Lebendigkeit und Energie in den Gemälden von Joan Mitchell

Wenn wir ein Joan Mitchell Gemälde betrachten, sehen wir ein Bild der Freiheit. Wir sehen das Gefühl der Hingabe, das greifbar wird. Mitchell ging den Akt des Malens aus einem Ort totaler Freiheit an, ohne einen Plan oder eine definitive Vorlage. Was auch immer auf die Leinwand kam, stammte aus ihrer Intuition und war eine unmittelbare Reflexion ihrer Wahrheit. Es könnte Freude sein, die sie fühlte, oder Wut, oder Angst; es könnte ein Bild sein, das aus Bruchstücken einer Erinnerung besteht, die sie in ihrem Kopf hatte, oder eine geliebte Landschaft, die sie in ihrem Herzen trug. Wenn wir ihren Gemälden begegnen, inmitten eines schnellen oder beiläufigen Blicks, fühlen wir vielleicht, was Mitchell fühlte, oder auch nicht. Wir erkennen vielleicht die genaue Bedeutung, die sie vermitteln wollte, oder auch nicht. Aber die Energie, die mit jedem Pinselstrich durch sie floss, schreit uns an. Sie hält uns im Raum an und spricht zu dem, was auch immer in uns primal ist und es für das erkennt, was es ist: das lebendige, zeitlose, universelle Echo von Liebe, Verlust, Freude, Angst, Stolz und Schmerz.

Maßnahmen ergreifen

Jeder Pinselstrich eines Malers ist das Ergebnis physischer Bewegung. Doch nicht jeder Pinselstrich schafft es, diese Bewegung den Betrachtern mitzuteilen. Einige Pinselstriche versuchen absichtlich, die Bewegung, die sie hervorgebracht hat, zu verbergen und zu ignorieren, dass eine menschliche Hand überhaupt beteiligt war. Es ist eines der Markenzeichen von Action-Paintern, dass sie in der Lage sind, auf der Oberfläche einer Leinwand die Kraft und Energie der Bewegung ihres physischen Körpers durch den Raum zu vermitteln. Joan Mitchell war eine Action-Painterin, ein Mitglied der als zweite Generation von abstrakten Expressionisten geltenden Künstler. Aber sie begann ihre Karriere nicht mit dem Fokus auf Gestik und Bewegung, oder Abstraktion, oder sogar unbedingt Malerei. Während ihrer Schulzeit am Art Institute of Chicago war sie eine talentierte figurative Künstlerin, die Auszeichnungen für ihre Lithografie gewonnen hatte.

Aber Mitchell war immer eine äußerst körperliche Person. In der High School in Chicago war sie eine national wettbewerbsfähige Athletin und belegte bei den U.S. Figure Skating Championships den vierten Platz. Eine Knieverletzung beendete ihre Sportkarriere. Aber nachdem sie 1947 am Art Institute of Chicago ihren Abschluss gemacht hatte, zog sie nach New York und wurde mit der Arbeit von gesturalen abstrakten Malern wie Arshile Gorky und Jackson Pollock konfrontiert. Sie integrierte sofort Körperlichkeit in ihre Maltechnik. Bis 1951 hatte sie einen reifen, abstrakten gesturalen Stil entwickelt und war mit mehreren der ersten Generation der Abstract Expressionists befreundet, wie Will de Kooning und Franz Kline, und war auf Einladung sogar dem angesehenen Eighth Street Club beigetreten, der Künstler-Treffen und Gespräche veranstaltete.

Joan Mitchell - Marienkäfer, 1957. Öl auf Leinwand. 6' 5 7/8" x 9' (197,9 x 274 cm). Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA), New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Die Landschaften von Joan Mitchell

Aufgewachsen nur ein paar Blocks von den Ufern des Michigansees in der Innenstadt von Chicago, entwickelte Joan Mitchell von klein auf eine tiefgreifende emotionale Bindung an die Horizontlinie, wo Wasser und Himmel aufeinandertreffen. Und als Erwachsene, die zeitweise auf dem Land in Frankreich sowie in den Hamptons lebte, entwickelte sie auch eine große Liebe zu ländlichen Landschaften. Obwohl ihre reifen Werke alle als abstrakt gelten, bezeichnete sie sich oft als Malerin von Landschaften. Viele ihrer Gemälde trugen das Wort Landschaft im Titel oder waren nach malerischen Orten benannt, die ihr am Herzen lagen.

