Die Kunst von Richard Pousette-Dart ist auf den Punkt.

Für den amerikanischen Künstler Richard Pousette-Dart (1916 – 1992) war der Kreis ein Symbol für das ewige Leben. Er betrachtete seine Form als Ausdruck nicht nur der Ewigkeit, sondern auch anderer universeller Wahrheiten, wie der spirituellen Natur des Menschen, der Vorstellung, dass Menschen untrennbar mit der Natur verbunden sind, und dem hoffnungsvollen Glauben, dass wir die zeitlichen Aspekte des Daseins durch künstlerischen Ausdruck überwinden können. Pousette-Dart drückte seine Verehrung für den Kreis im Laufe seiner Karriere auf viele verschiedene Arten aus. Als junger Maler in den 1930er Jahren füllte er seine brutalen, primitivistischen Kompositionen mit Kreisen, die als figurative Ausdrücke von Augen dienten. In den 1940er Jahren, als das jüngste Mitglied der ersten Generation der Abstrakten Expressionisten, nutzte er den Kreis als wiederkehrendes abstraktes Totem: als Stellvertreter für einen menschlichen Kopf, eine Atompilzwolke, einen Planeten, die Sonne, Hoffnung, Weisheit und Blumen. Über mehrere Jahre hinweg schnitt Pousette-Dart Messingkreise in einer Vielzahl von Größen und Formen und verschenkte sie an Freunde und Bekannte als Embleme spiritueller Verbundenheit. Dann, in den 1960er Jahren, fand die vollste und reifste Manifestation seiner Verehrung für den Kreis ihren Ausdruck, als Pousette-Dart eine Pointillistische Technik übernahm und seine Leinwände vollständig mit Tausenden von kleinen, runden Farbpunkten füllte. Im Gegensatz zu den pointillistischen Malern des 19. Jahrhunderts, die hofften, dass benachbarte Farbflecken im Auge verschmelzen würden, um den Betrachtern lebendige, dynamische Visionen ihrer figurativen Szenen zu ermöglichen, mobilisierte Pousette-Dart runde Punkte, um vollständig abstrakte Kompositionen zu schaffen. Seine abstrakten pointillistischen Gemälde sollen das Auge und den Geist des Betrachters in einen transzendentalen Raum ziehen, in dem mystische Wahrheiten warten. In seiner aspirativen Feier der metaphysischen Kraft des Kreises stellte sich Pousette-Dart an die Seite von Malern wie Hilma af Klint und Wassily Kandinsky: Abstraktionisten, die danach strebten, nicht die physische Welt und Dinge zu malen, die mit dem Auge leicht wahrgenommen werden können, sondern Dinge des Geistes, die nur den Tiefen des Unterbewusstseins zugänglich sind.

Ein New Yorker Schulflüchtling

Obwohl er in vielerlei Hinsicht nicht genau mit ihnen übereinstimmte, bringen mehrere historische Zufälle Pousette-Dart in die Gesellschaft einer der einflussreichsten Gruppen amerikanischer Künstler des 20. Jahrhunderts: der New York School. Dieses lose zusammengestellte Konglomerat von Künstlern erlangte nach dem Zweiten Weltkrieg an Bedeutung. Es umfasste die Abstract Expressionists sowie zahlreiche andere Künstler, die eine ähnliche methodische oder ästhetische Wertschätzung für die Bedeutung der abstrakten Kunst teilten. Eine Handvoll ausgeprägter kultureller Momente half dabei, zu definieren, wer zur New York School gehörte. Einer davon war eine Reihe von Treffen, die als Artists Sessions im Studio 35 bezeichnet wurden, bei denen die anwesenden Künstler die Ideen, Methoden und Philosophien diskutierten, die ihre Arbeit leiteten; ein anderer war der berüchtigte Protestbrief, der an das Metropolitan Museum of Art geschickt wurde und die Ausstellung American Painting Today – 1950 ablehnte, sowie das anschließende „Irascibles“-Foto, das kurz darauf in Life Magazine veröffentlicht wurde; ein weiterer war die 9th Street Art Exhibition von 1951, die die Arbeiten von 64 Künstlern zeigte und als Beweis für die Existenz eines global relevanten, amerikanischen, nachkriegszeitlichen avant-garde gilt.

Richard Pousette-Dart - Wüste, 1940. Öl auf Leinwand. 43" x 6' (109 x 182,8 cm). MoMA Sammlung. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Pousette-Dart war an all drei dieser Ereignisse beteiligt. Aber gleichzeitig war er ein Außenseiter, selbst unter diesen anderen Außenseitern. Im Gegensatz zu den meisten seiner Altersgenossen war er Vegetarier und mied Alkohol. Er ging selten in Bars aus, noch kämpfte er offen mit Angst und Depression. Im Gegenteil, Pousette-Dart war optimistisch, dass die Angst und Unsicherheit seiner Generation irgendwie durch Hoffnung und Transzendenz ersetzt werden könnten und dass Kunst eine zentrale Rolle in dieser Transformation spielen könnte. Vielleicht, weil er sozial nicht passte, oder vielleicht einfach, weil er eine ruhigere, nachdenklichere Umgebung wollte, in der er arbeiten konnte, verließ er 1951 New York City, gerade als die New Yorker Schule berühmt wurde. Mit seiner Frau und seinen Kindern zog er in den Bundesstaat und ließ sich in einer philosophisch orientierten Studio-Praxis nieder, die es ihm ermöglichte, einen unverwechselbaren persönlichen Stil zu entwickeln, der auf Farbe, Harmonie und Einfachheit basierte und wenig mit seinen Zeitgenossen in der Stadt gemeinsam hatte.

Richard Pousette-Dart - Untitled, 1944. Öl auf Leinwand. 39 × 52 Zoll (99,1 × 132,1 cm). Michael Rosenfeld Galerie. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Eine spitze Renaissance

Während seines Lebens erhielt Pousette-Dart viele Auszeichnungen, darunter Retrospektiven im Whitney Museum of Art und im Indianapolis Museum of Art. Und seit seinem Tod im Jahr 1992 wurde seine Arbeit in Retrospektiven im Whitney, im Metropolitan Museum of Art, im Guggenheim (New York und Venedig) und in der Philips Collection in Washington, DC, unter anderem, präsentiert. Doch trotz solcher Aufmerksamkeit bleibt sein Werk etwas unterbewertet, insbesondere bei internationalen Zuschauern. Eine häufig angebotene Erklärung für diese wahrgenommene Vernachlässigung ist die Theorie, dass die Menschen nicht an einem optimistischen Abstrakten Expressionisten interessiert sind – sie bevorzugen die deprimierte, alkoholkranke Variante. Eine andere Theorie besagt, dass der eigenwillige Stil, den er nach seinem Verlassen von New York entwickelte, seine Arbeiten schwer kategorisierbar machte und somit für Händler schwer zu verkaufen war.

Richard Pousette-Dart - Untitled, 1977. Graphit auf Papier. 22 3/4 × 30 Zoll (57,8 × 76,2 cm). Michael Rosenfeld Galerie. © 2019 Richard Pousette-Dart.

Es gibt jedoch mindestens einen alternativen Standpunkt, den man in Betracht ziehen sollte: dass Pousette-Dart nicht vernachlässigt wurde; er war vielleicht nur leicht seiner Zeit voraus. Denken Sie an Hilma af Klint, die höchste abstrakte Spiritualistin der modernen Ära. Erst jetzt, da ihre Retrospektive die Wände des Guggenheim in New York schmückt, werden breite Publikumsschichten auf ihr Werk aufmerksam. Sie war mehr als ein Jahrhundert ihrer Zeit voraus. Pousette-Dart gehört zu ihrer Linie – ein intuitiver, autodidaktischer Spiritualist, der an die mystischen und universellen Potenziale der abstrakten Kunst glaubte. Mit zwei kürzlichen Ausstellungen, die sein Werk einem britischen Publikum vorstellen – eine kürzlich in Cambridge beendet und eine andere bis zum 20. Februar 2019 in Pace London zu sehen – scheint die Zeit reif zu sein, Pousette-Dart im Kontext zeitgenössischer Trends neu zu betrachten. Vielleicht passte sein Werk nicht zur Zynik seiner eigenen Generation. Aber in unserer Zeit, in der wir uns unseren eigenen konkreten Problemen und Ängsten stellen, sind seine Einblicke in eine hoffnungsvollere und vereinte (wenn auch unsichtbare) Welt genau das, was wir brauchen.

Vorschaubild: Richard Pousette-Dart - Im Raum, 1942. Öl auf Leinwand und Holz. 36 × 60 Zoll. (91,4 × 152,4 cm). Whitney Museum of American Art, New York; 50. Jubiläumsgeschenk des Künstlers 2014.99. © 2019 Richard Pousette-Dart.
Alle Bilder dienen nur zu Illustrationszwecken.
Von Phillip Barcio