Wie Die Brücke (Die Brücke) die Kraft der Farbe feierte

Der deutsche Expressionismus entstand 1905 in der Stadt Dresden. Damals schlossen sich vier Architekturstudenten zusammen, um Die Brücke zu gründen, eine künstlerische Bewegung, die eine deutsche ästhetische Revolution einleiten sollte. Die Brücke bedeutet auf Deutsch „Die Brücke“. Der Ausdruck vermittelt die Vorstellung, die die Gruppe von sich selbst hatte: als Übergangsfiguren, die die veralteten deutschen Kunsttraditionen der Vergangenheit mit modernistischen Idealen verbinden, die die Kultur in die Zukunft führen würden. Allgemein tendierte die Ästhetik von Die Brücke zu emotional ausdrucksstarken Kompositionen, die von reinen, flachen, ungraduellen Farbflächen und vereinfachten Formen mit primitiven Strichen dominiert wurden. Die Künstler von Die Brücke wollten Gefühle vermitteln, statt die Wirklichkeit zu kopieren. Ihre Ästhetik war stark von Holzschnittdruck inspiriert. Doch es gab auch eine andere, frühere Inspiration für die Gruppe – etwas, das ironischerweise weder deutsch noch aus ihrem Jahrhundert stammte: die Gemälde von Vincent Van Gogh, einem niederländischen Postimpressionisten, der 1890 gestorben war. Die vier Gründer von Die Brücke – Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel, Fritz Bleyl und Karl Schmidt-Rottluff – besuchten 1905 eine Van-Gogh-Retrospektive in Dresden. Sie waren damals noch keine Maler, doch sie waren fasziniert davon, was dieser visionäre Künstler mit Farbe ausdrücken konnte. Die Farben, die schnellen Pinselstriche und die vereinfachten Formen hatten eine elektrisierende Wirkung auf sie. Sein Beispiel zeigte ihnen einen Weg, die zugrundeliegenden Leidenschaften des Lebens anzuzapfen. Van Gogh war für Die Brücke so einflussreich, dass eines der späteren Mitglieder – Emil Nolde – tatsächlich versuchte, sie zu überzeugen, ihren Namen in „Van Goghiana“ zu ändern. Glücklicherweise folgten sie diesem Vorschlag nicht. Eine solche Änderung anzunehmen, wäre der Tod einer Bewegung gewesen, die vor allem auf Originalität beruhte. Sicher, Van Gogh inspirierte sie, aber was Die Brücke wirklich suchte, war nicht, jemanden zu kopieren, sondern ihren eigenen individuellen Instinkten zu folgen. Diese Absichten fasst der dritte Satz ihres dreisätzigen Manifests zusammen, das 1906 auf einem Holzschnitt veröffentlicht wurde und lautet: „Wer direkt und authentisch das wiedergibt, was ihn zum Schaffen antreibt, ist einer von uns.“

Ein geordneter Aufruhr

Für die meisten Deutschen um die Jahrhundertwende wirkten die Künstler von Die Brücke wie wilde Männer. Als Franz Marc erstmals eine Ausstellung ihrer farbenfrohen, primitivistischen Gemälde sah, nannte er sie „die Fauves Deutschlands“, eine Anspielung auf les Fauves, oder „die wilden Tiere“, eine Künstlergruppe, die zur gleichen Zeit in Frankreich unter der Leitung von André Derain und Henri Matisse arbeitete und ebenfalls leuchtende, unrealistische Farben verwendete. Der Vergleich mit les Fauves war treffend. Tatsächlich verdiente Die Brücke sogar einen noch wilderen Ruf. Sie verwendeten nicht nur gewagte Farben in ihren Gemälden, sie waren in jeder Hinsicht wild. Sie lebten illegal in ihren Ateliers, die nicht als Wohnräume ausgewiesen waren, versteckten tagsüber ihre Betten auf dem Dachboden, um nicht erwischt zu werden. Sie malten auch Aktmodelle in der Natur. Da kein respektables, professionelles Modell eine solche Aufgabe übernehmen wollte, bezahlten sie Laien, die mit ihnen in den Wald gingen, weit weg von neugierigen Blicken. Zusammen mit ihren Amateur-Aktmodellen und einem Kreis von Freunden und Geliebten feierten sie, malten und schwammen, wurden eins mit ihrer künstlerischsten, freiesten und ursprünglichsten Natur.

Das Bild von Die Brücke als unkontrollierbare Wilden ist jedoch nicht zutreffend. Sie waren Bohème, aber auch eine der organisiertesten und durchdachtesten Künstlergemeinschaften der Geschichte. In den acht Jahren ihres Bestehens veranstalteten sie mehr als 70 Gruppenausstellungen, sowohl in Deutschland als auch im Ausland. Die Gruppe war auch in Bezug auf Vermarktung innovativ. Sie verkauften Abonnements, sodass Betrachter, die ihre Werke besitzen wollten, aber sich kein Gemälde leisten konnten, Poster, Drucke und andere Druckerzeugnisse wie Manifeste erhalten konnten. Die Gruppe war streng in ihren Mitgliedschaftsregeln: Kein Mitglied durfte seine Werke außerhalb von Gruppenausstellungen zeigen. Das enorme Organisationstalent, das nötig war, um so viele Ausstellungen zu realisieren und gleichzeitig Mitgliedschaften und Abonnements zu verwalten, ist unbestreitbar beeindruckend. Trotz ihres Rufs als wilde Männer schuf Die Brücke eine revolutionäre und äußerst effektive Organisationsstruktur – eine, die noch heute von vielen Künstlergemeinschaften und von Künstler geführten Galerien nachgeahmt wird.

Ernst Ludwig Kirchner – Manifest der Künstlergruppe Brücke, 1906. Horst Jähner: Künstlergruppe Brücke. Geschichte einer Gemeinschaft und das Lebenswerk ihrer Repräsentanten. E.A.Seemann, Leipzig 2005.

Die Entarteten

Die Brücke begann um 1912 auseinanderzufallen, als Max Pechstein, ein später Beitretender, offen gegen ihre Mitgliedschaftsvereinbarung verstieß, indem er seine Werke in Einzelausstellungen zeigte. Der Nagel im Sarg kam 1913, als Kirchner seine Chronik der Brücke schrieb, die die anderen Mitglieder entfremdete, weil er sich als deren Anführer darstellte (wobei die Gruppe in Wirklichkeit eine lose organisierte, fast anarchische Ansammlung von Individuen war). Durch eine Wendung der Geschichte blieben die Mitglieder von Die Brücke jedoch nicht für immer entfremdet. Als die Nazis an die Macht kamen, galt die Kunst der Brücke-Künstler als entartet. Die Mitglieder wurden durch diese Ereignisse bewegt, zumindest theoretisch ihre Verbundenheit zueinander und zu dem Ideal, für das sie standen, zu bekräftigen: Freiheit und Unabhängigkeit für Künstler.

Nach ihrer Aufnahme in die Ausstellung „Entartete Kunst“ von 1937 wurden viele Werke von Heckel sowie von dem später Beigetretenen Otto Mueller zerstört. Doch ihr gesamtes Erbe ging nicht verloren. Einige Jahre vor seinem Tod stiftete Heckel die verbliebenen Werke, um die Gründung des Brücke-Museums zu unterstützen, das 1967 in Berlin eröffnet wurde. Karl Schmidt-Rottluff machte ebenfalls eine bedeutende Schenkung seiner Werke, und das Museum hat seitdem viele weitere Stücke von anderen Mitgliedern der Gruppe erworben. Heute umfasst seine Sammlung Tausende von Gemälden, Skulpturen und Papierarbeiten. Das farbenfrohe Erbe der Gruppe lebt in dieser Sammlung weiter, doch es endet nicht dort. Es hallt durch das Gewebe zahlloser anderer expressionistischer Bewegungen des 20. Jahrhunderts und durch die zeitgenössische Kunstwelt heute als Beispiel für die Ausdruckskraft der Farbe und das revolutionäre Potenzial von Echtheit wider.

Abgebildet: Karl Schmidt-Rottluff – Pharisäer, 1912. Öl auf Leinwand. 75,9 x 102,9 cm. Gertrud A. Mellon Fund. MoMa Sammlung. © 2019 Artists Rights Society (ARS), New York / VG Bild-Kunst, Bonn.
Alle Bilder dienen nur zur Veranschaulichung
Von Phillip Barcio