In vielen ihrer Gemälde sind visuelle Hinweise auf Kompositionen, Formen oder Farbpaletten zu finden, die eine natürliche Landschaft suggerieren, oder sogar schwache Echos von Horizontlinien. Aber die Arten von Landschaften, die Mitchell malte, waren keine figürlichen Versuche, die natürliche Welt einzufangen. Vielmehr internalisierte Mitchell ein Gefühl der Emotionen, die sie an bestimmten Orten fühlte, die ihr lieb waren. Sie hatte ein ausgeprägtes ästhetisches Empfinden und eine Verbindung zur Nostalgie und strebte danach, die Farbe, das Gleichgewicht und die Harmonie ihrer geliebten Landschaften einzufangen, während sie gleichzeitig die Energie und persönliche Emotion kommunizierte, die sie in ihrer Erinnerung damit verband.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, Öl auf Leinwand (Diptychon), Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Komplementäre Gegensätze

Viel von der Kraft, die wir in den Gemälden von Joan Mitchell spüren können, scheint mit der Idee von gegensätzlichen Kräften verbunden zu sein. Ein prominentes Beispiel ist die Art und Weise, wie sie sich von dem sogenannten Allover-Malstil abwandte, bei dem die gesamte Leinwand mit abstrakter Bildsprache bedeckt ist, hin zu einem traditionelleren Figur-Grund-Kompositionsansatz, der große Flächen von Weiß oder ungrundierter Leinwand zeigt. Aber anstatt gegensätzliche Kräfte in ihren Figuren- und Grundkompositionen zu sehen, ist es genauer zu sagen, dass die Kräfte komplementär sind. Sie stehen sich nicht entgegen und widerstehen sich nicht. Die Figur und der Grund wechseln die Rollen, erhellen einander und tauschen den Einfluss über den Blick des Betrachters aus.

Ebenso funktionieren die anderen scheinbaren Gegensätze, die in ihren Werken sichtbar sind, auf die gleiche Weise. Leichte Pinselstriche ergänzen aggressive Pinselstriche und definieren sich durch ihre relativen Unterschiede; dichte, geschichtete, impasto Oberflächen verleihen ihren flachen Gegenstücken Präsenz; geometrische oder biomorphe Formen werden durch lyrische abstrakte Markierungen erhöht. Das einigende Wesen, das sich durch das Werk von Joan Mitchell zieht, ist nicht eines der Opposition, sondern eines der Auseinandersetzung mit einer Welt komplementärer Beziehungen, die zu einem harmonischen Ganzen aufbaut.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Öl auf Leinwand. Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Unvollständige Abstraktion

Im Laufe ihrer Karriere änderte Joan Mitchell ihr ästhetisches Empfinden mehrere Male. Jede Veränderung war entweder mit einem geografischen Wechsel oder einer Veränderung der persönlichen Umstände verbunden. Eine der größten Veränderungsphasen, die sie erlebte, war in den 1960er Jahren, als sie innerhalb weniger Jahre sowohl ihre Eltern als auch einen lieben Freund verlor. Eine weitere kam in den 1980er Jahren, als bei ihr Krebs diagnostiziert wurde. Während jede ästhetische Veränderung unterschiedliche, ausgeprägte emotionale Nuancen auszudrücken scheint, fühlt sich keine wie ein Ende von etwas an. Jede Evolution in ihrem Werk besitzt ein Gefühl des Ungeformten; das embryonale Versprechen von etwas Neuem und noch Ungeformtem.

Nach dem Jahrzehnt der Verluste, das sie in den 1960er Jahren erlebte, wandte sich Mitchell der geometrischen Figuration zu und wechselte dann bald wieder zurück zur Allover-Malerei. Ihre Farbpalette änderte sich zu tiefen Grüntönen und lebhaften Gelbtönen, die die Farben der Natur widerspiegelten. In den 1980er Jahren änderte sich ihre Palette und umfasste mehr reine und primäre Farben: Blau, Orange, Grün und Rot. Ihre Pinselstriche wurden kurz und kräftig, elektrisiert und fast vibrational. Jede neue Phase vermittelt die Idee eines neuen, unbestimmten Anfangs und ist somit von Natur aus kommunikativ für etwas Hoffnungsvolles und Neues.

Joan Mitchell - Bäume, 1990-91. Öl auf Leinwand. Private Sammlung. © Nachlass von Joan Mitchell

Loslassen

In allen Phasen ihres Schaffens ist in den Gemälden von Joan Mitchell ein beständiges Gefühl von Energie und Lebendigkeit präsent, sei es durch ihre Pinselstriche, ihre Kompositionen, ihre Harmonien oder ihren Einsatz von komplementären Gegensätzen. Diese Energie inspiriert weiterhin die dritte Generation von abstrakten Expressionisten, die heute arbeiten, wie Francine Tint. Sie prägt auch das Werk zeitgenössischer gestischer Abstraktionisten wie Ellen Priest.

Ein Universum von Emotionen öffnet sich in der Arbeit dieser Maler, das immer zwischen der dunkelsten Energie und der leichtesten, dem aggressivsten und dem serensten schwankt, und mit einem frenetischen Gefühl der Unmittelbarkeit von den Oberflächen ihrer Gemälde springt. Mitchell beschrieb einmal die Quelle dieser frenetischen Unmittelbarkeit, indem sie das Gefühl, das sie beim Malen hatte, mit einem Orgasmus verglich. Sie beschrieb es auch einmal als „Fahrradfahren ohne Hände“. Beide Beschreibungen sprechen von der völligen Freude an der emotionalen Befreiung, die mit einem Akt totaler Hingabe möglich ist. Und beide sprechen von dem Ausdruck menschlicher Ehrlichkeit, der nur möglich ist, wenn jemand frei ist.

Vorschaubild: Joan Mitchell - Untitled, 1977, Öl auf Leinwand, Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio