Die Kraft von Piet Mondrians Komposition mit Rot, Blau und Gelb
Piet Mondrian malte 1930 „Komposition in Rot, Blau und Gelb“. Dieses Werk markiert einen feinen Wendepunkt in der Entwicklung seines unverwechselbaren, einzigartigen Malstils, den er Neo-Plastizismus nannte. Seine bildliche Ausdrucksweise entstand durch ein sorgfältiges, tägliches Streben nach vollständiger Abstraktion, die er als Weg ansah, eine universelle Reinheit durch die plastischen Künste auszudrücken. Im Jahr 1920, dem gleichen Jahr, in dem er sein Buch Le Néo-Plasticisme veröffentlichte, malte Mondrian seine ersten Rasterbilder mit den schwarzen horizontalen und vertikalen Linien und rechteckigen Flächen reiner Farbe, für die er heute am bekanntesten ist. Früh in seiner Erforschung dieser einzigartigen Position experimentierte Mondrian mit mehreren Farben und Tönen und erforschte eine Vielzahl von Anordnungen sowohl für seine Leinwände als auch für die Formen innerhalb seiner Kompositionen. Bis zu seinem Tod im Jahr 1944 hatte er eine fantastisch komplexe und reife Vision erreicht, verkörpert durch sein Meisterwerk „Broadway Boogie Woogie“. Inmitten dieser Entwicklung malte er „Komposition in Rot, Blau und Gelb“. Es mag nicht sofort ersichtlich sein, warum dieses Werk bemerkenswert ist oder warum es einen wichtigen Wendepunkt darstellt. Doch es gibt einige Aspekte, die es deutlich von vielen anderen Gemälden Mondrians abheben und einen Punkt in seiner Entwicklung signalisieren, an dem sich Mondrian selbst wandelte.
Die Linien lesen
Manche sagen, um die wahre Botschaft dessen zu verstehen, was jemand sagt, müsse man zwischen den Zeilen lesen. Im Fall von „Komposition in Rot, Blau und Gelb“ tragen die Linien selbst eine verborgene Botschaft. Es ist bekannt, dass Mondrian in seiner Arbeit nach Gleichgewicht strebte. Er schrieb ausführlich über kompositorische Harmonie als Reaktion gegen das Chaos. Dieses Harmoniegefühl erreichte er, indem er unermüdlich das Gleichgewicht zwischen den plastischen Elementen seiner Bilder suchte. Die Platzierung der Farben, die Größe der Formen und die Eigenschaften der Flächen wirkten aufeinander ein, sodass er sich entweder aus dem Gleichgewicht oder im Gleichgewicht fühlte. Die Suche galt stets dem perfekten Punkt, an dem eine Komposition eine Art Ruhe erreichte.
Doch mit der Zeit begann Mondrian, die Ruhe, die er einst suchte, zu verabscheuen. Seine späteren Gemälde, die er in New York schuf und die von der Bewegung der Stadt und der Energie des Jazz inspiriert sind, scheinen fast zu vibrieren und zu summen. „Komposition in Rot, Blau und Gelb“ markiert einen Anfangspunkt seiner Fähigkeit, seinen Bildern diese Energie zu verleihen. Das Geheimnis liegt in den Linien. Es mag beim ersten Blick kaum wahrnehmbar sein, doch wenn man die schwarzen Linien in diesem Gemälde betrachtet, sieht man, dass die Linie oben links in der Komposition doppelt so dick ist wie die anderen Linien. Mondrian glaubte, dass diese Wahl, eine der Linien doppelt breit zu machen, seiner Komposition Leben einhauchte. Er wandelte seine Gedanken von dem Glauben an Ruhe als universelle Notwendigkeit hin zu der Idee, dass selbst eine völlig abstrakte und harmonische Komposition Energie braucht, um lebendig zu wirken.
Im Gleichgewicht schweben
Trotz des Strebens nach Energie und Bewegung, das Mondrian mit seiner doppelt breiten Linie ausdrückte, ist „Komposition in Rot, Blau und Gelb“ dennoch eine höchste Manifestation bildlicher Harmonie. Auf seltsame Weise gleicht die durch die breiten Linien eingebrachte Energie die anderen Bildelemente aus, die sonst zu konkret wirken könnten. Dabei spreche ich vor allem von dem massiven roten Quadrat, das dieses Bild dominiert. Das visuelle Gewicht dieses Quadrats spiegelt die perfekt quadratische Form der Leinwand wider. Es ruft fast Vergleiche zu einem Gemälde Malevichs aus Jahrzehnten zuvor hervor. Es ist verlockend, das rote Quadrat als Hauptgegenstand des Werks zu sehen, was dieses Gemälde aus dem Bereich der reinen Abstraktion herausführen würde. Mondrian versuchte eindeutig, so wenige andere Bildelemente wie möglich in der Komposition zu verwenden. Er ging mit dem winzigen gelben Rechteck am unteren Rand der Leinwand ins andere Extrem und traf mit dem blauen Rechteck die Mitte. Doch es ist merkwürdigerweise die doppelt breite Linie, die andeutet, dass in dieser Komposition tatsächlich mehr geschieht als einfache farbige Formen.
Ein weiterer interessanter Aspekt dieses Gemäldes, zumindest für mich, ist, dass Mondrian die Farbflächen an den Rändern der Leinwand nicht einfasste. Das tat er keineswegs immer. Häufig sind seine Rechtecke vollständig von schwarzen Linien umschlossen. Indem er die Formen in diesem Fall offen ließ, entsteht der Eindruck, dass die Linien vielleicht nie als Rahmen gedacht waren. Vielleicht sollten sie als Farbflächen verstanden werden, die den anderen farbigen Formen gleichwertig sind. Oder vielleicht sollen sie etwas Konkretes darstellen, während die Farbe eher wie Licht wahrgenommen werden soll – etwas Flüchtiges, das den leeren Raum füllt. Da sie in diesem Gemälde nicht von schwarzen Linien begrenzt sind, könnten sich die farbigen Flächen unendlich in den Raum jenseits des Leinwandrandes ausdehnen. Wenn dem so ist, ist es fast so, als hätte Mondrian ein Bild, das er in seinem Geist sah, beschnitten. Ich kann mir vorstellen, dass Mondrian weniger ein allwissender Erzähler einer fiktiven Bildwelt war, sondern eher ein Dokumentarist, der sah, was vor ihm lag, und es so bearbeitete, dass wir es alle so verstehen konnten wie er. Vielleicht würde diese Vorstellung Mondrian ärgern, da er auf seiner Suche nach reiner Abstraktion beharrte. Doch gerade das macht „Komposition in Rot, Blau und Gelb“ zu einem so wandlungsreichen Gemälde. Es veränderte nicht nur seine eigene Entwicklung als Maler – es verändert auch unsere Fähigkeit, mit dem Erbe seiner Arbeit auf eine Weise umzugehen, die selbst seine eigenen Erwartungen übertrifft.
Abgebildetes Werk: Piet Mondrian – Komposition in Rot, Blau und Gelb. 1930. Öl und Papier auf Leinwand. 46 x 46 cm. Kunsthaus Zürich
Von Phillip Barcio
