Carmen Herrera: Sichtlinien

Kosmologen sagen, dass wir, wenn wir in den Weltraum schauen, in die Vergangenheit blicken. Die Galaxien, die wir durch Teleskope sehen, existieren möglicherweise nicht mehr. Aber spielt das für das Licht eine Rolle? Es ist jetzt hier, um uns zu helfen, zu sehen. Warum die Dinge komplizieren? Carmen Herrera ist jemand, der an Einfachheit glaubt. Als Künstlerin hat sie viel mit kosmischem Licht gemeinsam. Sie begann in den 1930er Jahren zu malen, verkaufte ihr erstes Kunstwerk jedoch erst im Alter von 89 Jahren, obwohl sie mit einigen der berühmtesten und einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts verbunden war. Jetzt, im Alter von 101 Jahren, genießt sie ihre erste Museum-Retrospektive im Whitney Museum in New York. Betitelt Lines of Sight, umfasst die Ausstellung Werke aus der frühen Phase ihrer Karriere, von 1948 bis 1978. Neben den Werken erkundet eine Erzählung die möglichen Gründe, warum Herrera den Großteil ihrer Karriere in nahezu totaler Anonymität verbracht hat. Sie war eine in Kuba geborene Frau in der ideologischen, voreingenommenen, von weißen Männern dominierten Kunstwelt der Vergangenheit. Aber während einige Elemente dieser Erzählung unbestreitbar sind, entzieht die Geschichte einer selbstbewussten, talentierten Künstlerin die Kraft. Eine einfachere Erklärung ist, dass Carmen Herrera einfach ihre eigene Zeit gewählt hat, die jetzt ist. Wir entscheiden uns einfach, ihr Licht uns zu erleuchten, egal wie lange es gebraucht hat, um hierher zu gelangen oder was ihm im Weg stand.

Oberflächeninterpretationen

Die auffälligste Beobachtung, die beim Rundgang durch Lines of Sight offensichtlich wird, ist die Transformation, die im Laufe der Ausstellung in den Arbeiten evident ist. Die Werke sind grob chronologisch angeordnet, was es den Betrachtern ermöglicht, die formale und konzeptionelle Entwicklung zu betrachten, die Herrera im Laufe der Jahre erfahren hat. Aus materieller Perspektive sehen wir, dass Herrera ursprünglich auf grob bearbeitetem Jutegewebe malte. Es benötigt eine große Menge Farbe, um die großen Löcher in einer Juteoberfläche zu bedecken. Neben ihren abstrakten Qualitäten besitzen Gemälde wie A City, das 1948 gemalt wurde, und Siete, das 1949 gemalt wurde, aufgrund der Physicalität und Materialität ihrer Oberflächen eine rohe, emotionale, malerische Qualität.

Auch in diesen frühen Gemälden ist deutlich zu erkennen, wie Herrera die Leinwand im Vergleich zu ihrer späteren Arbeitsweise genutzt hat. Gemälde wie Field of Combat enthalten im Vergleich zu ihren späteren Arbeiten eine relative Vielzahl von Formen und Farben. Und mehrere ihrer Werke aus den späten 1940er und frühen 1950er Jahren spielen mit Vorstellungen von optischer Täuschung und Symbolik und basieren auf komplexen visuellen Mustern und Systemen. In all diesen frühen Gemälden gibt es ein Gefühl, dass Herrera die Leinwand als Unterstützung für ein Bild sieht und dass die Themen, mit denen sie arbeitet, alle direkt auf der Oberfläche des Werkes enthalten sind.

Carmen Herrera - Paris, 1948 - 1954. Blick auf die Ausstellung

Eine erweiterte Arena

Während eines Aufenthalts in Paris entwickelte Herrera die Perspektive, dass sie zu viele Dinge in ihren Gemälden hatte. Sie begann, sich für die Vereinfachung ihrer Arbeit zu interessieren. Sie beschränkte ihre Farbpalette auf nur eine oder zwei Farben und reduzierte ihren Formenwortschatz drastisch. Diese Transformation wird wunderschön als Mittelpunkt von Lines of Sight präsentiert, durch eine Auswahl von Arbeiten aus einer Serie, die Herrera in den 1950er Jahren schuf und die als Blanco y Verde bezeichnet wird. Diese Werke nutzen alle die Farben Grün und Weiß und verlassen sich auf Formen, die so spärlich sind, dass sie oft mehr wie Linien erscheinen.

Neben dem Ziel, das sich Herrera gesetzt hatte, ihre Palette und ihre Formsprache zu vereinfachen, änderte sie auch die Art und Weise, wie sie die Essenz von Gemälden als Objekte betrachtete. Sie begann, ihre Leinwände weniger als Flächen zum Malen zu sehen, sondern mehr als Objekte, die Raum einnehmen. Sie begann, ihre gemalten Formen über die Vorderseite der Leinwand hinaus und auf die Seiten fortzusetzen und schuf Kompositionen, die über die Grenzen der Leinwand hinaus in den Raum projizierten.

Carmen Herrera - Kampfplatz, 1952; Grüner Garten, 1950; Untitled, 1947-48 (Von Links nach Rechts)

Mythen der Schöpfung

Indem sie ihren Blick auf Gemälde als Objekte erweitert, begann Herrera auch, im dreidimensionalen Raum zu arbeiten und Objekte zu schaffen, die direkt auf dem Boden stehen oder in ihrer Präsenz skulptural sind, aber an der Wand hängen. Durch solche Werke ermöglicht Herrera den Betrachtern, ihre ästhetischen Vorschläge vollständig zu erfassen. Die Möglichkeit, diese Formen sorgfältig und umfassend zu betrachten und zu sehen, wie sie ihre Umgebung einnehmen, bietet ein erweitertes kontemplatives Verständnis der restlichen Werke in der Ausstellung.

Aus einer bestimmten Perspektive in der Ausstellung öffnet sich diese kontemplative Schicht wunderschön, da wir sehen, wie Herrera das gleiche räumliche Gespräch über eine Reihe von ausgestellten Werken erkundet: ein Gemälde aus der Serie Blanco y Verde, ein monochrom rotes skulpturales Objekt, das auf dem Boden gestützt ist, und ein monochrom gelbes skulpturales Objekt, das an der Wand hängt. Hier wird etwas sowohl Einfaches als auch Tiefgründiges kommuniziert. Diese Objekte können nach ihren Unterschieden definiert werden, die offensichtlich sind. Aber mit einem Wechsel der Wahrnehmung können wir sie viel mehr für ihre Ähnlichkeiten schätzen und uns somit in einer Feier ihrer gemeinsamen Essenz verlieren.

Carmen Herrera - 1962-1978 - Ausstellungsansicht

Meistere eine Sache

Herrera hat bewiesen, dass die wichtigsten Vorstellungen in einfachsten Begriffen ausgedrückt werden können. Durch ihre Kunst drückt sie einfache, direkte Aussagen aus. Ihr Werk kommuniziert etwas wie ein Zen-Rätsel: Wenn du versuchst, dich auf alles zu konzentrieren, wirst du am Ende nichts verstehen, aber wenn du eine Sache meisterst, kannst du alles verstehen.

Was vielleicht am meisten über Herrera als Künstler und als Mensch aussagekräftig ist, ist, dass throughout Lines of Sight ein Gefühl der Kontinuität besteht. Jedes ausgestellte Werk hat sein eigenes Selbstverständnis, aber der größere Werkzusammenhang hat Einfluss auf die individuellen Überlegungen. Dies ist eine Ausstellung über Beziehungen und darüber, wie wir die Teile im Vergleich zum Ganzen sehen. Sie zeigt, wie einfach es ist, sich auf das Unbedeutende und das Kleinliche zu konzentrieren, was nichts anderes tut, als unser Leben zu komplizieren. Sie lädt uns ein, Ideologie und Vorurteile abzulegen und unseren Geist zu beruhigen und einfach zu schauen. 

Carmen Herrera - Schwarz und Weiß, 1952 - Grün und Weiß, 1956 (Von Links nach Rechts)

Vorgestelltes Bild: Carmen Herrera - Linien des Sehens, Ausstellungsansicht (Credit: IdeelArt)
Von Phillip Barcio