Lebendigkeit und Energie in den Gemälden von Joan Mitchell

Wenn wir ein Gemälde von Joan Mitchell betrachten, sehen wir ein Bild der Freiheit. Wir sehen eine greifbare Hingabe. Mitchell ging das Malen aus einem Ort völliger Freiheit an, ohne einen Plan oder eine feste Vorlage. Was auch immer auf der Leinwand landete, kam aus ihrer Intuition und war eine unmittelbare Spiegelung ihrer Wahrheit. Es konnte Freude sein, die sie empfand, oder Wut, oder Angst; es konnte ein Bild sein, das aus Fragmenten einer Erinnerung entstand, die sie im Kopf hatte, oder eine geliebte Landschaft, die sie im Herzen trug. Wenn wir ihre Gemälde betrachten, sei es flüchtig oder beiläufig, fühlen wir vielleicht, was Mitchell fühlte, oder auch nicht. Wir erkennen vielleicht nicht die genaue Bedeutung, die sie vermitteln wollte. Aber die Energie, die mit jedem Pinselstrich durch sie floss, schreit uns an. Sie hält uns im Raum fest und spricht zu dem Urstoff in uns, der sie als das erkennt, was sie ist: das lebendige, zeitlose, universelle Echo von Liebe, Verlust, Freude, Angst, Stolz und Schmerz.

Handeln

Jeder Pinselstrich eines Malers ist das Ergebnis einer körperlichen Bewegung. Doch nicht jeder Pinselstrich schafft es, diese Bewegung den Betrachtern mitzuteilen. Manche Pinselstriche versuchen absichtlich, die Bewegung, die sie hervorgebracht hat, zu verbergen und zu ignorieren, dass eine menschliche Hand beteiligt war. Es ist eines der Kennzeichen der Action-Maler, dass sie auf der Leinwand die Kraft und Energie der Bewegung ihres Körpers durch den Raum vermitteln können. Joan Mitchell war eine Action-Malerin, ein Mitglied der sogenannten zweiten Generation der abstrakten Expressionisten. Doch zu Beginn ihrer Laufbahn lag ihr Fokus nicht auf Gestik und Bewegung, nicht auf Abstraktion und nicht unbedingt auf Malerei. Während ihrer Zeit am Art Institute of Chicago war sie eine talentierte gegenständliche Künstlerin, die Auszeichnungen für ihre Lithografien erhalten hatte.

Doch Mitchell war immer eine sehr körperliche Person. In der Highschool in Chicago war sie eine national wettbewerbsfähige Sportlerin und erreichte bis zu Platz vier bei den US-Eiskunstlaufmeisterschaften. Eine Knieverletzung beendete ihre Sportkarriere. Nach ihrem Abschluss am Art Institute of Chicago im Jahr 1947 zog sie nach New York und kam mit den Werken gestischer abstrakter Maler wie Arshile Gorky und Jackson Pollock in Berührung. Sie integrierte sofort Körperlichkeit in ihre Maltechnik. Bis 1951 hatte sie einen ausgereiften, abstrakt-gestischen Stil entwickelt und Freundschaften mit mehreren Vertretern der ersten Generation der abstrakten Expressionisten geschlossen, wie Will de Kooning und Franz Kline, und wurde auf Einladung sogar Mitglied ihres angesehenen Eighth Street Clubs, der Künstlerzusammenkünfte und Vorträge veranstaltete.

Joan Mitchell - Ladybug, 1957. Öl auf Leinwand. 1,97 x 2,74 m. Sammlung des Museum of Modern Art (MoMA), New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Die Landschaften von Joan Mitchell

Da sie nur wenige Straßenblocks vom Ufer des Michigansees im Zentrum Chicagos aufwuchs, entwickelte Joan Mitchell schon früh eine tiefe emotionale Bindung an die Horizontlinie, an der Wasser und Himmel sich treffen. Als Erwachsene, die zeitweise auf dem Land in Frankreich sowie in den Hamptons lebte, entwickelte sie auch eine große Liebe zu ländlichen Landschaften. Obwohl ihre reifen Werke alle als abstrakt gelten, bezeichnete sie sich oft selbst als Landschaftsmalerin. Viele ihrer Gemälde tragen das Wort Landschaft im Titel oder sind nach landschaftlichen Orten benannt, die ihr am Herzen lagen.

In vielen ihrer Gemälde lassen sich visuelle Hinweise auf Kompositionen, Formen oder Farbpaletten finden, die an eine natürliche Landschaft erinnern, oder sogar schwache Echos von Horizontlinien. Doch die Landschaften, die Mitchell malte, waren keine gegenständlichen Versuche, die Natur einzufangen. Vielmehr verinnerlichte Mitchell das Gefühl, das sie an bestimmten ihr liebgewonnenen Orten empfand. Sie besaß eine feine ästhetische Sensibilität und eine Verbindung zur Nostalgie und bemühte sich, die Farbe, das Gleichgewicht und die Harmonie ihrer geliebten Landschaften einzufangen und zugleich die Energie und persönliche Emotion zu vermitteln, die sie in ihrer Erinnerung damit verband.

