Barbara Takenagas Fluktuationen des Raums

Die DC Moore Gallery in New York hat kürzlich Outset eröffnet, eine Einzelausstellung neuer Gemälde von Barbara Takenaga. Diese Gemälde könnten jedoch besser als Welten beschrieben werden. Sie besitzen eine Art Schwerkraft oder zumindest Magnetismus, der das Auge nach innen zu einer unaufhörlichen Tiefe zieht. Visuell drücken sie Aspekte der geheimnisvollsten Bereiche der physischen Existenz aus: kosmischen und mikroskopischen Raum. Aber das sind nicht wirklich Bilder des inneren oder äußeren Raums oder von irgendetwas Erkennbarem. Sie sind abstrakte Manifestationen des Wesens einer Traumwelt, eine Erfindung der Künstlerin. Takenaga beginnt jede Komposition mit einem einzelnen Punkt Farbe auf der Oberfläche. Von diesem Punkt aus entfaltet sich eine konstruierte Welt, ein illusorischer Raum, der fröhlich zwischen den Punkten, Linien und flüchtigen Wolken wirbelt. Zuschauer berichten von einem unbestreitbaren physischen Anziehung, die sie näher zu den Werken zieht und sie zwingt, lange Zeit auf eine einzige Leinwand zu starren, vielleicht glücklich, niemals aus ihrem Sog zu entkommen. Doch wenn Sie sich lange genug von der mystischen Kraft dieser Gemälde befreien können, um sie auf einer formelleren Ebene zu bewerten, werden Sie sehen, was sie wirklich großartig macht: die Methode ihrer Entstehung. Es ist fast unmöglich zu glauben, dass es sich nur um Acrylfarbe und Leinen handelt, die langsam von einer sorgfältigen, hartnäckigen Hand aufgetragen werden. Die Breite der Technik, die erforderlich ist, um eine solche Leuchtkraft, solche Details und solche Tiefe zu erreichen, zeigt, dass Takenaga eine technische Meisterin ihres Handwerks ist. Nur wenige Maler können heute mit ihr in Bezug auf reines Können mithalten. Noch weniger kombinieren eine so komplexe und akribische Methode mit einer so außergewöhnlichen Vision.

Übungen in der Komposition

Für viele Betrachter, mich eingeschlossen, hat Takenaga eine fast schamanistische Stellung in der zeitgenössischen amerikanischen abstrakten Kunst erreicht. Ihre Werke artikulieren sowohl nach innen als auch nach außen und ergreifen einen schwer fassbaren Raum im visuellen Feld, der zur Introspektion anregt. Nur wenige Maler inspirieren die Betrachter nicht nur dazu, die Materialien zu betrachten und nicht nur auf die Bilder zu reagieren, sondern auch an einen anderen Ort in ihrem eigenen Geist zu gehen, als ob das Gemälde eine rätselhafte Art von Spiegel wäre: eine spekulative Tür zum Selbst. Doch in diesen Gemälden geschieht nichts wirklich Mystisches. Sie entstehen aus kritischen Entscheidungen, die die Künstlerin getroffen hat. Takenaga ist sich mehr als die meisten Maler der unendlichen Anzahl von Richtungen bewusst, in die sie mit einer bestimmten Komposition gehen könnte. Sie hat das Vertrauen, Entscheidungen zu treffen. Das Gemälde sieht so aus, wie es aussieht, weil sie diese Vision aus einer unendlichen Anzahl von Möglichkeiten ausgewählt hat. Das macht sie weniger zu einer intuitiven Magierin und mehr zu einer brillanten Technikerin. Ich weiß das wegen einer wichtigen Serie von Gemälden, die Takenaga 2009 geschaffen hat, mit dem Titel "Langwidere."

