen sich auf Fahrzeuge, Tiere, Boote. Abstraktion kann auf die reale Welt verweisen und trotzdem abstrakt sein. Unsere Augen benutzen dieselben Hinweise, um sich in der Welt zurechtzufinden, wie sie es tun, um abstrakte Kunst zu betrachten. Unsere Augen lernen das früh im Leben. Wir benutzen diese Werkzeuge, um abstrakte Kunst zu sehen, ohne es zu merken. Abstraktion baut auf unserem Verständnis der Welt auf.
Sind Sie an kommenden Ausstellungen oder Veranstaltungen beteiligt? Wo und wann?
Ich stehe in Gesprächen mit der Saint Peter’s Church in Manhattan, wo ich im vergangenen Frühjahr ausgestellt habe – ich hoffe, dort ein weiteres Projekt zu zeigen, das sich um The River dreht. Abgesehen davon könnte ich hier in Wilmington, Delaware, im Herbst eine lokale Ausstellung der Jazz Cubano-Serie haben.
Beitragsbild: Ellen Priest - Jazz: Laut Denken, Auf der Suche nach dem Lied 31, 2011. Papiere, Öl, Flashe, Bleistift, MSA-Gel. 81,3 x 119,4 cm.