Joan Mitchell - Heel, Sit, Stay, 1977, Öl auf Leinwand (Diptychon), Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Komplementäre Gegensätze

Viel von der Kraft, die wir in Joan Mitchells Gemälden spüren, scheint mit der Idee gegensätzlicher Kräfte zusammenzuhängen. Ein markantes Beispiel ist ihr Wechsel vom sogenannten All-over-Malstil, bei dem die gesamte Leinwand mit abstrakten Bildern bedeckt ist, hin zu einer traditionelleren Figur-Grund-Komposition mit großen Flächen weißer oder ungrundierter Leinwand. Doch statt von gegensätzlichen Kräften in ihren Figur-Grund-Kompositionen zu sprechen, ist es treffender zu sagen, dass diese Kräfte sich ergänzen. Sie stehen nicht im Widerspruch zueinander oder widerstehen sich nicht. Figur und Grund wechseln die Rollen, erhellen einander und tauschen ihren Einfluss auf den Blick des Betrachters aus.

Ebenso funktionieren die anderen sichtbaren Gegensätze in ihren Werken auf dieselbe Weise. Leichte Pinselstriche ergänzen aggressive, definieren sich gegenseitig durch ihre relativen Unterschiede; dichte, geschichtete, pastose Flächen verleihen ihren flachen Gegenstücken Präsenz; geometrische oder biomorphe Formen werden durch lyrische abstrakte Markierungen erhöht. Die verbindende Essenz, die sich durch das Werk von Joan Mitchell zieht, ist keine der Gegnerschaft, sondern eine der Beziehung zu einer Welt komplementärer Verbindungen, die zu einem harmonischen Ganzen führen.

Joan Mitchell - Edrita Fried, 1981. Öl auf Leinwand. Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell

Ungeformte Abstraktion

Im Laufe ihrer Karriere änderte Joan Mitchell mehrmals ihre Ästhetik. Jede Veränderung hing entweder mit einem geografischen Wechsel oder einer Änderung persönlicher Umstände zusammen. Eine der größten Umbruchsphasen erlebte sie in den 1960er Jahren, als sie innerhalb weniger Jahre beide Eltern und eine liebe Freundin verlor. Eine weitere kam in den 1980er Jahren, als bei ihr Krebs diagnostiziert wurde. Während jede ästhetische Veränderung unterschiedliche emotionale Nuancen ausdrückt, fühlt sich keine wie ein Ende an. Jede Entwicklung in ihrem Werk besitzt das Gefühl des Ungeformten; das embryonale Versprechen von etwas Neuem und noch Ungeformtem.

Nach dem Jahrzehnt der Verluste in den 1960er Jahren wandte sich Mitchell der geometrischen Figuration zu und kehrte bald darauf zum All-over-Malstil zurück. Ihre Farbpalette änderte sich zu tiefen Grüntönen und lebhaften Gelbtönen, die die Farben der Natur widerspiegeln. In den 1980er Jahren wechselte ihre Palette zu reinen und Grundfarben: Blau, Orange, Grün und Rot. Ihre Pinselstriche wurden kurz und kräftig, elektrisiert und fast vibrierend. Jede neue Phase vermittelt die Idee eines neuen, unbestimmten Anfangs und ist somit von Natur aus Ausdruck von Hoffnung und Neubeginn.

Joan Mitchell - Trees, 1990-91. Öl auf Leinwand. Privatsammlung. © Nachlass von Joan Mitchell

Loslassen

Durch alle Phasen ihres Schaffens zieht sich ein beständiges Gefühl von Energie und Lebendigkeit in den Gemälden von Joan Mitchell, sei es durch ihre Pinselstriche, ihre Kompositionen, ihre Harmonien oder die Verwendung komplementärer Gegensätze. Diese Energie inspiriert weiterhin die dritte Generation der abstrakten Expressionisten, die heute arbeiten, wie Francine Tint. Sie prägt auch die Werke zeitgenössischer gestischer Abstraktionisten wie Ellen Priest.

Ein Universum von Gefühlen öffnet sich in den Werken dieser Maler, das stets zwischen der dunkelsten Energie und dem hellsten Licht, dem aggressivsten und dem friedlichsten Zustand schwankt und mit einem fieberhaften Gefühl von Unmittelbarkeit von den Oberflächen ihrer Gemälde springt. Mitchell beschrieb die Quelle dieser fieberhaften Unmittelbarkeit einmal, indem sie das Gefühl beim Malen mit einem Orgasmus verglich. Sie beschrieb es auch einmal als „Fahrradfahren ohne Hände“. Beide Beschreibungen sprechen von der reinen Freude des emotionalen Loslassens, die nur durch einen Akt völliger Hingabe möglich ist. Und beide sprechen von der Ausdruckskraft menschlicher Ehrlichkeit, die nur möglich ist, wenn jemand frei ist.

Titelbild: Joan Mitchell - Untitled, 1977, Öl auf Leinwand, Joan Mitchell Foundation, New York. © Nachlass von Joan Mitchell
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken
Von Phillip Barcio