Barbara Takenaga - Outset, 2017. Acryl auf Leinen. 45 x 54 Zoll. © Barbara Takenaga. Foto mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Gallery

„Langwidere besteht aus dreißig Variationen derselben Komposition, die jeweils auf einer 12" x 10" Holztafel gemalt sind. Takenaga wählte die Zahl 30, aber sie hätte ebenso gut 300 oder 3000 Variationen der Komposition malen können. Die Übung ist Teil einer langjährigen Tradition in den Künsten. Im Jahr 1512 veröffentlichte der niederländische Gelehrte Desiderius Erasmus Roterodamus ein Buch mit dem Titel Copia: Foundations of the Abundant Style, das ein Kapitel mit 195 Variationen des lateinischen Satzes „Tuae litterae me magnopere delectarunt“ oder „Dein Brief hat mich sehr erfreut“ enthielt. 1947 veröffentlichte der französische Romanautor Raymond Queneau „Exercises in Style“, ein Buch, das aus 99 Variationen einer Kurzgeschichte besteht, in der der Erzähler zwei Männer sieht, die in einem Bus streiten, und später sieht er einen der Männer, der eine Diskussion über das Hinzufügen eines Knopfes zu seiner Jacke führt. Takenaga schuf diese Serie von Gemälden im gleichen Geist einer Übung im Stil. Es ist eine Übung in Komposition, die zeigt, dass sie sich der unendlichen Möglichkeiten, die jede Wahl impliziert, sehr wohl bewusst ist. Die Übung beweist, dass, wenn wir uns irgendein Werk ansehen, das sie seitdem gemalt hat, allein ihr Sinn für Kunstfertigkeit und Intelligenz bestimmt hat, dass aus unendlich vielen anderen Potenzialen diese Manifestation des Gemäldes die beste Version ist, die existieren könnte.

Barbara Takenaga - Rust Never Sleeps, 2018. Acryl auf Leinen. 60 x 70 Zoll. © Barbara Takenaga. Foto mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Gallery

Vielfältige Realitäten

Wie bei vielen ihrer früheren Werke erinnern auch viele der neuen Werke in Outset an etwas, das sich im Prozess des Werdens befindet. Die Bilder scheinen sich in einem Zustand des Übergangs zu befinden. So ist es auch bei dem größten neuen Gemälde dieser Ausstellung mit dem Titel „Manifold 5“ (2018). Dieses fünfteilige Werk misst massive 70" x 225." Die Komposition wird von organischen, wirbelnden blauen und silbernen Bändern dominiert. Innerhalb der Bänder schweben Dutzende von Variationen eines einzelnen Bildes: etwas, das einem Spritzer oder einer Explosion ähnelt, das aus konzentrischen Ringen von Punkten emanieren, die an kleine Universen erinnern. Es ist ein unbestreitbar dynamisches Bild, das sowohl als kreativ als auch als destruktiv wahrgenommen werden könnte. Dies könnte ein Bild von Dingen in ihren uranfänglichen Anfängen sein, oder von Dingen, die ihrem gewaltsamen Ende entgegenkommen, oder vielleicht von beidem.

Barbara Takenaga - Manifold 5, 2018. Acryl auf Leinen. 70 x 225 Zoll. © Barbara Takenaga. Foto mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Gallery

Doch zwei andere Werke in dieser Ausstellung besitzen eine ganz andere Art von Stimmung. Die zweigeteilte "Atmosphere L and R" (2017) und das Gemälde mit dem Titel "Aeaea" (2018), das nach der Insel benannt ist, auf der Circe, die mythische griechische Göttin der Magie, lebt, erinnern an etwas Statisches, fast Geologisches. Anstatt das Gefühl zu haben, dass ich Prozesse in Aktion betrachte, vermitteln mir diese Gemälde das Gefühl, dass ich das Ergebnis vergangener Prozesse betrachte. Sie erinnern mich auf fast anthropologische Weise an die Natur. Etwas an diesen Werken machte mich weniger introspektiv und mehr nach außen gerichtet. Sie verbinden mich mit etwas außerhalb von mir. Kritisch betrachtet ist es für einen Maler nicht einfach, dies zu tun. Aus diesem Grund, sowie aufgrund des technischen Könnens, das sie in diesem Werk gezeigt hat, glaube ich, dass Takenaga mit dieser Ausstellung eindeutig bewiesen hat, dass sie zu den besten Malern ihrer Generation gehört. Barbara Takenaga: Outset ist bis zum 6. Oktober 2018 in der DC Moore Gallery in New York zu sehen.

Vorschaubild: Barbara Takenaga - Arch, 2018. Acryl auf Leinen. 45 x 54 Zoll. © Barbara Takenaga. Foto mit freundlicher Genehmigung der DC Moore Gallery

Von Phillip Barcio